Композиции интересные: Интересные композиции из живых цветов своими руками: аранжировка цветов, фото цветочного дизайна в интерьере квартиры

красота мира в каждом кадре

Энни Гриффитс – первая женщина-фотограф National Geographic и член Международной лиги природоохранных фотографов – рассказывает, как применять правила композиции для создания интересных снимков.

Совет 1

Создавая портрет, не спешите. Обязательно найдите время, чтобы сделать последнюю проверку композиции и убедиться, что в кадре не будет ничего лишнего и отвлекающего. Составив общую картину, уделите затем внимание тому, чтобы максимально точно передать личность снимаемого объекта.

Композиция – это, по сути, процесс выстраивания «рамок» вокруг наиболее важных элементов вашей фотографии. При этом оставшееся «за рамками» не менее важно, чем то, что заключено внутри.

 Этот замечательный портрет, сделанный Джеймсом Л.Стэнфилдом, объединяет свет и тьму в идеальном балансе. Фигура поделена светом пополам, и все остальные части кадра сочетаются гармонично. Силуэт справа сбалансирован окном слева, треугольник неба симметричен треугольной тени в противоположном углу. В этой идеальной композиции ничто не отвлекает.

Совет 2

Планируя фотографировать сложные сюжеты, попробуйте найти возможность изолировать детали, которые хотите подчеркнуть. Для того чтобы снимок не стал нагромождением объектов, используйте архитектурные, природные или другие элементы, которые дадут возможность глазу «зацепиться» за них.

Уличный рынок, Индия. Фотограф – Уильям Альберт Аллард, National Geographic.

Мир как таковой хаотичен. Фотограф использует композицию для того, чтобы изолировать выбранный сюжет от общего хаоса. Делая этот снимок, Уильям Альберт Аллард отлично справился с задачей: оконные стекла отделяют различные сюжетные сценки друг от друга. Это удивительный снимок: к нему можно возвращаться взглядом снова и снова, каждый раз замечая что-то новое.

Совет 3

В большинстве случаев размещение самой важной части изображения точно по центру кадра сделает снимок неинтересным. Помните о «правиле третей» и ищите композицию, которая обеспечит баланс между сильными элементами и открытым пространством: именно это чаще всего позволяет получить впечатляющий результат.

Сливовое дерево, Китай. Фотограф – Реймонд Джеман, National Geographic.

Эта элегантная фотография, сделанная Реймондом Джеманом, – отличный пример композиционного «правила третей», что будет особенно понятно, если представить над снимком квадратную сетку, как для игры «крестики-нолики». Баланс можно достичь, размещая важные элементы фотографии вдоль линий этой сетки, а главный элемент — на пересечении линий. Данный снимок прекрасен сам по себе, но если рассматривать его с точки зрения изучения композиции – здесь баланс, созданный линиями дерева и цветов, является идеальным.

Совет 4

Симметрия в кадре может быть как скучной, так и восхитительной. Важен баланс: если в сюжете есть сильные линии, цвета, горизонт, открытые пространства – все это можно обыграть так, чтобы простая, на первый взгляд, симметрия сделала снимок интересным.

Аллея, Миссисипи. Фотограф – Сэм Эбелл, National Geographic.

Эта фотография Сэма Эбелла, завораживающая своей богатой цветовой палитрой, на самом деле является научной работой в области геометрии. Композиция симметрична, а дорога тянется точно к точке, где деревья изгибаются. Идентичные ряды деревьев и цветов состоят из треугольников и ведущих линий, которые ведут нас через эту композицию.

Совет 5

Составляя сцену из отдельных элементов, фотографу важно обратить внимание на каждую деталь: она может как выгодно подчеркнуть общую идею, так и уничтожить ее. Например, этот снимок могла бы погубить всего лишь пара нелепых галош!

Прием гостей, Великобритания. Фотограф – Джоди Кобб, National Geographic.

Иногда узоры в композиции – более важный элемент, чем объект съемки. На этой фотографии Джоди Кобб мы замечаем людей в последнюю очередь; глаз тянется к узору, создаваемому зонтиками, верхушками шляп и случайными вкраплениями красных цветов.

Совет 6

Не стесняйтесь фотографировать максимально близко к объектам. Найдя идеальное расстояние, обратите внимание и на фон. Расслоение сюжетов в рамках одной фотографии может дать интересный эффект, подчеркивая при этом главные события съемки.

Танго, Южная Америка. Фотограф – Пабло Коррал Вега, National Geographic.

Широкоугольный объектив – хороший инструмент для создания динамичных композиций. Выделяя главный объект на переднем плане, широкоугольный объектив также добавляет к сцене интригующий фон. На этом прекрасном снимке Пабло Коррал Вега успешно демонстрирует данную технику. Мы сразу же замечаем на переднем плане танцующую пару; а контрастом является задний план, где люди занимаются своими делами и не обращают внимание на яркое страстное событие, разворачивающееся прямо перед ними.

Совет 7

Помните: при тщательно продуманной композиции самый простой сюжет может стать захватывающим. Задача состоит в том, чтобы найти геометрический баланс, расположив и уравновесив отдельные элементы.

Зимний пейзаж, Германия. Фотограф – Норберт Розинг, National Geographic.

Баланс и геометрия являются основой хорошей композиции. На этом простом и изящном снимке Норберта Розинга мы видим сильную ведущую линию: дорогу, а более мелкие элементы «расставлены» в идеальном геометрическом балансе. Обратите внимание, сколько треугольников, сформированных светом и тенью, а также объектами съемки, можно найти на этой фотографии.

Совет 8

Терпение – важный навык для фотографа. Выбор события, а затем ожидание того, что в его рамках произойдет что-то особенно захватывающее, требует веры и решимости. Но результат окажется бесценным.

Уличная сценка, Португалия. Фотограф – В.Роберт Мур, National Geographic.

Иногда фотограф замечает интересную сцену и затем ждет развития в ней событий. Глядя на этот снимок, я могу вообразить, как его автор, представив общую композицию, терпеливо дожидался наиболее убедительных и ярких действий отдельных объектов. Так сценки повседневной жизни благодаря уравновешенности композиции, баланса и плавных линий превратились в интересную картину.

Совет 9

В портретной фотографии важно обращать внимание и на фон, и на положение тела объекта съемки. Задача состоит в том, чтобы раскрыть характер, не отвлекаясь на ненужные элементы.

Джорджия О’Киф, Нью-Мексико. Фотограф – Джордж Ф.Мобли, National Geographic.

Этот замечательный снимок Джорджа Ф.Мобли – отличный пример идеальной композиции. Это не только общий баланс между двумя объектами съемки: картиной Джорджии О’Киф и человеком; сам способ подачи сюжета совершенен. Каждая линия, созданная отдельными деталями: шляпой, рукой, тростью – гармонично сочетается с живописной работой, представляя картину по-новому.

Совет 10

Глаз зрителя автоматически ухватывает общие линии, узоры – даже если те неочевидны. Продумывая сцену для съемки, рассматривайте ее как хореографическую, и нажимайте кнопку спуска затвора в момент, когда вы почувствуете, что линии расположились идеально. Этого можно достичь инстинктивно – не размышляя, а чувствуя сердцем.

Мужчина на лошади, Никарагуа. Фотограф – Луис Марден, National Geographic.

Какой отличный снимок! Плавные линии, прочерченные от конского хвоста на руки и шляпы мужчин к голове лошади и обратно к хвосту, усиливают общую атмосферу фотографии. Это повторение форм объединяет три фигуры в общий круг их хмурого настроения.

Основы композиции. 10 основных элементов композиции в фотографии.

Хорошая композиция это ключ к отличным, качественным фотографиям. Вместо того чтобы рассматривать композицию, как свод правил, которым нужно непременно пользоваться, взгляните на нее как на набор ингредиентов, которые можно взять из «кладовой» и приготовить замечательное «блюдо» – фотографию. Помните, что, как и шеф-повар не использует все имеющиеся под рукой ингредиенты для приготовления блюда, так и фотограф редко использует все части композиции при съемке.

Давайте рассмотрим некоторые элементы композиции, которые можно использовать при фотосъемке. Не зазубривайте их как неотъемлемое правило, просто держите в голове, когда собираетесь сделать снимок.

 

Узоры.

Вокруг нас множество различных узоров, главное научиться их видеть. Акцентируя и выдвигая на первый план такие макроузоры можно получить великолепные и интересные снимки.

Симметрия.

В зависимости от пейзажа, симметрия это то, что обязательно нужно использовать в снимке, либо полностью от нее отказаться. При наличии хорошей композиции и интересного объекта для снимка, можно сделать потрясающий снимок. Если же композиция и предмет съемки будут не особо интересны изначально, то и снимок получится неинтересным и предсказуемым.

 

Текстура.

Снимки обычно являются двухмерными, но если правильно использовать текстуру, снимок можно оживить и он предстанет почти в трех измерениях. С текстурой хорошо экспериментировать, когда свет падает на объект съемки под различными углами.

 

 

 

Глубина резкости.

Глубина резкости, которую вы выбираете для снимка, коренным образом влияет на композицию. Она может изолировать предмет от заднего или переднего фона (если вы используете маленькую глубину резкости) или же может акцентировать еще большее внимание на объекте съемке при использовании большей глубины резкости.

 

Линии.

Линии могут быть мощными элементами в снимке. Диагональные, горизонтальные, вертикальные, сходящиеся в одной точке линии абсолютно по-разному влияют на снимок.

 

Фрейминг (заключение объекта съемки в естественные рамки).

Фрейминг поможет акцентировать внимание именно на той части снимка, к которой вы хотите привлечь внимание.

 

Перспектива.

Еще один элемент композиции, делающий ваши снимки более интересными – это перспектива. Фотографируя предметы с разных углов, вы не только сделаете снимок более интересным, но и сделаете акцент на разных интересных особенностях, углах, текстурах, формах.

 

Пространство.

Существует не только понятие заполнения кадра, можно экспериментировать и с пространством, оставляя объекту съемки как можно больше места в кадре.

 

Баланс.

В зависимости от размещения предмета в кадре снимок может выглядеть сбалансированным или несбалансированным. Слишком много интересных предметов в одной части кадра сделают его «тяжелым», в то время как другая часть кадра останется пустой.

 

Цвет.

Цвета и то, как они выглядят на снимке, могут сделать фотографию интересной или испортить ее. Яркие цвета добавляют вибрации, энергию и интерес, но в то же время, если они неправильно расположены в кадре, они отвлекут внимание от главного объекта съемки. Цвета придают настроение снимку. Синие и зеленые оказывают успокаивающее влияние, красные и желтые вызывают вибрации и добавляют энергию снимку.

Автор: Darren Rowse

Перевод: Елена Вилкойть

Цветочные композиции интересные

Цветочные композиции своими руками: 20 фото

Цветочные композиции способны создать особую живую атмосферу в вашем доме. Живые цветы в доме всегда необыкновенно хороши, ведь они несут в себе энергию солнца.

Красота цветов может быть подчеркнута умелым подбором оригинальной вазы,необычного расположения композиции, теплотой вашего ручного труда.

В мире цветов есть много тайн, как самые простые полевые цветы способны поднять нам настроение своей скромной красотой и горьковатым запахом?

Красивые композиции из живых цветов в коробке своими руками + 110 ФОТО

Тенденции во флористике постоянно развиваются, поэтому ценители прекрасного могут сделать приятный сюрприз своими руками – подарить цветы в коробке: фото которых можно увидеть на нашем сайте. Красивые композиции стали прекрасной альтернативой обычному букету, который приобрел статус банального, а ведь хочется преподнести что-то новенькое и оригинальное.

Содержание этой статьи:

Красивую композицию из роз в шляпной коробке можно подарить на свадьбу, День рождения или приурочить подарок к любому торжеству.

Необязательно бежать в магазин и покупать дорогостоящие композиции. Можно проявить фантазию, купить все необходимые материалы и создать свой, неповторимый букет из живых цветов.

вернуться к меню ↑

Интересный вариант композиции, которой можно украсить интерьер спальной или гостиной. Представленный вариант оформления является классическим, он будет уместен в любом интерьере.

Белоснежную красоту цветов можно сравнить с красивым нарядом невесты.

Для изготовления композиции нужно подготовить:

• Небольшую подарочную коробку, можно шляпную. При отсутствии таковых можно взять обычную коробку из-под обуви и задекорировать ее подарочной бумагой.
• Целлофан, флористическую пену, острые ножницы.
• Воду, нож.
• Живые цветы.

В представленной композиции использованы эвкалипт, флоксы, зверобой, нарциссы. Композицию шикарно дополнят розы 2 видов, декоративная зелень и флоксы.

вернуться к меню ↑

Создание композиции начинается с замачивания флористической пены. Она должна полностью пропитаться водой, иначе растения погибнут.

Пену на несколько минут нужно оставить в емкости с водой, чтобы она напиталась влагой и погрузилась на дно.

Размер флористической пены определяется размером дна коробки.

Лишние края все же придется срезать, иначе букет потеряет симметрию.

Чтобы шляпная коробка не напиталась влагой и не развалилась, дно и стенки нужно обернуть целлофаном.

Следующим этапом будет подготовка зелени. Стебли всех цветов должны иметь одинаковую длину, в процессе сборки букета длина стеблей будет корректироваться, так как средние бутоныв композиции являются самыми высокими, а затем длина стеблей каждого растения немного уменьшается. Срезы нужно делать ножницами. Во время подготовки рекомендуется убрать все лишние лепестки, а также засохшие и поврежденные, чтобы не создавать хаос в композиции.

На фото цветы разложены по видам, стебли подрезаны на одинаковую длину.

Первым шагом создания композиции будет равномерное размещение зелени по флористической губке.

Первым делом зелень, потом цветы.

Последовательность размещения цветов:

• розы;
• сирень;
• флоксы;
• нарциссы;
• зверобой.

Сирень придает букету пышность, а правильное размещение позволит получить красивую композицию.

Если при покупке цветов для составления букета флористы предложат манжетку мягкую – не стоит отказываться, ведь декоративное растение привнесет в композицию легкость и романтичность.

После завершения оформительских работ нужно еще раз покрутить коробку и посмотреть, нет ли свободного пространства между цветами. Если есть, его нужно заполнить оставшимися бутонами или зеленью, ведь просматривающаяся губка будет портить весь вид.

вернуться к меню ↑

На создание такой прекрасной композиции вдохновила весна: яркое солнышко, теплые лучи, голубые облака, набухающие почки на деревьях. Коробка с цветами станет отличным подарком, ведь даже после увядания цветов ее можно будет использовать под парфюм.

Идеальное решение для весеннего подарка: благоухающие розы в шляпной коробке с зеленью, гипсофилой и живой травой для декорирования.

Для изготовления композиции нужно подготовить:

• Шляпную, подарочную коробку или коробку из-под обуви размером 15х15 см.
• В композицию можно включить несколько видов цветов: розы, пионы, гипсофилу. Красиво будет смотреться миниатюрная гортензия. В сочетании с розами нужна декоративная зелень, дополненная белой гвоздикой. Если трудно самому разобраться с тем, какие цветы гармонируют между собой, можно проконсультироваться с флористом, он поможет подобрать цветочную композицию.
• Ленту, воду, кусочки бумаги, острый нож.

В цветочном магазине продаются небольшие бумажные горшки, вот они и помогут уберечь картонную коробку от влажности.

вернуться к меню ↑

Не стоит искать одинаковый трафарет для формирования пены, которая поместилась бы в горшок. Вместо трафарета можно использовать сам горшок. После нарезки пены лишнюю часть рекомендуется обрезать, чтобы она хорошо поместилась на дно горшка.

Подготовка материалов и инструментов к изготовлению композиции.

После того, как кусочки пены нарезаны, их смачивают водой, можно под краном, не обмакивая. Пена должна впитать в себя максимальное количество воды, поэтому нужно подержать под струей несколько минут или опустить пену в емкость с водой.

Не стоит пытаться сжимать пену, чтобы она быстрее напиталась водой – такой эксперимент может привести к плачевному результату. В результате пена полностью не пропитается, останутся сухие участки, которые не смогут обеспечить цветы влагой, и они погибнут.

Следующим шагом будет подготовка самих растений. При подрезании стеблей нужно убедиться в том, что все они имеют одинаковую длину. Одновременно с подрезанием стеблей нужно убрать увядшие цветки и сухие листья. Если их оставить – внешний вид букета будет испорчен.

Подготовленные цветы к составлению композиции.

Обрезка стеблей цветов с соблюдением длины стебля.

Продолжаем работу

Дно картонных горшков понадобится устелить небольшими кусочками бумаги. Она впитает в себя излишки влаги и не намочит подарочную упаковку.

Смоченная флористическая пена должна быть в каждом бумажном горшке.

Нарезка пены по трафарету, помещение на дно горшка бумажных кусочков и укладывание смоченной пены в картонные коробки.

Перед тем как горшки поместить в шляпную коробку, ее дно нужно устелить бумагой из глянцевых журналов. Если нет таковых, можно воспользоваться газетой. Такая подготовка перестрахует коробку от промокания.

Теперь наступило время заняться цветами. Их нужно красиво разместить во флористической пене. Вариант размещения можно выбирать на свой вкус. На фото показано 2 варианта:

• расположение цветов в хаотичном порядке;
• создание композиции из прямых линий и симметричных рядов.

Рассмотрим варианты создания композиций.

Хаотичная композиция более близка сердцу, так как ее внешний вид напоминает привычный нам букет.

Расположение параллельными рядами делает букет более строгим. Такое расположение считается модным, выглядит красиво.

При составлении букета нужно следить, чтобы между располагаемыми цветами не было просвета. Лишнее пространство придаст композиции неаккуратность. В просвете будет видна флористическая пена, которая своим видом испортит весь букет.

Коробку с цветами можно перевязать ленточкой, а в качестве декора рекомендуется использовать бутон цветов и зеленую веточку.

Фото готовой композиции с живыми цветами – идеальный подарок для любимой женщины, сестры или мамы.

вернуться к меню ↑

Многие думают, что подарить цветы в коробке – это очень банально. Выход есть. Искателям необычного можно предложить сделать цветочный презент с макарунами – вкусными печенками.

Почему для оформления цветочной композиции рекомендуется использовать макаруны? Дело в том, что это лакомство является не только очень вкусным и популярным продуктом, но и в его производстве использованы различные пищевые красители, что позволяет подобрать печенки по цвету к любому цветочному презенту. Красиво смотрится коробка с цветами и макарунами, выполненными в одной цветовой гамме. Этот подарок точно не будет банальным.

Такой презент можно подарить девушке на первое свидание. Представленная композиция будет символизировать начало конфетно-букетного периода.

вернуться к меню ↑

DIY Цветы в коробке с макаронами по Мастер Класс Марине DIY Гулоян Франция Париж

вернуться к меню ↑

Получив презент у его владельца сразу же округляются глаза, так как он не знает, как осуществлять правильный уход за подобной композицией.

Цветы без воды не проживут долго, поэтому их надо поливать. Техника полива цветов в коробке схожа с техникой увлажнения почвы в горшках с комнатными растениями. Нельзя допускать, чтобы флористическая губка пересохла.

Поливать нужно обычной водой комнатной температуры. желательно, чтобы перед поливом вода отстоялась, чтобы все вредные примеси осели на дно емкости. Частота поливов – 1 раз в день.

Вариант оформления цветочной композиции

Во время полива нужно осматривать букет и удалять все поврежденные лепестки и те, которые начинают опадать. Таким образом ваш букет всегда будет выглядеть декоративно.

вернуться к меню ↑

Наша жизнь состоит из праздников – мы постоянно должны готовить подарки своим родным и друзьям.

Коллегам по работе нужно выбрать такой презент, чтобы он не переходил границ служебных отношений. Идеальным подарком будут цветы в шляпной коробке. Такой презент считается современным, достойным и необычным. Коллеги с удовольствием его примут.

Для оформления презента используют квадратные и круглые коробки. Почему нужно выбрать подарок именно в круглой коробке? Дело в том, что у круглой коробки более утонченный вид, нежели у прямоугольной или квадратной. Шляпы тоже круглые, и их обладателями были люди с хорошим вкусом. Подарив такой подарок можно подчеркнуть утонченный вкус одаряемого. Такому сюрпризу будет рад не только коллега, но и близкий человек.

Почему нужно выбрать такой подарок?

1. Подарок вызывает восхищение! Такой презент не останется незамеченным. Если у вас есть творческие способности, непременно создайте композицию из цветов в коробке. Чтобы сохранить таинство, коробку нужно дарить с закрытой крышкой.
2. Очень удобно. Подаренные цветы не нужно ставить в вазу, ежедневно менять воду и подрезать кончики стеблей.
3. Два подарка в одном. Во время формирования букета можно вместе с цветами разместить подарок, например, духи.

Модные цветы в коробке своими руками.

Кроме всего прочего, это бюджетный вариант. Не все готовы подарить букет из 101 розы, поэтому цветы в шляпной коробке – отличный вариант для любого кошелька. Если не предоставляется возможным оформить огромный букет, можно сделать небольшой бокс с несколькими цветочками. Это также будет смотреться красиво и оригинально.

вернуться к меню ↑

Покажем, как сделать легкий и весенний букет своими руками. Помещаем его в шляпную коробочку и вуаля — таким подарком вы легко удивите того, кого решите им порадовать. Будьте уверены: такой букет оценят по достоинству и поставят на самом видном месте в доме или офисе.

вернуться к меню ↑

8.5 Общий Балл

Придерживаясь инструкций из нашей статьи, вы с легкостью сможете сделать коробку с цветами в домашних условиях. Такая композиция — отличный подарок на любой праздник. Если вы не согласны с рейтингом статьи, то просто поставьте свои оценки и аргументируйте их в комментариях. Ваше мнение очень важно для наших читателей. Спасибо!

Плюсы

• Коробка цветов — отличный подарок
• Несложно сделать своими руками
• Можно добавить сладости

Минусы

• Цветы и декор могут быть дорогими
• Необходимо иметь базовые навыки флористики

Добавить свой отзыв

Красивые букеты цветов 2019-2020 – фото тренды в оформлении цветочных букетов и композиций

Получить в подарок или просто так красивый букет живых цветов всегда приятно и всегда уместно. Пусть это будет небольшой букет или цветочная композиция, подобный презент всегда радует глаз.

Последние флористические тренды удивляют смелыми решениями и неожиданными сочетаниями. Модные букеты цветов 2019-2020 это не только завернутые в бумажный конверт цветы, но и яркие цветочные композиции в шляпных коробках и ящиках.

Важную роль в составлении красивого букета цветов 2019-2020 играет сезонность, цветовая палитра, стиль и сама упаковка. Модный цветочный букет должен выглядеть естественно, поэтому торчащая зелень и веточки придают букету свежести и утонченности.

Самыми модными цветами сезона 2019-2020 в составлении красивых букетов и композиций стали кустовые и пионовидные розы, суккуленты, георгины и орхидеи.

Фаворитом сезона остается фиолетовый, поэтому самыми модными букетами цветов будут композиции с цветочками фиолетовых оттенков, к примеру фрезий, орхидей, эустом.

Гармоничные и очень стильные монотонные цветочные букеты 2019-2020 из роз, пионов, тюльпанов, ромашек и других цветов остаются в списке трендов современной флористики.

Новинкой сезона стали мини-букеты цветов, которые можно дарить по отдельности либо собрать их в огромной упаковке. В подобной композиции маленькие букетики должны быть из разных цветов.

Еще одним необычным флористическим трендом 2019-2020 стали цветочные букеты типа лилимелия с одним большим цветком. Для подобного букета идеальны розы, лилии и гладиолусы, из лепестков которых и собирается цветок. Обычно такие красивые букеты делают на свадьбу невестам.

О каких букетах цветов лучше забыть в сезоне 2019-2020, так это о крашеных и блестящих. Очень часто флористы маскируют несвежесть цветов, окрашивая края лепестков или бутоны в другой оттенок. Наверняка вы видели розы в неестественных оттенках, в радужном окрасе или насыщенном синем цвете, их лучше избегайте.

Красивые букеты из цветов в бумаге

Самой модной в оформлении красивых букетов цветов становиться крафт-бумага. Преимущество такой упаковки в том, что букеты не теряют своей красоты, выглядят свежо и естественно.

Не менее стильно смотрятся красивые букеты цветов, упакованные в белую кальку. Реже, но еще можно встретить красивые букеты цветов в рогожке, напоминающей мешковину. Подобная упаковка идеально подходит для нежных букетов в стиле прованс с полевыми цветами.

Яркой особенностью красивых букетов бумаге 2019-2020 является легкая небрежность и красочные сочетания цветов и зелени.

Коробочки с цветами и макарони

Отличным праздничным вариантом букета может стать композиция из цветов в коробке с французскими пирожными макарунами. Цветные безешки и яркое сочетание цветочных бутонов смотрятся очень гармонично и интересно.

В тренде коробки различных форм и размеров. Вы можете выбрать букет с макарунами в круглой или квадратной коробке, очень популярна коробка в виде сердца, которую преподносят самым дорогим и любимым людям.

Композиции из цветов в ящиках

На смену корзинкам в оформлении красивых букетов цветов 2019-2020 в новом сезоне пришли небольшие ящики. В них цветочные композиции смотрятся очень эффектно и нежно.

Для композиций используются миксы различных цветов, актуальность которых зависит от сезона. Сделать подобный букет в ящичке не просто красивым, но и вкусным помогут ягоды и фрукты.

Цветы в шляпных коробках

Самой трендовой упаковкой красивого букета цветов 2019-2020 остается шляпная коробка. В ней идеально смотрятся как монотонные букеты роз, так и контрастные цветочные композиции.

Новинкой станет прозрачная шляпная коробка с красивым букетом цветов из роз, от которой будет в восторге любая женщина.

Самые красивые букеты цветов 2019-2020 – фото новинки, идеи оформления композиций из цветов

Цветочные композиции из живых цветов: фото и видео подборка

Флористы – это волшебники, которые знают о цветах все и умеют создавать из них настоящие шедевры, способные украсить любой интерьер. Эти люди знают обо всех тонкостях сочетания цвета и формы, разбираются в растениях не хуже, чем ботаники, и конечно могут делать так, чтобы цветочные композиции из живых цветов фото которых мы покажем в большом количестве — сохраняли свежесть и красоту как можно дольше!

Идеи новогодних букетов и композиций

Новогодние праздники  — это всегда предвкушение чудесного времени, проведенного с семьей, в красиво украшенном доме. Мода не стоит на месте, а это значит, что украсить елку игрушками и дождиком, повесить на двери рождественский веночек и сделать подсвечники из апельсина – уже не достаточно для того, чтобы удивить своих родных и друзей. Прекрасным дополнением к хвойным веточкам, шишкам и декору будут живые цветы. Их можно использовать не только в композициях, но и как украшение для елки. Отдельные цветы или соцветия помещают в специальные капсулы с водой, а потом прикрепляют на елку – получается свежо и оригинально.

Для новогодних торжеств лучше всего подбирать красные, белые, желтые или зеленые цветы. Они прекрасно вписываются в общую картину праздника, сочетаются с блестящими золотыми и серебряными элементами, которые в обязательном порядке должны присутствовать в композиции. Для рождественских шедевров подойдут розы, хризантемы, маргаритки, орхидеи и гвоздики.

Цветочные композиции на свадьбу

В наше время сложно представить себе свадьбу без декора живыми цветами. Команды флористов работают над тем, чтобы место проведения торжества соответствовало заданному стилю, гармонично сочеталось с цветовой палитрой праздника.

Выбор редакции:   Книга пожеланий на свадьбу своими руками

На стол молодоженов обязательно делается большая композиция, которая задает тон остальному ансамблю. Как правило, она очень объемная и крепится на край стола, состоит из множества цветов, веток и зелени, которые могут спускаться до самого низа скатерти. На столы гостей ставятся композиции меньше и скромнее, но в том же стиле и в той же цветовой гамме.

Также принято украшать арки, люстры, стулья и даже потолки, с  которых свисают невероятные конструкции из живых цветов. Посмотрев фото именитых дизайнеров-флористов можно убедиться в том, что цветочная индустрия в прямом смысле слова – процветает!

Оригинальные сезонные букеты

Не обязательно готовиться к какому-либо торжеству, чтобы порадовать себя букетом красивых цветов. В зависимости от времени года можно создавать для своего дома прекрасные ансамбли, которые можно поставить на обеденный стол, трюмо, тумбочку или комод. Это создаст особую, уютную атмосферу.

Летние композиции лучше всего делать из полевых цветов. Из ромашек, васильков и колосков пшеницы можно сплести венок и украсить им обеденный стол. Из календулы, мака и львиного зева получится прекрасное наполнение для плетеной корзины или стеклянной вазы.

Весенние цветы поражают своим разнообразием, поэтому тюльпаны, гиацинты, нарциссы, подснежники, крокусы, сирень – станут незаменимыми помощниками в создании оригинального украшения для дома. Используем прозрачные вазы, те же плетеные корзины и всевозможные горшочки, учитываем правильное сочетание цвета, фактуры – и все готово! Из пионов можно создать шикарные композиции в коробочках в виде сердца, и дарить их своих друзьям, от такого пахучего и оригинального подарка — точно никто не откажется!

Осенняя палитра красок радует яркими цветами. Основу ансамбля составляют желтые, красные и оранжевые тона. Розы лучше всего сочетать с хризантемами и герберами, подсолнухи с маргаритками. Интересные композиции получаются, если цветы поместить в тыкву или плетеное «гнездо».

Создаем композиции своими руками

Для того чтобы создавать красоту из живых цветов для своего дома, не обязательно нанимать специалиста и проходить длительные курсы флористов. Достаточно будет идеи, желания сделать что-то своими руками, интернета с возможностью просматривать мастер-классы и немного денег для приобретения всего необходимого. Как правило, для маленьких букетов достаточно запастись проволокой, садовыми ножницами и флористической лентой. С помощью этих нехитрых устройств по спирали можно собрать шикарный ансамбль, который будет прекрасно смотреться в любой вазе и станет достойным украшением для гостиной.

Настольные композиции, как правило, помещают в кашпо, используя специальную губку, которая пропитывается водой. За счет этого растения могут долго сохранят свою свежесть. Достаточно выбрать цветы на свой вкус, очистить их от лишних листочков, коротко обрезать и просто воткнуть во флористическую губку, вперемешку с зеленью. Декорировать можно как угодно, и бусинками, и блестками, и стразами и разноцветными камушками, все будет зависеть от того, к какому событию вы готовите свой шедевр.

Интересную подборку видео можно посмотреть ниже.

биография, лучшие композиции, интересные факты, слушать Известная музыкальная композиция дюка эллингтона

Вы когда-нибудь слышали Duke Ellington? С равным успехом я мог бы вас спросить, слышали ли вы Шопена. А ведь старого Дюка действительно сравнивают именно с . Кто этот чернокожий классик двадцатого века?

If-You-Cant-Hold-The-Man-You-Love.mp3″]

Когда видишь дату выхода его первого альбома, то сложно себе представить, что это вообще возможно, а когда слышишь эти, хоть и слабые, хрипящие и плавающие звуки старинной записи, то удивляешься чистоте, напору и красоте звучания его оркестра.

Скажем так: это сейчас его можно назвать классиком. Он сыграл так много композиций, что кажется даже невозможным сыграть еще больше. А тогда он был Джазменом! Да-да, именно с большой буквы!

Свое прозвище он получил еще в школе… ах да, «Дюк» – это не имя. Это кличка. «Герцогом» его прозвали не то из-за некоторой излишней самоуверенности и пижонства, не то из-за любви к щегольским нарядам. Там же в школе он и написал свою первую композицию. В результате им заинтересовались сразу три… нет, не студии звукозаписи, а сразу три девочки. Для него этого был вполне жизнеутверждающий результат, и он решил стать джазовым пианистом.

Creole-Love-Call.mp3″]

Нет так уж и плохо он жил для чернокожего мальчика, который и родился-то в 1899-м году. Его отец был дворецким и какое-то время служил в Белом Доме. Его звали Джеймс Эдвард, в честь отца ребенка назвали Эдвардом Кеннеди Эллингтоном. Он рос в достатке, покое и стабильности, которые мало кому из его сверстников были доступны.

Дюк ведь играл далеко не только джаз. Он многого достиг в сочинении музыки для богослужений, и для этого были основания: его мама была глубоко верующей женщиной, хорошо играла на пианино и привила нежно любящему ее ребенку также любовь и к музыке, и к религии.

Сейчас это кажется немного странным, но человек, который записал больше всего музыкальных альбомов, чем кто-либо иной на планете, в юности хотел быть не музыкантом, а художником.

Когда-то в школе он даже выиграл конкурс на самый лучший плакат в городе Вашингтон. И кто знает, как бы сложилась история современной музыки, если бы со временем его любовь к краскам не начала остывать.

Black-Beauty.mp3″]

Все это время он продолжал заниматься музыкой и изучал музыкальную теорию, а потому в 1917-м году окончательно вознамерился стать профессиональным музыкантом. Примерно в том же году он начинает неофициально учиться у известных вашингтонских музыкантов, начинает руководить некоторыми ансамблями.

В начале двадцатых он основал свой первый джазовый оркестр, который был назван «Washingtonians». Если иметь в виду, что ему самому тогда было немногим больше двадцати, то результат получается весьма впечатляющим! Особенно если учесть, что спустя какое-то время их согласились принять в «Cotton Club», где они и стали играть.

Вот только…. Так ли уж он его и основал? Есть версия, что изначально он входил в состав квинтета «Вашингтонцы», но вот руководящий пост стал занимать в нем далеко не сразу.

Безусловно, не будет преувеличением сказать, что если бы в джазовой музыке XX века не было Дюка Эллингтона, ее судьба могла бы сложиться совсем по-другому. Его волевой характер и несокрушимая вера в собственную исключительность были настолько сильны, что возвели Эллингтона на самую вершину, откуда он свысока смотрел на остальных исполнителей. Обладая упорством, отчаянной решимостью и сложным характером, он не признавал авторитетов, и именно это позволило ему подняться над всеми и оставить после себя огромнейший пласт джазовой музыки, востребованный и до сих пор исполняемый по всему миру. Необыкновенная харизма Эллингтона и его тонкое чувство стиля сделали свое дело – нет более почитаемого джазового музыканта. И это вполне закономерно, ведь именно к этому он стремился всю свою жизнь – стать мировой знаменитостью, человеком, которому поклоняется весь мир.

Краткая биография

Как ни странно, «Дюк» – не родное имя музыканта. Семья, в которой 5 января 1897 года родился мальчик, назвала его Эдвард Кеннеди Эллингтон. Именно с этим именем он прожил все свое детство и юношество, ощущая свое превосходство над окружающими. Считая себя выдающейся личностью, маленький мальчик называл себя благородным дюком (дворянским титулом), и это прозвище прочно пристало к нему на всю жизнь. Настолько прочно, что фактически стало его настоящим именем.

Детство Эллингтона проходило в атмосфере всеобщей любви и процветания. Отец – Джеймс Эдвард, не жалел своих сил, чтобы заработать как можно больше денег, которые он тратил поистине с неимоверной легкостью. Мать – Дейзи Кеннеди, никогда ни в чем не нуждалась, так что вполне закономерно, что детство Дюка Эллингтон было благополучнее, чем у многих «цветных» того времени. Именно Дейзи Кеннеди внушила мальчику, что он станет мировой знаменитостью, и именно благодаря этому внушению ему это удалось.

В семилетнем возрасте Дюка стали обучать музыке и игре на фортепиано, к которому он не проявлял абсолютно никакого интереса, занимаясь ровно столько, столько просили. Впрочем, эти занятия способствовали тому, что когда Эллингтон все-таки заинтересовался музыкой и выбрал именно этот музыкальный инструмент.

В 14 лет он начал по-настоящему увлекаться музыкой и достиг определенных успехов. Не обладая виртуозной техникой и достаточным образованием, Дюк Эллингтон тем не менее стал завсегдатаем посещаемых баров, в которых он имел немалый успех, как исполнитель.

Дюк никогда не проявлял к учебе интереса, поэтому получить нормального образования он так и не смог. Обучаясь в Средней технической школе Армстронга, Дюк бросил занятия и стал жить в свое удовольствие.

В 17 лет он начал посещать Дом истинных реформаторов, где собирался небольшой ансамбль. В скором времени юноша стал его постоянным участником и заодно постепенно узнавал некоторые основы теории. Именно с этим коллективом в 1922 году Эллингтон отправится на покорение Нью-Йорка.

Благодаря кларнетисту Уиллу Суэтмену весь ансамбль уже в 1923 году работал в престижнейшем заведении Нью-Йорка – театре «Лафайетт-тиэтр». К сожалению, закрепиться в городе им не удалось, так что коллективу пришлось вернуться в родной Вашингтон ни с чем.

Решив продолжить начатое, ансамбль берет себе звучное название «Washington Black Sox Orchestra» и вскоре им удается найти работу в Атлантик-сити. В скором времени, благодаря знакомству с певицей Адой Смит, ансамбль снова перебирается в Ньй-Йорк, на этот раз в «Barrons Exclusive Club» – место сосредоточения негритянской элиты. Через некоторое время они устраиваются на работу в «Голливуд Инн», и руководителем ансамбля становится Дюк Эллингтон, который начинает работать над изменением состава и стилем исполняемой музыки. Подыскивая исполнителей преимущественно из Нового Орлеана, он следовал влиянию времени, так как в моде были люди, игравшие в манере хот-стайл. В это же время он пробует сочинять музыку, познакомившись с Джо Трентом – поэтом и композитором с большими связями. 22 февраля 1924 года Эллингтон становится официальным руководителем ансамбля «Вашингтонцы».

К сожалению, все выдающиеся негритянские музыкальные коллективы и отдельные исполнители того времени находились под покровительством гангстеров. Так что Эллингтону пришлось задуматься, как же выбираться из этого подневольного положения. Как нельзя кстати пришлось знакомство с Ирвингом Миллсом – очень энергичным издателем, разглядевшем в Дюке будущую знаменитость. Он стал для Эллингтона могущественным покровителем, и он же со временем сделал его звездой, известной всему миру. Без его помощи «Вашингтонцы» так и довольствовались бы выступлениями по ночным клубам и случайными подработками. Именно благодаря Миллсу Эллингтон стал сочинять собственные композиции в гораздо большем количестве, что сыграло немаловажную роль в известности коллектива. К 1927 году коллектив стал называться «Дюк Эллингтон и его оркестр» – теперь все решения принимал только Эллингтон, а участники не имели никакого права голоса. Но ни один из них не ушел из оркестра, и один только этот факт говорит о большом мастерстве Дюка, как руководителя.

В скором времени выступления оркестра переместились в «Коттон-клаб» – самый популярный ночной клуб Гарлема.

В 1929 году оркестр Эллингтона становится очень известным, его имя часто мелькает в газетах, а музыкальный уровень коллектива оценивается очень высоко. С 1931 года оркестр начинает гастрольную деятельность, путешествуя и давая концерты по всей Европе. Дюк начинает писать собственные произведения и получает признание, в том числе и как композитор.

В 1950 году происходит непоправимая вещь для Эллингтона – из-за того, что джаз постепенно уходил в забвение, его оркестр оказался никому не нужным, и из него начинают уходить талантливые музыканты. Но уже через 6 лет все изменилось – вновь вспыхнувший интерес к джазу позволил Дюку вернуть себе былую славу. Новые контракты, гастроли и концертные записи приносят Эллингтону мировую славу.

Все последующие годы Элингтон концертировал со своим оркестром по всему земному шару, давая выступления в Японии, Великобритании, Эфиопии, США, Советском Союзе и многих других странах.

Эллингон дожил до 75 лет, до самого последнего момента оставаясь верным музыке, считая ее единственным, что достойно любви. Он скончался в 1974 году от рака легких, и эта смерть стала трагедией для всего мира.

Интересные факты

• Первой учительницей, обучавшей Дюка музыке, была Мариетта Клинкскейлз, проживавшая в соседнем доме (clink – звон бокалов, scale – музыкальная гамма).
• Дюк ненавидел официальное образование. Поэтому на предложения окончить какое-либо музыкальное учебное заведение всегда отвечал отказом.

• Зачастую он выбирал солистов для конкретных произведений исключительно из-за свойственной им манеры исполнения.
• Первым музыкальным наставником Эллингтона был пианист Уилли «Лайон» Смит. От него Дюк перенял некоторые характерные особенности своего исполнения.
• Гастролируя по всему миру, своим домом он считал Ньй-Йорк – место, где он впервые почувствовал себя частью элитного общества.
• Его женой была Эдна Томпсон – соседская девушка, с которой он познакомился еще в школе. Поженившись в 1918 году, уже через год они отмечали рождение сына, которого назвали Мерсером.
• Стиль игры ансамбля Эллингтона «Вашингтонцы» во многом сформировался благодаря влиянию трубача Баббера Майли – именно он стал для Дюка источником новых идей, выдавая великолепные музыкальные фразы и обороты.
• Дюк просто обожал власть и свое положение лидера. Музыканты, работавшие с ним, отмечали, что он всегда оставался хозяином положения, что бы ни происходило вокруг.

• Фредди Гай – исполнитель на банджо – играл с Эллингтоном вместе целых 24 года. Он был единственный из участников, кому Дюк разрешал бывать у себя в гостях.
• Дюк крайне редко хвалил своих музыкантов.
• Благодаря кларнетисту Сиднею Беше ансамбль Эллингтона смог освоить джазовый стиль Нового Орлеана, что способствовало быстрому успеху этого коллектива.
• Эллингтон прекрасно водил автомобиль, но предпочитал пользоваться водительскими услугами своего музыканта – Гарри Карни.
• Импресарио Дюка – Ирвинг Миллс – безбожно наживался на Эллингтоне, получая деньги не только за издательскую деятельность, но и за авторские права. Каждая сочиненная Дюком вещь по контракту принадлежала Миллсу.
• Одно время его менеджером был Джо Глейзер – человек с криминальными связями, работавший с такими звездами, как Луи Армстронг и Билли Холлидэй .
• Он 11 раз становился победителем и награждался премией «Грэмми» за лучшую музыку.

• Эллингтон написал свою единственную книгу – автобиографию «Музыка – моя возлюбленная». За нее он посмертно получил Пулитцеровскую премию.
• Известнейший тромбонист и композитор Хуан Тизол 15 лет проработал в оркестре Дюка Эллингтона. Обладая огромным музыкальным опытом, зачастую он проводил репетиции оркестра вместо Дюка.
• Многие музыканты Дюка были родом из бедных семей, разговаривали на жаргонном языке, не чурались спиртного и наркотиков. Но из-за своего исполнительского мастерства и великодушия Эллингтона они на протяжении многих лет работали в его оркестре.
• В последние свои дни Эллингтон держался только благодаря уколам, продолжая непрерывно работать над музыкой.

Лучшие композиции

«Take The «A» Train» – замечательная мелодия с легко узнаваемой имитацией поезда в самом начале у медных духовых сразу же полюбилась слушателям и стала одной из вещей, находящихся в репертуаре каждого джазового коллектива.

«Take The «A» Train» (слушать)

«Satin Doll» – неторопливая тема саксофонов, прерываемая вставками медных духовых, а затем внезапным «tutti», оставляет впечатление какой-то недосказанности. Поистине необычная джазовая композиция.

«Satin Doll» (слушать)

«C-Jam Blues» – в самом названии уже заложена суть произведения – это незатейливые опевания и секвенции вокруг ноты «до», исполняемые различными инструментами.

«C-Jam Blues» (слушать)

«Караван» — наиболее известная композиция, написанная в 1936 году.

«Караван» (слушать)

Как бывает довольно часто, люди, всю свою жизнь не связанные с религией, в зрелом возрасте становятся ярыми приверженцами веры. То же самое случилось и с Дюком. Безусловно, в детстве он достаточно часто посещал церковь, да и его мать любила поговорить с ним о Боге. Но до начала 1950 года не было ни малейшего намека на то, что Эллингтону интересна религия. Как бы странно это ни прозвучало, в середине 50-х годов Дюк заявил, что является «божьим посланником» и просто обязан посвятить служению Господу свою оставшуюся жизнь. По многочисленным свидетельствам его друзей, он и правда стал засиживаться с Библией до поздней ночи.

Для того времени было принято особое понимание веры в Бога – человек должен был быть всепрощающим, добрым и не помнить зла, сделанного ему другими людьми. Именно таким и стал Эллингтон. В некоторых своих произведениях он продвигал эти идеи, например, в композиции «Black, Brown and Beige». Но систематического порядка это не носило, вплоть до 1965 года, когда ему предложили то, о чем он мечтал. Ему поступил крупный заказ на духовную музыку от священника из Сан-Франциско, настоятеля Собора милости Господней. Церковь только что открыли, и ей требовалась рекламная компания, а концерт такой звезды, как Дюка, да еще и со специально сочиненными произведениями, должен был произвести фурор.

Взявшись за работу, он сочинил свой Первый духовой концерт, исполненный в церкви в 1965 году. Пьесы, входящие в него, написаны в различных стилях: это джаз, хоровая музыка и вокальные арии. Несмотря на некоторую нескладность номеров, концерт, в целом, имел успех и вдохновил Эллингтона на написание следующего цикла.

В 1968 году состоялась премьера Второго духовного концерта. К сожалению, из-за огромной длины (целых 80 минут), скучных растянутых произведений и примитивной музыки, концерт провалился. Кроме того, Эллингтон, выступая в качестве поэта и сочинителя либретто, оказался довольно плохим писателем. Все тексты концерта донельзя банальны и изобилуют неуместными шутками и остротами.

Третий духовой концерт был исполнен в 1973 году. Эллингтона попросили провести премьеру в Вестминстерском аббатстве и он сразу же согласился. Это выступление было приурочено ко дню Организации Объединенных Наций. Все произведения концерта пронизаны темами о любви, и музыка в нем стала гораздо лучшего качества, чем прежде.

Фильмы с Дюком Эллингтоном и его музыкой

Как и любой уважающий себя джазовый музыкант, Эллингтон снимался во многих фильмах, шоу и сериалах. Это было обязательным условием того времени, иначе было просто невозможно удержаться в зените славы. Кроме того, он написал 7 полных саундтреков для кинофильмов, а в 1952 году даже попробовал себя в качестве одного из режиссеров в сериале «Сегодня».

• «Check and Double Check» (1930)
• «Advice to the Lovelorn» (1933)
• «Murder at the Vanities» (1934)
• «Военно-воздушные силы» (1943)
• «The Mouse Comes to Dinner» (1945)
• «This Could Be the Night» (1957)
• «Анатомия убийства» (1959)
• «Парижский блюз» (1961)
• «Смена сознания» (1969)
• «Teresa la ladra» (1973)
• «Reborn» (1981)
• «Envoyez les violons» (1988)
• «Особое мнение» (2002)
• «Nature Photographs» (2016)
• «Темнее, чем ты думаешь» (2017)

Несмотря на очевидный вклад в мировое искусство, наследие Эллингтона весьма противоречиво. Наряду с гениальными вещами, идущими из глубины души, у него можно встретить произведения, весьма поверхностные как в плане музыки, так и в плане текста. А некоторые, такие как Духовные концерты или крупные авторские сюиты, обычно вообще замалчиваются музыкальными критиками, как будто их и нет.

Все дело в том, что Дюк крайне редко слушал чьи-то советы. Он всегда делал то, что велело его сердце – и у него выходила потрясающая музыка, которая сделала его джазовым мастером первой величины. Но иногда в дело вступала другая его часть, которая хотела соперничать с классическими музыкантами Европы, признанными миром. Тогда из-под его пера выходили вещи, в которые он не вкладывал себя. Назвать их скопированными нельзя, но и внутреннего мира Эллингтона в них не чувствуется.

Где по-настоящему проявилось мастерство композитора, так это в десятках, если не сотнях коротких джазовых произведений. Здесь он полностью раскрыл свой творческий потенциал и именно за эти композиции он стал признанной легендой музыки, человеком, без которого современный джаз выглядел бы совсем по-другому.

Огромную помощь Эллингтон получал от своих музыкантов. Многие идеи, мелодии, а иногда и целые произведения рождались в головах у его исполнителей. И Дюк мастерски создавал на их основе выдающиеся вещи, полные джазового огня и внутренней силы. Те самые произведения, за которые мы его и любим.

Видео: слушать Дюка Эллингтона

Эдвард Эллингтон родился в 1899 году, в Вашингтоне, в респектабельной афроамериканской семье. У него были очень нежные отношения с его мамой, которая привила мальчику чувство уверенности и собственного достоинства, а также религиозность. В школе, за самоуверенность и некое пижонство, ему дали прозвище «Герцог» (Дюк). Еще в школе он написал свою первую композицию, и этим привлек внимание сразу 3 девочек. … Читать всё

Эдвард Эллингтон родился в 1899 году, в Вашингтоне, в респектабельной афроамериканской семье. У него были очень нежные отношения с его мамой, которая привила мальчику чувство уверенности и собственного достоинства, а также религиозность. В школе, за самоуверенность и некое пижонство, ему дали прозвище «Герцог» (Дюк). Еще в школе он написал свою первую композицию, и этим привлек внимание сразу 3 девочек. Тогда он и решил стать джазовым пианистом.

В начале 20-х он организовывает свой орекстр «Washingtonians» (Вашингтонцы). После нескольких лет мытаний, удача улыбнулась ему — их команду взяли играть «Cotton Club». Он был необычайно популярен в Англии, где он был принят даже Королевской семьей. После этой встречи он написал Queen Suite, которую он записал в одном экземпляре и отправил Елизавете Второй.

Дюк Эллигтон писал не только джазовую музыку, но и духовную (Сакральные концерты). Его фортепианные композиции стоят на одном уровне с произведениями Дебюсси, Шопена и Равеля. По общему количесту когда-либо исполнявшихся произведений он является абсолютным лидером в мире. В 1971 году Дюк приезжал В Москву, и даже пытался аккомпанировать Алексею Козлову на балалайке.

Умер Дюк Элингтон в 1974 от рака легких.

Эдвард Кеннеди родился 29 апреля 1899 года в городе Вашингтон, США. В отличие от многих его чернокожих соотечественников, было вполне счастливое детство. Его отец Джеймс Эдвард был дворецким и некоторое время служил в Белом доме. Позже работал копировщиком в Военно-морских силах. Мать была глубоко верующей и хорошо играла на пианино. Поэтому религия и музыка сыграли большую роль в его воспитании.

Мальчика окружали достаток, покой и родительская любовь. Мать давала ему уроки игры на фортепиано. С семи лет Эллингтон занимается с учителем музыки, а примерно с 11 лет сочиняет музыку самостоятельно. Затем приходит увлечение рэгтаймом и танцевальной музыкой. Свою первую композицию в стиле рэгтайм «Soda Fountain Rag» Эллингтон написал в 1914 году.

Несмотря на музыкальные успехи, Эллингтон обучается в специализированной школе по прикладным наукам и собирается стать профессиональным художником. Выигрывает конкурс на лучшую рекламную афишу города Вашингтон. Работает плакатистом.

Однако музыку не забывает, совершенствует технику игры на пианино, изучает теорию гармонии. Удовольствие рисовать и работать с красками проходит. Отказывается от предложенного места работы в институте Пратта по прикладному искусству.

В конце концов, в 1917 году он решает стать профессиональным музыкантом. Проходит неофициальное обучение у известных вашингтонских музыкантов. Руководит местными ансамблями.

В 1919 году Дюк знакомится с Сонни Гриром, барабанщиком первого эллингтоновского бэнда.

В 1922 году происходит первый выезд в Нью-Йорк Эллингтона, Грира, Хардвика на краткий ангажемент. В Нью-Йорке Эллингтон берет неофициальные уроки у признанных мастеров фортепиано Джеймса П. Джонсона и Уилли Лайона Смита.

В 23 года Эдвард Кеннеди Дюк Эллингтон начинает играть в квинтете «Вашингтонцы», руководство над которым он постепенно берет в свои руки. Ансамбль состоял из его друзей — барабанщика Сонни Грира, саксофониста Отто Хардвика, трубача Артура Уэтсола.

От друзей из-за любви к щегольской одежде Эллингтон получает прозвище «Duke».

Осенью 1923 года ансамбль Эллингтона отправляется в Нью-Йорк, получает ангажемент в клубе «У Бэррона» в Гарлеме, а затем на Тайм Сквер в «Hollywood Club».

В 1926 году Эллингтон знакомится с Ирвингом Миллсом, который становится менеджером Эллингтона на продолжительный период.

Под давлением Миллса Эллингтон официально в 1927 становится руководителем джазового ансамбля из десяти человек, под новым брендом «Duke Ellington and His Orchestra». Первый значительный успех нового коллектива — регулярные выступления в престижном ньюоркском джазовом клубе «Cotton Club». Появляются известные композиции Дюка «Creole Love Call» и «Black & Tan Fantasy», «The Mooche» и др.

В 1929 году оркестр выступал в ревю Флоренца Зигфельда. Регулярные радиотрансляции из «Cotton Club» программ оркестра делают Эллингтона и его оркестр известными. В феврале 1931 года оркестр Эллингтон открывает первый концертный тур. В том же году инструментальная версия одного из его стандартов «Mood Indigo», опубликованная лейблом Victor, становится очень популярной.

Композитор нацеливается на более сложные музыкальные сюжеты. Работает над «Creole Rhapsody». В 1931-33 годах становятся популярными его пьесы «Limehouse Blues» и «It Don’t Mean a Thing» с вокалом Айви Андерсон. За три года до официального начала эпохи свинга Дюк Эллингтон уже, фактически, заложил фундамент нового стиля. Важными вехами на этом пути стали темы 1933 года — «Sophisticated Lady» и «Stormy Weather».

Первые композиции оркестра Дюка Эллингтона связаны со «стилем джунглей», а также со «стилем настроений». В них Эллингтон использует индивидуальные возможности музыкантов: трубачей Чарли Эрвиса, Баббера Майли, Трикки Сэма Нэнтона, альт-саксофониста Джонни Ходжеса, баритон-саксофониста Харри Карни. Мастерство этих исполнителей придает оркестру особый «саунд».

Большой успех приносят гастроли в Европе. Оркестр выступает в лондонском «Палладиуме», происходят встречи Дюка с принцем Уэльским, герцогом Кентским. Затем выступления в Южной Америке и тур по США. Репертуар в основном составляют композиции Эллингтона.

В тот момент в оркестре играют саксофонисты Джонни Ходжес, Отто Хардвик, Барни Бигард, Харри Карни, трубачи Кути Уильямс, Фрэнк Дженкинс, Артур Уэтсол, тромбонисты Трикки Сэм Нэнтон, Хуан Тизол, Лоренс Браун. Эллингтона называют первым подлинно американским композитором, а его свинговый стандарт «Caravan», написанный в соавторстве с тромбонистом Хуаном Тизолем, обходит весь мир.

Написанная в 1935 году композиция Reminiscing in Tempo в отличие от большинства других мелодий автора не отличалась танцевальным ритмом. Причина заключалась в том, что эту песню Эллингтон написал после потери своей матери и продолжительного застоя в творчестве. Как в дальнейшем говорил сам композитор, во время написания этой мелодии листы его нотной тетради были мокрыми от слез. Reminiscing in Tempo была сыграна Дюком практически без использования импровизации. По словам музыканта, главным его желанием было оставить в этой песне все так, как он написал изначально.

В 1938 году совместным выступлением с музыкантами филармонического оркестра в ньюоркском отеле «Сен-Реджис» поразил зрителей.

В конце 1930 в оркестр приходят новые музыканты — контрабасист Джимми Блентон и тенор-саксофонист Бен Уэбстер. Их влияние на «саунд» Эллингтона было настолько фундаментальным, что их относительно короткий срок пребывания в составе получил среди джазовых фанатов название Blanton-Webster Band. С этим составом Эллингтон совершает второе европейское турне.

Обновленный «саунд» оркестра зафиксирован в композиции 1941 года «Take the «A» Train». Среди произведений композитора этого периода важное место занимают инструментальные работы «Diminuendo in Blue» и «Crescendo in Blue».

Мастерство композитора и музыканта получает признание не только у критиков, но и у таких выдающихся академических музыкантов, как Игорь Стравинский и Леопольд Стоковский.

В годы Второй мировой войны Эллингтон создает ряд больших инструментальных пьес. 23 января 1943 года выступает с концертом своих произведений в знаменитом Карнеги-Холле, где проходит премьера «Black, Brown and Beige». Весь сбор средств от концерта идет в помощь Красной Армии.

По окончании войны, несмотря на закат эпохи биг-бэндов, Эллингтон продолжает гастролировать со своей новой концертной программой. Сборы от выступлений, начавшие постепенно падать, он пополняет гонорарами, которые получает как композитор. Это позволяет сохранить оркестр.

Начало 1950 — самый драматичный период в жизни эллингтоновского бэнда. Чувствуя снижение интереса к джазу, из оркестра один за другим уходят ключевые музыканты. На несколько лет Дюк Эллингтон уходит в тень.

Однако, уже летом 1956 года происходит триумфальное возвращение на большую сцену на джазовом фестивалерусск. в Ньюпорте. Один из кульминационных моментов фестиваля — состоящее из 27 квадратов, соло тенор-саксофониста Пола Гонсалвеса в обновленной версии «Dimuendo and Crescendo in Blue». Композитор снова попадает в фокус, его фотография украшает обложку журнала «Time», он подписывает новый контракт с Columbia Records. Первый релиз — концерт «Ellington at Newport» — стал самым удачным и продаваемым альбомом в карьере музыканта.

В последующие годы, в соавторстве с Билли Стрэйхорном, Дюк пишет ряд произведений на классические темы. На пластинке «Such Sweet Thunder», шекспировской сюите 1957 года, представлены композиции «Lady Mac», «Madness in Great Ones», посвященная Гамлету, «Half the Fun» об Антонии и Клеопатре. Уникальность записи в том, что солисты оркестра, как актеры в театре, исполняли ведущие партии и держали на себе целые номера. Вместе со Стрэйхорном написаны вариации на темы из «Щелкунчика» Чайковского и «Пер Гюнта» Грига.

Дюк Эллингтон снова становится востребованным концертным исполнителем. Маршруты его гастролей расширяются, и осенью 1958 года артист снова объезжает Европу с концертным туром. Дюка представляют королеве Елизавете и принцессе Маргарет на фестивале искусств в Англии.

В 1961 и 1962 годах Эллингтон записывается вместе с Луи Армстронгом, Каунтом Бэйси, Коулменом Хокинсом, Джоном Колтрейном и другими выдающимися мастерами джаза.

В 1963 году оркестр Эллингтона совершает новую поездку в Европу и, затем, на Средний и Дальний Восток по просьбе Госдепартамента США.

С середины 1960 композитор 11 раз уходил с церемонии награждения Grammy победителем.

В 1965 году премия достается ему в номинации «лучший большой джазовый ансамбль» за альбом «Ellington «66». Трек «In the Beginning, God» отмечается в 1966 году как лучшая джазовая композиция. Бэнд выступает в Белом доме, на Виргинских островах и снова в Европе. Выступает с Бостонским симфоническим оркестром.

В сентябре начинает серию концертов духовной музыки. Эти концерты артист будет регулярно проводить под сводами Grace Cathedral в Сан-Франциско.

В 1966 и 1967 годах Эллингтон проводит две серии европейских концертов с Эллой Фицджеральд.

Со своим коллективом отправляется в продолжительный тур по Ближнему и Дальнему Востоку. С этим турне совпало издание пластинки «Far East Suite», которая принесла своему автору победу в номинации «лучший большой джазовый ансамбль».

С такой же формулировкой Эллингтон унес Grammy с церемонии 1968 года за альбом «And His Mother Called Him Bill». Этот альбом композитор посвятил своему коллеге и близкому другу Билли Стрейхорну, который умер в 1967 году.

Прием в Белом доме в 1969 году по случаю 70-летия Дюка. Вручение ордена Свободы президентом Ричардом Никсоном. Новое европейское турне. В Париже в честь семидесятилетия Дюка Эллингтона был устроен банкет, на котором его приветствовал Морис Шевалье.

Выступление на джазовом фестивале в Монтерее с новыми композициями «River», «New Orlean Suite» и «The Afro-Eurasian Eclipse». Посещение Европы, Австралии, Новой Зеландии и Дальнего Востока.

В 1971 году 16 апреляв ньюоркском «Линкольн-центре» проходит премьера композиции «Suite For Gutela». Выступление на ньюпортском джаз-фестивале. Посещает с концертами СССР. В Ленинграде играет перед будущим основателем Государственной филармонии джаза- Давидом Семеновичем Голощекиным. А затем, едет в Европу и совершает второе турне в Южную Америку и Мексику.

Оркестр, который Эллингтон взял с собой в Советский Союз в 1971 году состоял из шести саксофонов: Рассел Прокоп, Пол Гонзалвес, Гарольд Эшби, Норрис Терни, Гарольд Джизил Майнерв и Гарри Карни. Трубы: Кути Уильямс, Мерсер Эллингтон, Гарольд Мани Джонсон, Эдди Престон и Джонни Коулс. Тромбоны: Мальколм Тейлор, Митчелл Бути Вуд и Чак Коннорс. Басистом был Джо Бенджамин, а за барабанами — Руфус Спиди Джонс, два вокалиста — Нелл Брукшайр и Тони Уоткинс.

Когда самолет с Дюком приземлился в Ленинграде, его встретил большой оркестр, марширующий по летному полю и играющий диксилендовую музыку. Всюду, где он выступал со своим бэндом, билеты были полностью проданы. На каждом из трех концертов Эллингтона в Киеве было десять тысяч человек и более двенадцати тысяч на каждом его выступлении в Москве. Во время визита в СССР Эллингтон посетил Большой театр, Эрмитаж и встретился с композитором Арамом Хачатуряном. Эллингтон дирижировал джаз-оркестром московского радио. Газета «Правда» была очень щедрой на похвалы Эллингтону и его оркестру. Музыкальный критик, писавший в газете, был поражен «их бесценным чувством легкости. Они выходили на сцену без каких-либо особых церемоний, просто один за другим, как друзья обычно собираются на джем-сейшн».

В 1973 году проходит третий «Концерт духовной музыки», премьера в Вестминстерском аббатстве, Лондон. Европейское турне. Дюк Эллингтон принимает участие в королевском концерте в «Палладиуме». Визит в Замбию и Эфиопию. Награждение «Императорской звездой» в Эфиопии и орденом Почетного легиона во Франции.

До последних месяцев жизни Дюк Эллингтон много ездил и концертировал. Его выступления, наполненные вдохновенными импровизациями, привлекали не только многочисленных слушателей, но и получали высокую оценку профессионалов.

Изданный по материалам концертов в Новом Орлеане диск «New Orleans Suite» опять заслуживает премию Grammy в номинации «лучший большой джазовый ансамбль».

Еще трижды музыкант оказывается вне конкуренции в этой категории: в 1972 году за пластинку «Toga Brava Suite», в 1976 году — за «Ellington Suites», в 1979-м — за «Duke Ellington At Fargo, 1940 Live».

В 1973 году врачи диагностировали у него рак легких. В начале 1974 года Дюк Эллингтон заболел пневмонией.

Чарли паркер: биография, лучшие композиции, интересные факты

Автор adminВремя чтения 42 мин.Просмотры 6Опубликовано 12.11.2019

Чарли Паркер: биография, лучшие композиции, интересные факты

Чарли Паркер

Непревзойденный исполнитель, Чарли Паркер является не просто культовым музыкантом. Он был одним из родоначальников совершенно нового музыкального направления – бибопа. Как говорил он сам: «Бибоп не имеет к джазу никакого отношения, это что угодно, но не джаз. В нем нет свинга».

Тем не менее джазовые музыкальные заслуги Паркера нельзя недооценивать, ведь его учителями были известнейшие джазмены, у которых он перенял манеру игры, некоторые исполнительские приемы и чувство стиля. Паркер – величайший импровизатор, выходящий далеко за пределы классических общепринятых джазовых традиций. Недаром бибоп называли «прогрессивным джазом».

Яркий новатор, Паркер был одним из тех молодых исполнителей, которые искали собственный путь к славе – и в итоге нашли его.

Краткая биография

Обратите внимание

Чарльз Кристофер Паркер, как его назвали родители, появился на свет 29 августа 1920 года в городе Канзас Сити, штате Канзас. Отец мальчика – Чарльз Паркер, был достаточно музыкальным человеком.

Он подрабатывал в нескольких амплуа: играл на фортепиано, танцевал и пел. А вот мать – Эдди Паркер, не имела музыкальных талантов и работала уборщицей.

Несмотря на то, что Чарльз был единственным ребенком в семье, отец не баловал его вниманием, а всю заботу о воспитании взяла на себя мать.

Через 7 лет после рождения Паркера семья переезжает в штат Миссури, в город с аналогичным названием – Канзас Сити. В нем маленький Чарли и провел все свое детство и юношество, в этом же городе он пошел в общеобразовательную школу.

В начале 1930-х годов отец Паркера бросает семью, что очень сильно отразилось на душевном равновесии мальчика. Чтобы отвлечься, он начинает играть в школьном ансамбле на разновидности медного духового инструмента – эйфониуме, а его мать покупает ему саксофон-альт, чтобы поднять сыну настроение.

Когда Паркеру исполнилось 14 лет, Эдди Паркер зачисляет сына в Высшую школу Линкольна. Но обучение абсолютно не давалось Чарльзу, так как все его мысли всецело начала поглощать музыка.

Пользуясь тем, что мать отсутствовала по вечерам, работая уборщицей, Паркер сбегал из дома и отправлялся в ночные клубы. В одном из них он услышал альтового саксофониста Лестера Янга, который стал для мальчика кумиром.

Через год, когда ему исполнилось 15 лет, Чарли бросает школу и присоединяется к выступающим городским музыкантам. В этом же возрасте подросток начинает употреблять наркотики.

Важно

В скором времени Паркер начинает выступать в ночных клубах, не имея никакого музыкального образования. Отчасти, его спасала наглость, ведь как исполнитель он был все еще очень слабым.

Пальцы не поспевали за стремительными идеями, рождавшимися у него в голове, поэтому он мог сбиться с ритма или вовсе остановиться посреди произведения. За это он зачастую бывал осмеянным, что очень сильно его задевало.

Например, в 1937 году посреди джем-сессии в клубе «Reno» Паркер потерял чувство гармонии и прекратил играть, замерев в растерянности, за что был осмеян публикой и с позором выгнан из зала.

Чтобы доказать всем свое превосходство, Чарли стал заниматься по 15 часов в день, абсолютно не жалея себя. Он вступает в группу «Buster Smith» и перенимает у них многие приемы игры.

Поворотным для Паркера стал 1938 год, когда он присоединился к биг-бенду Джея МакШенна. В 1939 он отправляется с ними в турне в Нью-Йорк и решает остаться в этом городе. Чтобы заработать денег на еду, он моет посуду, одновременно с этим участвуя в джем-сессиях в ночных клубах.

На одной из них к Паркеру внезапно приходит осознание того, что если использовать верхние ноты сложных аккордов в качестве мелодической линии, можно модулировать в любую тональность, не ограничивая себя ничем.

Это открытие позволило ему наконец-то выразить то, что он не мог передать с помощью обычной музыки.

В 1941 году вместе с оркестром Джея МакШенна Паркер записывает композицию «Honeysuckle Rose» и к нему приходит известность. В это время он и заработал свою кличку «Yardbird». В 1942 году Чарльз вместе с группой единомышленником, среди которых был Диззи Гиллеспи, начинает экспериментировать с джазом в ночных клубах Гарлема.

Совет

Уже через 3 года Чарли создает собственную группу, играющую бибоп. Доведя новый стиль до совершенства, коллектив Паркера совершает революцию в джазовой музыке. Десятки оркестров начинают пытаться играть в той же манере, что и коллектив Паркера. В 1947 Чарли создает квинтет, с которым записывает свои известнейшие произведения.

С этого момента он начинает вести активную гастрольную и творческую деятельность.

В 1949 году Чарли Паркер делает запись шести произведений совместно со струнным оркестром. Его звук в этих записях гораздо чище и мягче, а импровизации более продуманные и гармоничные. В это время Паркер не принимал наркотиков, и это ясно слышно по более изящным и естественным сольным вставкам.

В 1954 году, из-за смерти своего ребенка, Паркер окончательно теряет волю к жизни. Последний его концерт был дан в клубе «Birdland», названного в честь музыканта. Выступление окончилось скандалом и от Паркера отвернулись все владельцы клубов. Ни одно заведение не хотело больше пускать к себя человека, впадающего в ярость от любых мелочей.

Паркер уехал от всех и стал жить у своей поклонницы – баронессы де Кенигсвартер. В один из дней, смотря телевизор, Чарли Паркер скончался. Произошло это 12 марта 1955 года.

Интересные факты

• Насчет появления прозвища «Птаха» есть несколько разных мнений. Самое распространенное – это имя пошло от его друзей, из-за чрезмерного пристрастия Паркера к жареным цыплятам. Еще одно гласит, что во время путешествия со своей группой Паркер случайно въехал в курятник. Поэтому его в шутку прозвали «Yardbird» (Птичий двор), а затем сократили до простого «Bird» (птаха). Ну и последнее гласит, что так его прозвали из-за неимоверно легких, «порхающих» пальцев.

• Названия многих произведений, записанных им, имеют отсылки к птицам.
• Паркер просто обожал музыку скрипача Яши Хейфеца и мог часами слушать его пластинки.
• Его любимые записи со струнным оркестром оттолкнули от него многочисленных поклонников. Они утверждали, что Паркер продался за деньги, чем сильно ранили музыканта.
• Величайший джазмен – Луи Армстронг, сравнивал звучание бибопа с разучиванием упражнений.
• По свидетельствам его друзей, Паркер прекрасно разбирался в музыке: от классической европейской до латиноамериканской и кантри.
• Всю жизнь он пытался избавиться от героиновой зависимости, заменяя ее пристрастием к алкоголю.
• Его композиция «Night and Day» звучит в компьютерной игре Grand Theft Auto IV.
• В 1948 году он заслужил титул «музыкант года» по версии авторитетного журнала «Метроном».

• Он очень интересовался музыкой Игоря Стравинского, находя в нем своего единомышленника в некоторых моментах использования музыкальной фактуры.
• В классический квинтет Паркера входил известнейший впоследствии трубач Майлс Дэвис.
• В 1953 году Паркер использовал пластиковый саксофон фирмы Grafton на одном из своих концертов.
• Он играл на 5 саксофонах, в том числе на одном, изготовленном специально для него на заказ фирмой «King».
• Под конец жизни Паркер принял ислам, став членом ахмадийского движения в США.
• Врач, делавший посмертное вскрытие, оценил возраст Паркера от 50 до 60 лет, хотя ему было всего 34 года.
• Похороны Паркера были оплачены Диззи Гиллеспи.

Личная жизнь

Чарли Паркер был очень популярен у женского пола, настолько, что некоторые поклонницы преследовали его из штата в штат.

Неудивительно, что с таким отношением к себе он был женат несколько раз, причем женитьба абсолютно не мешала его разгульным похождениям. Первая его жена – Ребекка Раффин, вышла за него в 1936 году, когда Паркеру было всего 15 лет.

От этого брака у Чарльза появилось двое детей – Леон и Фрэнсис. Брак был недолгим и распался уже через 3 года.

В 1943 году он женился на танцовщице Джеральдине Скотт, но вместе они прожили совсем недолго. Из-за постоянных ссор пара быстро разошлась. Натура Паркера не терпела одиночества и вскоре он женится снова, на этот раз на Дорис Снайдор.

Из-за пристрастия Паркера к наркотикам брак продержался всего 2 года, хотя официально они так и не развелись. В 1950 году он начинает жить с моделью Чан Ричардсон и ее дочерью Ким. Официально расписаться они не могли, так как Паркер не хотел разводиться с прежней женой – Дорис.

Чан родила ему двоих детей, но в 1954 году маленькая дочка При умирает, что окончательно погружает великого джазмена в пучину наркозависимости.

 

Лучшие композиции

«Ornithology» – чуть ли не самое известное произведение в стиле бибоп, впервые записанное ансамблем Паркера в 1946 году. Название намекает на прозвище Паркера – Птаха.

«Parker’s Mood» – прекрасный блюз, записанный и исполненный Паркером в 1948 году вместе с Джоном Льюисом, Керли Расселлом и Максом Роучем.

«Yardbird Suite» – очередная отсылка к прозвищу Чарли, джазовый стандарт, записанный в 1946 году. Эта композиция стала своеобразным гимном бибопа.

«Confirmation» – чрезвычайно сложная композиция со рваным ритмом и очень сложной гармонией, записанная в 1946 году. Как и почти каждая вещь Паркера, стала джазовым стандартом.

«Lover man» – эта вещь считается одной из лучших, записанных Паркером. Во время записи музыкант находился под действием героина, так что его продюсеру Россу Расселлу пришлось поддерживать его перед микрофоном, пока произведение не было записано.

«Moose the Mooche» – записана Чарли вскоре после ухода из его ансамбляДиззи Гиллеспи. Есть предположение, что вещь названа в честь прозвища дилера, который снабжал Паркера наркотиками в течение нескольких лет.

«Billie’s Bounce» – отличный блюз, записанный Паркером в 1945 году. В 2002 году включен в Зал славы премии «Грэмми».

Фильмы с участием Чарли Паркера и его музыкой

• «Jivin’ in Be-Bop» (1946)
• «The Cool of the Evening» (1967)
• «Sven Klangs kvintett» (1976)
• «Птица» (1988)
• «The Last Days of Chez Nous» (1992)
• «Куда бы ветер не дул» (2003)
• «Professor Norman Cornett» (2009)
• «Совсем низко» (2014)

К сожалению, жизнь талантливого музыканта оборвалась чересчур рано. Неизвестно, сколько еще он мог бы сказать миру, и сколько нереализованных идей оставалось у него в запасе.

Признанный при жизни гений, не терпящий ничьих советов и живущий по своим правилам, Чарли Паркер навсегда вошел в историю как бунтарь, чью манеру игры не под силу повторить практически ни одному человеку.

Смело и решительно отвергавший классические правила и традиции, он создавал новую музыку, настолько объемную по содержанию, что ее практически невозможно измерить.

Понравилась страница? Поделитесь с друзьями:

Видео: слушать Чарли Паркера

Музыканты ХХ века : Charlie Parker (Чарли Паркер)

американский джазовый саксофонист, композитор (1920-1955)

      Бытует мнение, что в истории джаза было два подлинных гения: Луи Армстронг, любимец и любитель публики, и Чарли Паркер, который ненавидел публику всей душой. Контраст между музыкантами, вышедшими примерно из одной среды,— разительный.

      Чарлз Кристофер Паркер родился 29 августа 1920 года в пригороде Канзас-Сити. Его отец Чарлз Паркер-старший был провинциальным певцом и танцором. Гастрольная судьба забросила его в Канзас-Сити, где он женился и остался надолго. Когда маленькому Чарли было восемь лет, семья перебралась в негритянское гетто: там Паркер-старший рассчитывал найти работу на сцене одного из клубов. В этом был определенный смысл, поскольку в этом районе жили саксофонисты Лестер Янг и Бен Уэбстер, выступали с концертами другие джазовые музыканты. Однако, как и многим другим в то время, Паркерам не повезло: началась Великая депрессия, людям стало не до музыки. Кризис подорвал и отношения в семье: вскоре Паркер-старший бросил жену. Мать Чарли всю свою нереализованную любовь отдавала сыну.

      Чарли скоро увлекся музыкой. В это время он посещал школу, в которой был любительский оркестр. Из него впоследствии вышло немало известных музыкантов. Однажды мать, сэкономив деньги, купила сыну старенький альт-саксофон, которым Чарли увлекся сразу и бесповоротно.

Он не имел никакого понятия о законах музыки, был самоучкой и стремился просто повторить то, что слышал от других. Многие более опытные мастера саксофона в эти годы стремились стать его наставниками, но он ни с кем не шел на сближение.

Обратите внимание

Для него было делом принципа овладеть секретами инструмента самостоятельно, так что в учебе он продвигало медленно, но верно.

Когда Чарли было 14 лет, его мать пошла работать уборщицей, и по вечерам он оставался один, уходил из дома, чтобы в местном кабаре слушать игру знаменитых музыкантов. Из всех исполнителей он скоро выделил Лестера Янга.

      Вскоре Чарли стал участником школьного танцевального оркестра, а затем бросил учебу и ушел из школы. В 15 лет Паркер считал себя видавшим виды музыкантом, несмотря на то, что по-настоящему мог сыграть лишь две-три мелодии. Он держал себя необычайно заносчиво, его не раз с насмешками прогоняли со сцены, но он не обращал на это внимания. Из-за своего раннего пристрастия к наркотикам Паркер даже попал за решетку, где и удосужился знаменитого прозвища «Бёрд» — «птица». Еще практически мальчиком он женился на девушке, старше его на 4 года, но женитьба была неудачной.      И все это время Паркер ни на день не оставлял инструмента. Летом 1936 года, получив страховку после автомобильной аварии, он купил новый саксофон и поступил в оркестр Томми Дугласа, у которого было консерваторское образование. Оркестр играл каждый вечер, и Чарли Паркер стал стремительно набирать форму.

      Некто Бастер Смит, саксофонист оркестра «The Blue Devils», вызвался в то время быть наставником Паркера. В 1938 году Смит собрал оркестр и взял Паркера к себе. И произошло чудо: Смит настолько понравился Паркеру, что Чарли стал трепетно называть его отцом и перенял у Смита все, что касалось трактовки -музыкальных произведений.

      В 1938 году Чарли Паркер переехал в Чикаго, немного поработал там и перебрался в Нью-Йорк, где три месяца вынужден был мыть посуду в ресторане. Однако в этом же ресторане он слышал многих знаменитых джазменов и продолжал учиться. С конца 1939 года он уже выступает в джаз-оркестрах Нью-Йорка, однако скоро был вынужден вернуться в Канзас-Сити и стал музыкантом оркестра пианиста Джея Мак-Шенна. В 1941 году оркестр записал несколько пьес на радио. Записи, дошедшие до нашего времени,— первые с участием Чарли Паркера. По ним, кстати, можно сделать вывод, что в те времена в исполнении Чарли Паркера еще сложно было уловить те особенности, которые впоследствии сделают его выдающейся фигурой в мире джаза.

      В январе 1942 года оркестр Мак-Шенна с Чарли Паркером в составе выступил в Нью-Йорке. Пианист Джон Льюис позже утверждал, что Паркер примерно в это время «уже нашел новую систему звучания и ритма».

Однако некий Джерри Ньюмен, который тогда ходил по клубам с портативным магнитофоном, довольно редкой по тем временам вещью, и все услышанное записывал, зафиксировал на пленке то, как играл Паркер в 1942 году.

Записи позволяют сделать вывод, что восторженная оценка Джона Льюиса была несколько преждевременной.

      И все-таки Паркер шел вперед семимильными шагами, и это не лучшим образом отражалось на его характере. Саксофонист мало считался с окружающими, прослыл нетерпимым и высокомерным. Он жил по принципу: Берд — только один, всех остальных — много…

Но друзья, как могли, все же помогали ему. Диззи Гиллеспи, например, уговорил его перейти в оркестр Билли Экстайна. Это был 1944 год—расцвет творческих сил Паркера.

Важно

Видимо, поэтому он особенно высоко задирал нос и через некоторое время со скандалом ушел из оркестра.

      Паркер и Гиллеспи нашли работу в клубах на 52-й улице Нью-Йорка, в первую очередь в «Minton’s Playhouse», где они играли с большим успехом. Вторая мировая война к этому времени уже закончилась, и удача сопутствовала Чарли Паркеру: он играл с такими мастерами, как барабанщики Кении Кларк и Макс Роач, пианист Телониус Монк, гитарист Чарли Крисчиен, сделал первые сольные записи, но, в остальном, его жизнь все ухудшалась. Тем не менее Паркер и Гиллеспи участвовали в двух весьма престижных концертах «Джаз в филармонии», которые оказали огромное влияние на развитие всего джаза.

      Но то, что родилось во время клубных выступлений Паркера, перевернуло в джазе все ранее существовавшие понятия. Паркер, Гиллеспи и игравшие с ними музыканты создали принципиально новый стиль — бибоп, или просто боп, с которого и начинается отсчет всего современного джаза.

Суть бопа заключалась в следующем: эту музыку, звучащую очень громко, выдержанную в невероятно быстром темпе, исполняли не оркестры, а малые группы, чаще всего квартеты и квинтеты.

Музыканты начинали импровизировать без привычного ранее вступления, используя необычные аккорды и гармонии, что превращало до этого благозвучную, приятную на слух джазовую музыку в нечто совершенно невообразимое. Многие музыканты старшего поколения просто плевались, как только начинал звучать боп.

Молодые же толпами ходили за Паркером по клубам, понимая, что они становятся свидетелями рождения новой, революционной музыки, которая ломала все ранее существовавшие представления о джазе.

      Однако Паркер уже был законченным алкоголиком и наркоманом. Такие люди, как правило, отличаются неуравновешенной психикой. В 1947 году Паркер вернулся из Лос-Анджелеса в Нью-Йорк и возродил свой квинтет, с которым принялся выступать в клубах города. Но к этому времени он поссорился даже с Диззи Гиллеспи, поэтому пригласил в квинтет барабанщика Макса Роача и молодого трубача Майлса Дэйвиса. Этот год в творческом отношении стал удачным: было записано много музыки, но характер Паркера портился все более. Было такое впечатление, что он намеренно поставил себе целью обрубить все нити, связывавшие его с прежними друзьями. Однажды вечером в 1948 году Макс Роач и Майлс Дэйвис также ушли от Паркера, не выдержав его высокомерия и безответственности.

      При всем при том странней факт, что в 1948 году по опросам журнала «Metronom» Паркер был назван самым популярным музыкантом… В те годы открылся джаз-клуб, который назвали «Birdland»,—разумеется, в честь Чарли Паркера.

Ему удалось обновить квинтет, и этот ансамбль процветал, а музыканты получали неплохие гонорары.

В начале 50-х годов Паркер совершил несколько гастрольных поездок по Европе и записался со струнной группой, после чего поклонники бопа стали обвинять его в измене новой музыке.

Совет

      Паркер вошел в крутое «пике». Однажды во время выступления в «Бёрдленде» он вышел из себя и разогнал ансамбль. Тогда менеджер заявил, что он может не рассчитывать на дальнейшие выступления в клубе.

На деле это означало для музыканта очередной психологический кризис: Паркер вновь запил.
      9 марта 1955 года он оказался в номере баронессы Панноники де Кенигсвартер, восторженной поклонницы бопа.

Паркер был болен, баронесса вызвала врача, но Чарли не дал себя госпитализировать.

     

 Он умер 12 марта 1955 года во время просмотра какого-то шоу по телевизору. Причиной смерти стал острый приступ язвенной болезни. Когда врачи приехали осматривать его, Паркер выглядел настолько плохо, что в графе «возраст» доктор проставил цифры 53. На самом деле Паркеру не было и тридцати пяти…
      Так ушел из жизни феноменально одаренный музыкант.

По всеобщему признанию, Чарли Паркер был жертвой аномалии, которую медики называют «расстройством психики». Это своеобразный эгоизм, когда для человека существует только собственное «я», а окружающие рассматриваются им как приложения. Он третировал всех, высокомерно держал себя с владельцами клубов, поклонниками и, что самое ужасное, с работодателями.

В итоге с ним общались только те, кто был согласен терпеть все его капризы.

Биография музыканта Чарли Паркера

Чарли Паркер родом из Канзас-Сити. Отец Чарли Паркера играл на пианино и пел в цирке, а мать всю жизнь проработала в почтовом отделении.

В конце 30х годов парень начал усердно оттачивать навыки игры на саксофоне. Он рассказывал, что в течении 4 лет играл каждый день по 14 часов, а иногда даже не спал. Большое влияние на Чарли оказал Каунт Бейси. Паркер выступал с местными бендами в местных клубах города. В 1938 году сотрудничал с пианистом Джеем МакШенном, именно с этим парнем он сделал первую запись.

Когда Паркер был подростком, он попал в автокатастрофу и лежал в госпитале, где пристрастился к морфию, после чего привычка переросла в наркотическую зависимость от которой он впоследствии скончается.

Обратите внимание

В 1939 году Чарли уехал в Нью-Йорк, чтобы продолжить музыкальную карьеру и перейти на новый уровень. Начало было не легким. Приходилось зарабатывать деньги не музыкой, а мытьем посуды в местном ресторане. В 1942 он покинул ансамбль МакШенна и продолжил свой творческий путь в бенде Эрла Хайнса. Они играли в местных ресторанах на окраине Нью-Йорка.

Паркер и Гиллеспи перевернули мир джаза после своего концерта в Нью-Йоркском «Таун Холл». Запись с этого концерта была переиздана и выпущена в 2005 году. Именно тогда бибоп получил признание среди музыкантов и слушателей.

Вскоре музыканты решили устроить гастроли по Америке которые провалились по крупному.

Гастроли заканчивались в Лос Анджелесе, откуда музыканты отправились обратно в Нью-Йорк, но Паркер решил обменять свой билет на грамм героина и остался в Калифорнии.

Паркер сидел на героине, потерял постоянный заработок и начал играть на улице. Он стеснялся клянчить деньги на героин у друзей и знакомых, а если ему не давали, то приходилось закладывать саксофон в ломбард.

Организаторы часто выкупали саксофон за считанные минуты до выступления.

Когда он окончательно переехал в Лос Анджелес, наркотики стало труднее достать, ибо они там не были распространены как в Нью-Йорке, тогда Паркер заменил героин алкоголем постоянно находясь в алкогольном опьянении.

Многие студийные записи были сделаны в состоянии сильного алкогольного опьянения. Иногда во время записи его даже приходилось подпирать, чтобы он стоял на ногах. В последствии Паркера отправили на 6 месяцев в психушку.

Когда Паркера выписался из клиники, он чувствовал себя в отличной форме и записал несколько песен, которые по сей день считаются его лучшими. Позже Паркер вернулся в Нью-Йорк, где снова начал колоться.

Важно

Чарли умер во время просмотрела телевизора. Он выглядел так плохо, что когда скорая помощь приехала забрать его, то в графе «возраст» поставили 53 года, хотя ему было 34 года.

Советую посмотреть биографический фильм «Птица». Режиссером которого стал Клинт Иствуд.

Charlie «Bird» Parker / Чарли Паркер

Charlie «Bird» Parker (Чарли Паркер) — один из основателей стиля бибоп, американский саксофонист, джазовый композитор. Считается одним из самых влиятельных джазовых музыкантов, наряду с Луи Армстронгом и Дюком Эллингтоном.

Паркер — один из немногих артистов, чей гений был признан современниками при жизни. Он до сих пор остается легендой, оказывающей значительное влияние на сегодняшних исполнителей. Сложно представить современного джазового музыканта, который в той или иной степени не поддался воздействию исполнительского языка Чарльза Паркера.

В одном из многочисленных интервью 50-х годов музыкант вспоминал, как в паре с гитаристом Биди Флинтом играл «Cherokee» ночью 1939 года. В этот момент ему в голову пришла внезапная идея о том, как можно сделать соло разнообразнее.

Открытие это стало одной из наиболее значимых инновацией в мире джаза: мелодию можно направлять в любую тональность, если использовать все 12 звуков хроматической гаммы.

Это разрушило некоторые принципы построения соло, принятые в джазе до тех пор.

Темы Паркера носили названия «Орнитология», «Опавшие листья», «Птичье гнездо»… Он выступал в знаменитом «Бердленде» (Нью-Йорк) с колыбельной Ширинга и маршами Завинула, неудивительно, что в среде джазменов вскоре получил прозвище «Bird» — «Пташка». В это время молодой музыкант учился у известного в то время американского композитора, аранжировщика Мори Дойтча.

Чарли присоединяется к молодым исполнителям, играющим в гарлемских клубах «Кларк Монроуз Аптаун Хаус», «Три Дюшес», «Оникс» и «Минтон Плейхаус». Среди начинающих музыкантов были Телониус Монк, Диззи Гиллеспи, Кенни Кларк и Чарли Крисчен.

Сегодня они  – украшение джазового “пантеона славы”, а тогда — всего лишь юные возмутители спокойствия в нью-йоркских клубах. Именно в ту эпоху и была сформулирована основная позиция бопперов, высказанная Телониусом Монком: «Мы желаем делать музыку, которую «они» не смогут играть».

«Они» — это руководители оркестров, заносчивые и амбициозные белые, которые переняли манеру свинга чернокожих и неплохо зарабатывали на этом.

Совет

Стиль бибоп на раннем этапе своего развития был жестко раскритикован джазистами – приверженцами свинга. Они относились снисходительно к молодым коллегам и не особенно прислушивались к новым веяниям. В свою очередь, бопперы дали представителям «старой школы» прозвище moldy figs, что можно перевести как «заплесневелая форма».

К молодым дарованиям серьезно прислушивались, пожалуй, лишь Бенни Гудман и Хокинс Коулман, участвующие в совместных джемах и записях студийных пластинок. К сожалению, запрет на создание коммерческих записей, действовавший в США с 1942 по 1944 год, поэтому практически не сохранилось ранних аудиозаписей в стиле бибоп.

До заврешения Второй Мировой новое направление было представлено только на волнах эфирного радио и не снискало широкого признания у слушателей. После снятия запрета Паркер с Гиллеспи, Роучем и Пауэллом будто ворвались в джазовый мир, перевернув его с ног на голову.

В дальнейшем их знаменитое первое выступление «Концерт в Нью-Йорк Таун Холл. 22 июня 1945 года» было неоднократно переиздано. Бибоп получил заслуженное признание как среди джазистов, так и среди меломанов.

Спустя несколько месяцев после этого поворотного события, в ноябре 1945 года, Чарльз Паркер сделал запись для лейбла «Savoy», которую до сих пор называют не иначе как «величайшая джазовая сессия всех времен».

Дискография Charlie «Bird» Parker:

Savoy

1944

    The Immortal Charlie Parker

    Bird: Master Takes

    Encores

1945

    Dizzy Gillespie – Groovin’ High

    The Genius Of Charlie Parker

    The Charlie Parker Story

    Charlie Parker Memorial, Vol. 2

1947

    Charlie Parker Memorial, Vol. 1

1948

    Bird At The Roost, Vol. 1

    Newly Discovered Sides By Charlie Parker

    The ‘Bird’ Returns

1949

    Bird At The Roost, Vol. 2

    Bird At The Roost

1950

    An Evening At Home With Charlie Parker Sextet

Dial

1945

    Red Norvo’s Fabulous Jam Session

1946

    Alternate Masters, Vol. 2

1947

    The Bird Blows The Blues

    Cool Blues c/w Bird’s Nest

    Alternate Masters, Vol. 1

    Crazeology c/w Crazeology, II: 3 Ways Of Playing A Chorus

    Charlie Parker, Vol. 4

Verve

1946

    Jazz At The Philharmonic, Vol. 2

    Jazz At The Philharmonic, Vol. 4

1948

    Various Artists – Potpourri Of Jazz

    The Charlie Parker Story, #1

1949

    The Genius Of Charlie Parker, #7 – Jazz Perennial

    Jazz At The Philharmonic, Vol. 7

    Jazz At The Philharmonic – The Ella Fitzgerald Set

    The Complete Charlie Parker On Verve – Bird

1950

    The Genius Of Charlie Parker, #4 – Bird And Diz

    The Charlie Parker Story, #3

1951

    The Genius Of Charlie Parker, #8 – Swedish Schnapps

    The Genius Of Charlie Parker, #6 – Fiesta

1952

    The Genius Of Charlie Parker, #3 – Now’s The Time

1953

    The Quartet Of Charlie Parker

1954

    The Genius Of Charlie Parker, #5 – Charlie Parker Plays Cole Porter (released posthumously)

1957

    The Genius Of Charlie Parker, #1 – night and day – Verve MGV-8003- mono (released posthumously)

Compilations

1940

    Bird’s Eyes, Vol. 1 (Philology)

    Charlie Parker With Jay McShann And His Orchestra – Early Bird (Stash)

    Jay McShann Orchestra Featuring Charlie Parker – Early Bird (Spotlight)

1941

    Jay McShann – The Early Bird Charlie Parker, 1941-1943: Jazz Heritage Series (MCA)

    The Complete Birth Of The Bebop (Stash)

1943

    Birth Of The Bebop: Bird On Tenor 1943 (Stash)

1945

    Every Bit Of It 1945 (Spotlight)

    Charlie Parker, Vol. 3 Young Bird 1945 (Masters of Jazz)

    Dizzy Gillespie – In The Beginning (Prestige)

    Bird’s Eyes, Vol. 17 (Philology)

    Charlie Parker On Dial, Vol. 5 (Spotlight)

    Red Norvo’s Fabulous Jam Session (Spotlight)

Обратите внимание

    Dizzy Gillespie/Charlie Parker – Town Hall, New York City, June 22, 1945 (Uptown Records (jazz))

    Bird’s Eyes, Vol. 4 (Philology)

    Yardbird In Lotus Land (Spotlight)

1946

    Rappin’ With Bird (Meexa)

    Jazz At The Philharmonic – How High The Moon (Mercury)

    Charlie Parker On Dial, Vol. 1 (Spotlight)

1947

    The Legendary Dial Masters, Vol. 2 (Stash)

    Various Artists – Lullaby In Rhythm (Spotlight)

    Charlie Parker On Dial, Vol. 2 (Spotlight)

    Charlie Parker On Dial, Vol. 3 (Spotlight)

    Charlie Parker On Dial, Vol. 4 (Spotlight)

    Various Artists – Anthropology (Spotlight)

    Allen Eager – In The Land Of Oo-Bla-Dee 1947-1953 (Uptown)

    Charlie Parker On Dial, Vol. 6 (Spotlight)

    Various Artists – The Jazz Scene (Clef)

1948

    Gene Roland Band Featuring Charlie Parker – The Band That Never Was (Spotlight)

    Bird’s Eyes, Vol. 6 (Philology)

    Bird on 52nd St. (Jazz Workshop)

    Charlie Parker (Prestige)

    Charlie Parker – Live Performances (ESP)

    Charlie Parker On The Air, Vol. 1 (Everest)

1949

    Charlie Parker – Broadcast Performances, Vol. 2 (ESP)

    The Metronome All Stars – From Swing To Be-Bop (RCA Camden)

    Jazz At The Philharmonic – J.A.T.P. At Carnegie Hall 1949 (Pablo)

    Rara Avis Avis, Rare Bird (Stash)

    Various Artists – Alto Saxes (Norgran)

    Bird On The Road (Jazz Showcase)

    Charlie Parker/Dizzy Gillespie – Bird And Diz (Universal (Japan))

    Charlie Parker – Bird In Paris (Bird in Paris)

    Charlie Parker In France 1949 (Jazz O.P. (France))

    Charlie Parker – Bird Box, Vol. 2 (Jazz Up (Italy))

    Bird’s Eyes, Vol. 5 (Philology)

    Charlie Parker with Strings (Clef)

    Bird’s Eyes, Vol. 2 (Philology)

    Bird’s Eyes, Vol. 3 (Philology)

    Dance Of The Infidels (S.C.A.M.)

1950

    Charlie Parker Live Birdland 1950 (EPM Musique (F) FDC 5710)

    Charlie Parker – Bird at St. Nick’s (Jazz Workshop JWS 500)

    Charlie Parker At The Apollo Theater And St. Nick’s Arena (Zim ZM 1007)

    Charlie Parker – Bird’s Eyes, Vol. 15 (Philology (It) W 845-2)

    Charlie Parker – Fats Navarro – Bud Powell (Ozone 4)

    Charlie Parker – One Night In Birdland (Columbia JG 34808)

    Charlie Parker – Bud Powell – Fats Navarro (Ozone 9)

    Charlie Parker – Just Friends (S.C.A.M. JPG 4)

    Charlie Parker – Apartment Jam Sessions (Zim ZM 1006)

    V.A. – Our Best (Clef MGC 639)

    The Genius Of Charlie Parker, #4 – Bird And Diz (Verve MGV 8006)

    The Persuasively Coherent Miles Davis (Alto AL 701)

    Charlie Parker – Ultimate Bird 1949-50 (Grotto 495)

    Charlie Parker – Ballads And Birdland (Klacto (E) MG 101)

    Charlie Parker Big Band (Mercury MGC 609)

    Charlie Parker – Parker Plus Strings (Charlie Parker PLP 513)

    Charlie Parker – Bird With Strings Live At The Apollo, Carnegie Hall And Birdland (Columbia JC 34832)

    Charlie Parker – The Bird You Never Heard (Stash STCD 10)

    Norman Granz Jazz Concert (Norgran MGN 3501-2)

    Charlie Parker At The Pershing Ballroom Chicago 1950 (Zim ZM 1003)

    The Charlie Parker Story, #3 (Verve MGV 8002)

    Charlie Parker – Bird In Sweden (Spotlite (E) SPJ 124/25)

    Charlie Parker – More Unissued, Vol. 2 (Royal Jazz (D) RJD 506)

    Machito – Afro-Cuban Jazz (Clef MGC 689)

    An Evening At Home With Charlie Parker Sextet (Savoy MG 12152)

1951

    The Genius Of Charlie Parker, #8 – Swedish Schnapps (Verve MGV 8010)

    The Magnificent Charlie Parker (Clef MGC 646)

    The Genius Of Charlie Parker, #6 – Fiesta (Verve MGV 8008)

    Charlie Parker – Summit Meeting At Birdland (Columbia JC 34831)

    Charlie Parker – Bird Meets Birks (Klacto (E) MG 102)

    Charlie Parker – The Happy “Bird” (Charlie Parker PLP 404)

    Charlie Parker Live Boston, Philadelphia, Brooklyn 1951 (EPM Musique (F) FDC 5711)

    Charlie Parker – Bird With The Herd 1951 (Alamac QSR 2442)

    Charlie Parker – More Unissued, Vol. 1 (Royal Jazz (D) RJD 505)

1952

    Charlie Parker – New Bird, Vol. 2 (Phoenix LP 12)

    Charlie Parker/Sonny Criss/Chet Baker – Inglewood Jam 6-16-’52 (Jazz Chronicles JCS 102)

    Norman Granz’ Jam Session, #1 (Mercury MGC 601)

    Norman Granz’ Jam Session, #2 (Mercury MGC 602)

    Charlie Parker Live At Rockland Palace (Charlie Parker PLP 502)

    Charlie Parker – Cheers (S.C.A.M. JPG 2)

    The Genius Of Charlie Parker, #3 – Now’s The Time (Verve MGV 8005)

1953

    Miles Davis – Collectors’ Items (Prestige PRLP 7044, released posthumously in 1956)

    Charlie Parker – Montreal 1953 (Uptown UP 27.36)

    Charlie Parker/Miles Davis/Dizzy Gillespie – Bird With Miles And Dizzy (Queen Disc (It) Q-002)

    Charlie Parker – One Night In Washington (Elektra/Musician E1 60019)

    Charlie Parker – Yardbird-DC-53 (VGM 0009)

    Charlie Parker At Storyville (Blue Note BT 85108)

    Charlie Parker – Star Eyes (Klacto (E) MG 100)

    Charles Mingus – The Complete Debut Recordings (Debut 12DCD 4402-2)

    The Quintet – Jazz At Massey Hall, Vol. 1 (Debut DLP 2)

    The Quintet – Jazz At Massey Hall (Debut DEB 124)

    Charlie Parker – Bird Meets Birks (Mark Gardner (E) MG 102)

    Bud Powell – Summer Broadcasts 1953 (ESP-Disk’ ESP 3023)

    Charlie Parker – New Bird: Hi Hat Broadcasts 1953 (Phoenix LP 10)

    The Quartet Of Charlie Parker (Verve 825 671-2)

1954

    Hi-Hat All Stars, Guest Artists, Charlie Parker (Fresh Sound (Sp) FSR 303)

    Charlie Parker – Kenton And Bird (Jazz Supreme JS 703)

    The Genius Of Charlie Parker, #5 – Charlie Parker Plays Cole Porter (Verve MGV 8007)

    Charlie Parker – Miles Davis – Lee Konitz (Ozone 2)

Важно

    V.A. – Echoes Of An Era: The Birdland All Stars Live At Carnegie Hall (Roulette RE 127)

Live

    Live at Townhall w. Dizzy (1945)

    Yardbird in Lotus Land (1945)

    Bird and Pres (1946) (Verve)

    Jazz at the Philharmonic (1946) (Polygram)

    Rapping with Bird (1946-1951)

    Bird and Diz at Carnegie Hall (1947) (Blue Note)

    The Complete Savoy Live Performances (1947–1950)

    Bird on 52nd Street (1948)

    The Complete Dean Benedetti Recordings (1948–1951) (7 cds)

    Jazz at the Philharmonic (1949) (Verve)

    Charlie Parker and the Stars of Modern Jazz at Carnegie Hall (1949) (Jass)

    Bird in Paris (1949)

    Bird in France (1949)

    Charlie Parker All Stars Live at the Royal Roost (1949)

    One Night in Birdland (1950) (Columbia)

    Bird at St. Nick’s (1950)

    Bird at the Apollo Theatre and St. Nicklas Arena (1950)

    Apartment Jam Sessions (1950)

    Charlie Parker at the Pershing Ballroom Chicago 1950 (1950)

    Bird in Sweden (1950) (Storyville)

    Happy Bird (1951)

    Summit Meeting at Birdland (1951) (Columbia)

    Live at Rockland Palace (1952)

    Jam Session (1952) (Polygram)

    At Jirayr Zorthian’s Ranch, July 14, 1952 (1952) (Rare Live Recordings)

    The Complete Legendary Rockland Palace Concert (1952)

    Charlie Parker: Montreal 1953 (1953)

    One Night in Washington (1953) (VGM)

    Bird at the High Hat (1953) (Blue Note)

    Charlie Parker at Storyville (1953)

    Jazz at Massey Hall aka.The Greatest Jazz Concert Ever (1953)

История музыки

Чарли Паркера многие называют отцом современного джаза. Он часто был настолько же невыносим в личной жизни, насколько великолепен на сцене. Его привычка ставить себя выше других стала для него роковой: он так и не смог раскрыть до конца весь свой талант.

Неуживчивый характер Паркера, пренебрежительное отношение к партнерам и частое пребывание в клиниках сделали его карьеру очень трудной и неровной. Тем не менее, в современном джазе он всегда пользовался неизменным уважением.

Чарли Паркер (Charles (Charlie) Parker) родился 29 августа 1920 гoда в пригороде Канзас-Сити. Его отец, Чарльз Паркер-старший, был провинциальным певцом и танцором. Через восемь лет его семья перебралась в негритянское гетто в центре города. Там Паркер-старший хотел найти работу. Однако это ему не удалось, и через гoд Паркер-старший ушел из семьи.

Мать Чарли, Эдди Паркер, как могла, старалась скрасить его тяжелое детство. Одним из ее подарков сыну, определившим всю его судьбу, был старенький альт-саксофон, купленный за 45 долларов.

Паркер начал учиться играть самостоятельно, без учебников и преподавателей. Он занимался по 11-15 часов в день. Неуживчивым характером Чарли обладал уже с детства, поэтому он даже отказывался от помощи мастеров джаза, которую они ему предлагали.

В 15 лет Чарли оставил школу и стал заниматься музыкой профессионально. Он играл в различных джаз-бэндах, выступал в ночных клубах.

Тогда же Паркер получил свое прозвище «Yаrdbird» («Дoмaшняя птицa»), которое вскоре укоротилось до «Вird» («Птицa»). По одной из версий, Чарли получил его потому, что жареный цыпленок был его любимым блюдом. В дальнейшем это прозвище появлялось в названии таких его произведений, как «Yаrdbird Suitе» и «Вird Fеathers».

В 17 лет Паркер познакомился с наркотиками. Эта зависимость уже не отпускала его до конца жизни. Когда он пытался избавиться от нее, его тут же притягивал алкоголь.

Совет

В конце 1938 гoда Чарли принимают в оркестр пианиста Джея Мак-Шенна, в котором он выступал более трех лет. В 1940 гoду оркестр записал несколько пьес для радио. Эти записи стали первыми в музыкальной карьере Паркера. У Мак-Шенна он стал настоящим мастером, но чувствовал, что своего стиля ему здесь не найти.

В начале 1942 гoда Чарли покинул оркестр. Ему пришлось жить в нищенских условиях, но он продолжал играть свою собственную музыку в различных нью-йоркских клубах. И это привело его к успеху. Паркер нашел своих единомышленников. Ими оказались трубач Диззи Гиллеспи и пианист Телониус Монк.

В феврале и марте 1945 гoда Чарли Паркер вместе с Диззи Гиллеспи сделал целую серию записей, в которых прозвучал во всем блеске новый стиль — бибоп. Паркер стал королем этого стиля.

Он был на вершине успеха, им восхищались и публика, и музыканты. Своеобразной «визитной карточкой» Паркера стала одна из его лучших композиций – «Koko».

Она появилась в самом начале эпохи бопа, на одном из его выступлений в ноябре 1945 гoда.

Разумеется, Паркер обладал высочайшей техникой исполнения, но кроме этого в его игре было нечто, присущее ему одному.

Он был способен путем интерпретации извлечь из своего инструмента почти неуловимые переливы звука, которые невозможно описать никакими нотными знаками.

Темы Чарли Паркера, как правило, являлись лишь короткими эпизодами музыкальных произведений, но именно они делали эти композиции неповторимыми.

Обратите внимание

В конце 1945 гoда у Паркера случился первый нервный кризис. Вернуться на эстраду он смог только в начале 1947 гoда. Чарли собрал весь прежний состав своего оркестра и с успехом продолжил свои выступления. В сентябре 1947 гoда он дал триумфальный концерт в Карнеги-Холл. А в 1948 гoду в анкете журнала «Метроном» Чарли Паркер был назван музыкантом гoда.

Однако психическое расстройство уже оставило неизгладимый след на личности Паркера.

Гиллеспи уже твердо чувствовал, что их дальнейшее сотрудничество не даст никаких результатов.

Многие другие музыканты, которые прежде мечтали работать с Чарли на одной сцене, уже не могли больше терпеть его пренебрежительного и высокомерного отношения. Прежние соратники великого мастера уходили от него.

И хотя на протяжении еще нескольких лет ему удавалось делать блестящие записи, было ясно, что конец его карьеры близок.

Чарли Паркер умер от цирроза печени и язвы желудка 12 марта 1955 гoда. Тогда ему еще не исполнилось тридцати пяти лет. Он унес с собой огромную часть своего таланта, которую не успел выразить для своих почитателей.

http://technodeluxe.by/ светодиодное освещение светодиодные светильники. Флипбук студия и Инстапринтер в Москве принстаграм.рф.

Чарлз Паркер

Казалось, признание, которое получила его музыка, только осложнило взаимоотношение этого человека с окружающим миром. Берд стал еще более нетерпимым, раздражительным, безапелляционным в своих отношениях с коллегами и близкими людьми. Одиночество обматывало его все более плотным коконом.

Чарли Паркер, известный также как “Берд”, может быть по достоинству назван отцом современного джаза.

Его смелые импровизации, совершенно свободно уходящие от мелодического материала тем, явились своеобразным мостом между сладким звучанием популярного джаза и новыми формами импровизационного искусства.

Важно

Его влияние на последующие поколения джазовых музыкантов можно сравнить только с влиянием Луи Армстронга.

Чарлз Кристофер Паркер появился на свет 29 августа 1920 года в Канзас-Сити. Детство Паркера прошло в черном гетто Канзас-Сити, где было множество кабачков, увеселительных заведений и всегда звучала музыка. Отец, третьеразрядный певец и танцор, вскоре бросил семью, и мать, Эдди Паркер, отдававшая весь жар своей любви мальчику, здорово его избаловала.

Очередным, и как оказалось впоследствии, судьбоносным подарком стал видавший виды альт-саксофон, купленный за 45 долларов. Чарли стал играть и забыл обо всем остальном. Он учился самостоятельно, в одиночку продираясь сквозь все проблемы, в одиночку открывая для себя законы музыки. Страсть к музыке с тех пор не покидала его.

Вечерами он слушал игру городских музыкантов, днями учился сам.

На учебники времени не оставалось. В 15 лет Чарли бросает школу и становится профессиональным музыкантом. Впрочем, профессионализма в этом себялюбивом, замкнутом юноше было еще мало.

Он пытается копировать соло Лестера Янга, играет в джемах, меняет различные местные составы. Он вспоминал позже: “Нам приходилось играть без перерыва с девяти вечера до пяти утра.

За ночь мы получали по одному доллару двадцать пять центов”.

Несмотря на быстрый прогресс в технике игры, юный Чарли не очень вписывался в слаженные, гладкие звучания биг-бэндов. Он всегда пытался играть по-своему, постоянно нащупывая свою, неповторимую музыку.

Это нравилось далеко не всем. Хрестоматийна история о том, как на одном из ночных джем-сейшнз ударник Джо Джонс, выведенный из себя “штучками” Паркера, запустил в зал тарелкой. Чарли собрался и вышел.

В 15 лет Чарли женился на 19-летней Реббеке Раффинг – это был его первый брак, но столь же скоротечный и неудачный, как и последующие. В 17 лет “Берд” (сокращение от первоначального прозвища Yardbird) впервые становится отцом. Тогда же или чуть раньше он впервые знакомится с наркотиками.

Совет

Перебрав целый ряд составов, побывав в Чикаго и Нью-Йорке, и вернувшись в конце 1938 года в Канзас-Сити, Берд поступает в оркестр пианиста Джея Мак-Шенна. С этим составом он играл более трех лет, и первые известные записи Паркера были сделаны также с этим оркестром.

Здесь он стал зрелым мастером. Коллеги высоко ценили его как альт-саксофониста, но то, что ему приходилось играть, по-прежнему не удовлетворяло Чарли. Он продолжал искать свой путь: “Я был по горло сыт стереотипными гармониями, которыми все пользовались.

Я постоянно думал о том, что должно же существовать что-то иное. Я слышал это, но не мог сыграть”.

А потом все-таки сыграл: “Я долго импровизировал на тему Cherokee и вдруг заметил, что выстраивая мелодию из верхних интервалов аккордов и придумывая на этой основе новые гармонии, мне вдруг удалось сыграть то, что постоянно было во мне. Я словно заново родился”.

После того, как Берд открыл свой путь к свободе, он не мог больше играть с Мак-Шенном. В начале 1942 года он ушел из оркестра и, ведя полуголодное, нищенское существование, продолжал играть свою музыку в разных нью-йоркских клубах. В основном, Паркер работал в клубе “Uptown House” Кларка Монро. Именно там его впервые услышали единомышленники.

С 1940 года в другом клубе, “Minton’s Playhouse” собирались, как сказали бы сегодня, поклонники альтернативной музыки. В клубном составе постоянно работали пианист Телониус Монк, барабанщик Кенни Кларк, басист Ник Фентон м трубач Джо Гай.

Вечерами и ночами регулярно проводились джем-сейшнз, где частыми гостями были гитарист Чарли Крисчиен, трубач Диззи Гиллеспи, пианист Бад Пауэлл и другие музыканты.

Одним осенним вечером Кларк и Монк отправились в Аптаун послушать тамошнего альт-саксофониста, слухи о котором докатились до клуба Минтона.

Обратите внимание

Кенни Кларк (ударные): “Берд играл нечто неслыханное. Он играл фразы, которые, как мне казалось, придумал я сам для ударных. Он играл в два раза быстрей Лестера Янга и в таких гармониях, которые Янгу и не снились. Берд шел по нашей же дороге, но намного опередил нас. Вряд ли он знал цену своим находкам. Это была просто его манера играть джаз, это была часть его самого.”

Естественно, вскоре Паркер оказался в клубе Минтона. Теперь он был среди своих. Обмен свежими музыкальными идеями пошел еще интенсивнее. И первым среди равных здесь был Берд.

Его свобода торжествующе вырывалась наружу каскадами удивительных, неслыханных звучаний.

Рядом с ним стоял в те годы Диззи Гиллеспи, практически не уступавший Берду в творческой фантазии, но имевший гораздо более жизнерадостный и общительный характер.

Музыка, которая родилась, была названа бибоп.

MIDI запись представляет транскрипцию соло Паркера на собственную тему “Орнитология”.

“Лучше было бы, если бы бибопу присвоили другое имя, более соответствовавшее серьезности целей его создания”. (Бад Пауэлл)

Королем ее почти все считали Паркера. Король вел себя как абсолютный и весьма капризный монарх. Казалось, признание, которое получила его музыка, только осложнило взаимоотношение этого человека с окружающим миром.

Берд стал еще более нетерпимым, раздражительным, безапелляционным в своих отношениях с коллегами и близкими людьми. Одиночество обматывало его все более плотным коконом.

Зависимость от наркотиков становилась все сильнее, а попытки избавиться от нее бросали Паркера в объятия алкоголя.

Важно

Однако, карьера Паркера продолжала в то время еще свое восходящее движение. В 1943 году Паркер играет в оркестре у пианиста Эрла Хайнса, а в 1944 году – у бывшего вокалиста Хайнса Билли Экстайна. К концу года Берд стал выступать в одном из клубов на 52 улице.

В феврале-марте 1945 года Берд и Диззи записали серию пластинок, во всем блеске представивших новый стиль. Очередные, не менее значимые записи, появились в ноябре в Калифорнии у Росса Рассела на фирме “Dial”. Здесь Паркера настиг первый серьезный нервный кризис.

Джазовый мир вновь увидел Берда вернувшимся к активной деятельности лишь в начале 1947 года. На этот раз в квинтет Чарли Паркера вошли молодые Майлс Дэвис (труба) и Макс Роуч (ударные).

Общение с Бердом оказалось неоценимой школой для этих крупнейших впоследствии музыкантов. Но выдержать такое общение они смогли не очень долго. Уже в 1948 году оба отказались от дальнейшего сотрудничества.

Но еще до этого, в сентябре 1947 года, Паркер триумфально выступил в Карнеги-Холл. В 1948 году Берд был назван музыкантом года в анкете журнала “Метроном”.

Европейцы впервые, но не в последний раз увидели Паркера в 1949 году, когда он со своим квинтетом прибыл на джазовый фестиваль в Париж. Но теперь, после расставания с Гиллеспи, а затем с Дэвисом и Роучем, рядом с ним были уже другие люди – крепкие профессионалы, но не столь яркие, безропотно сносившие эскапады своего лидера.

Последовавшие вскоре записи со струнным оркестром дали Берду дополнительный повод для стрессов. Принеся хорошие деньги, эти записи оттолкнули некоторых, еще недавно горячих идеологических поклонников. Раздавались обвинения в коммерциализации. Гастроли стали все чаще перемежаться с визитами в психиатрические клиники. В 1954 году Берд получил тяжелый удар – умерла его двухлетняя дочь При.

Все попытки Берда вернуть психологическое равновесие оказались тщетными. Спрятаться от себя в идиллической сельской глуши не удалось – его тянул к себе Нью-Йорк, мировой центр джаза.

Совет

Серия его выступлений в Нью-йоркском клубе, названном в его честь “Birdland”, закончилось скандалом: в очередном приступе ярости Паркер разогнал всех музыкантов и прервал выступление. Хозяева клуба отказались иметь с ним дело.

В аналогичных отношениях с ним оказались и многие другие концертные площадки. Птица была изгнана из своей страны.

Последним прибежищем Паркера стал дом его богатой поклонницы баронессы де Кенигсвартер. 12 марта 1955 года он сидел у телевизора и смотрел шоу оркестра братьев Дорси. Смерть застигла его в этот момент. Врачи причиной смерти назвали цирроз печени и язву желудка. Берд не дожил и до 35 лет.

Интересный подход к предметной фотографии и композиции от Ross Floyd

Ross Floyd

В электронной коммерции есть одна неоспоримая истина: то, как продукт визуально представлен, производит первое впечатление на потенциального покупателя. Для того, чтобы сделать этот продукт неотразимым для потребителей, фотографу необходимо знать, на какие элементы следует обратить внимание и как использовать эффективные методы, такие как освещение и ретушь, чтобы действительно захватить зрителя.

Росс Флойд снимал фотографии коммерческих продуктов на протяжении более семи лет, работая с командой по восемь часов в день и создавал около 10 000 изображений в год сам. Его обширный опыт привел к тому, что он работал с некоторыми из крупнейших производителей мебели в мире и снял несколько невероятных фотосессий.

Ross Floyd

Можете ли вы описать, что именно вы делаете? Как вы попали в коммерческую предметную фотографию?

Я рассказываю истории о людях, которые делают вещи. И о предметах, и пространствах, и переживаниях, которые они создают. Это основная тема всего, что я делаю.

Иногда я снимаю высококачественную мебель, а затем переодеваюсь в спецодежду и фотографирую строительные работы. У меня действительно есть страсть к интересным образам. Именно это привлекает большинство моих клиентов.

Я ходил в школу фотографии. Я работал на другого фотографа по имени Джейсон Линдси около четырех лет и многому у него научился. Он фотографировал в путешествиях и создавал рекламные снимки. Мы все время использовали на площадке профессиональное осветительное оборудование и работали с мастерами своего дела, это было действительно интересно.

После этого я переехал в Чикаго и получил работу в аукционном доме Райта. Они продают предметы искусства и мебель 20-го века, поэтому все, что угодно, от стульев Эймса до Пикассо, оказались в моём объективе. Я научился фотографировать различные материалы.

Я фотографировал предметы искусства в течение семи лет по восемь часов в день, каждый день.

Это было похоже на тренировочный лагерь. И это было отличное место для учёбы. Это была небольшая компания, но они делали очень много работы. За то время, что я там был, я думаю, что мы выпустили более 200 каталогов. Каждый из них имеет свой собственный внешний вид, поэтому нам каждый раз приходилось менять тип освещения и многое другое. Также иногда мы проектировали и строили декорации.

Ross Floyd

Вы всегда интересовались предметной фотографией?

Когда я учился в школе, то в основном фотографировал людей. Большая часть моей работы тогда была о моем беспокойстве, отношениях и тому подобных вещах. Лучшей моей работой тогда был натюрморт с двумя пластиковыми скелетами, которых я украл из научной лаборатории.

И в это время натюрморт начал понемногу подкрадываться ко мне. Но настоящим катализатором была работа на аукционе. В моем портфолио изначально не было ни одного предметного снимка, поэтому я пошел в магазин и купил кучу вещей. Я купил блендер, стойку для специй и несколько вилок, что-то вроде этого.

Я сделал портфолио за неделю. Затем напечатал его, дал интервью и сделал несколько предложений о работе. Меня приняли на работу и мне пришлось очень быстро учиться предметной фотографии.

Ross Floyd

Каковы были некоторые из первоначальных проблем, с которыми вы столкнулись, когда переходили в новый жанр?

Я получил совершенно новые навыки. И я чувствую, что это сделало все мои фотографии лучше.

Наверное, мне следовало бы сказать, что я также хороший редактор. Я могу очень хорошо редактировать. Я могу посмотреть на что-то, увидеть проблему и выяснить, чего не хватает. Может быть, снимок недостаточно контрастный, недостаточно резкий.

Ross Floyd

Можете ли вы рассказать об оборудовании, которое вы используете?

Набор оборудования постоянно меняется. Для съёмки кофейной чашки и обеденного стола нужны различные инструменты. Я предпочитаю использовать 100-мегапиксельный цифровой задник на камере Phase One.

Мне очень нравится эта высококачественная камера, у нее просто очень, очень хорошие изображения. Хотя это очень дорогая камера. Я не всегда её использую. Довольно часто я пользуюсь оборудованием Canon. У меня есть 5D Mark IV.

И потом, у меня есть несколько линз, которые я обычно использую. Я могу покрыть почти все с 24-70 и 70-200, но мне нравятся фиксы. Также мне нравится работать с tilt-shift объективами, потому что вы можете исправить перспективные искажения при съёмке мебели.

Ross Floyd

Упрекают ли вас за использование слишком дорогого оборудования?

Это просто позволяет мне сократить работу по обработке снимков. Если я трачу деньги или арендую оборудование, я всегда стараюсь использовать лучшее. Изображение, получаемое с камеры должно быть близким к итоговому снимку. Поэтому мне не нужно тратить много времени на ретушь.

Это также даёт немного больше гибкости. Динамические диапазоны всех современных камер довольно близки, но количество тона, которое вы получаете при работе с дорогостоящей техникой среднего формата поражает. Я считаю, что, особенно при съёмке деревянных столешниц вы можете восстановить гораздо больше деталей и цвета. Так что я делаю гораздо меньше работы по освещению и обработке, используя средний формат. Это звучит как небольшое мошенничество, но это не так.

Такие камеры дают другое ощущение. Люди могут сказать: «О, вы платите так много за другое ощущение? И я говорю: «Ну, это качество.”

Но у меня есть и Fujifilm X100F, который я люблю за снимки, получаемые в дневное время. Эта штука делает то, что средний формат не может сделать в настоящее время. Есть определенные ситуации, когда я предпочел бы иметь эту малышку, чем неуклюжего зверя.

Это все компромиссы. Это попытка получить результат путем компромисса.

Ross Floyd

Когда вы начинали, кто был вашим кумиром и что вас вдохновляло?

Когда я училась в школе, то очень любил Ирвинга Пенна. Мне очень нравились его портреты и натюрморты, которые я всегда очень любил. У него были эти фотографии гигантских окурков от сигарет, которые он просто находил на улице, и он делал их очень большими. Это делало эти крошечные вещи очень монументальными и сумасшедшими. Такая трансформирующая фотография всегда была мне очень интересна.

Не просто сделать объект большим, взять что-то, что кто-то не видел раньше или обычно не исследовал, и показать это людям, сделав его важным. Для меня это очень забавная идея.

Вы, должно быть, видели некоторые довольно причудливые и увлекательные вещи.

И я сидел в них! У меня была целая серия в Instagram, где я просто сидел в этих действительно дорогих креслах и как бы оценивал их комфортность.

Ross Floyd

Мы обычно спрашиваем фотографов, которых мы интервьюируем, есть ли у них любимая фотография, которую они сделали, но давайте перейдем к тому, что мы все действительно хотим знать… у вас есть любимое кресло, в котором вы когда-либо сидели?

Есть два. Одного из них у меня нет фотографии, потому что это был редкий прототип датского дизайнера Ib Kofod-Larsen.

Также есть этот шезлонг от Eames. Это кресло для отдыха Eames 670. Это кожа и гнутое розовое дерево. Это самое удобное кресло, в котором я когда-либо сидел. Ты просто как бы погружаешься в него. Они действительно хороши, но только старые. В новых подушках есть пена, а в старых – гусиный пух.

Это очень по-буржуазному с моей стороны. Я не рос и близко к этому миру. Поэтому мне странно говорить об этом, но я предпочитаю те, что с гусиным пухом!

Ross Floyd

А любимая фотография?

Есть две. Это гигантский стол, этот обеденный стол Джорджа Накасимы, который я снял сверху. Мне пришлось арендовать очень большую студию, чтобы снять его. Парень, которому он принадлежал, пытался его продать. Его зовут Уит, он владелец международной биржи.

Это стол на полмиллиона долларов. Мы построили целую опорную систему для камеры с небольшим салазками, и мы повесили камеру стоимостью 60000 долларов над этим полумиллионным столом, просто чтобы мы могли сделать фотографию. Это был сон для меня, потому что клиент действительно понимал видение и почему мы это делали.

Он сам нам сказал: «Да, это круто. Давайте сделаем это.” И потом, я должен был придумать, как это сделать, как построить опоры, которые были бы безопасны, чтобы мы могли повесить эту камеру над столом и не дать ей упасть.

Ross Floyd

Также я получил задание от журнала, снять очень крутой литейный завод в Западном Чикаго, называемый West Supply. Он принадлежит леди по имени Энджи Уэст, которая раньше была фотографом. Они делают высококачественное литье из бронзы и стекла, и они хотели снять весь заводской этаж. Так что мне пришлось подняться высоко, и там негде было стоять, но у них была 18-метровая лестница.

Итак, я стоял на вершине этой высоченной лестницы, просто двигаясь вперед и назад, потому что я не мог поднять туда треногу. Да и вообще вся эта штука тряслась, так что даже если бы к ней был закреплён штатив, это было бы бесполезно. Я сделал кучу изображений, чтобы сшить их вместе позже, как огромный панорамный снимок людей, льющих бронзу.

Ross Floyd

Всегда здорово, когда вы работаете с клиентом, который разделяет ваше видение и позволяет вам проявить творческую свободу. Но, когда у вас нет этого, как вы справляетесь с таким вызовом?

Суть в том, что они не совсем понимают ваше видение, и они доверяют вам достаточно, чтобы позволить вам это сделать. Это очень редкий случай. Иногда я рисую наброски или нахожу изображения, похожие на то, что собираюсь сделать в Pinterest.

Или вы можете сделать два изображения и сказать: “Эй, я хочу взять освещение из этого, но применить цвет из этого.» Визуальные исследования очень важны, когда вы пытаетесь объяснить, что вы хотите сделать, будь то клиент или модель.

Ross Floyd

Как проходит ваша съёмка?

Это зависит от того, что вы снимаете. Предметная фотография будет сильно отличаться от съемки комнаты или съемки интерьеров. Но у них есть нечто общее — это то, что вы пытаетесь рассказать историю, и эта история может быть такой же простой, как зубная щетка.

Когда вы фотографируете человека, вы говорите: «О, у этого человека уникальные глаза, или у этого человека отличные волосы, или у этого человека интересная кожа.” Вы собираетесь сделать выбор, который позволит рассказать определённую историю.

Мне нравится контекстуализация всего визуального искусства – вы рассказываете историю, независимо от того, что вы снимаете. Вы рассказываете историю цвета, текстуры и всего такого.

А эта комната вас привлекает? Как я могу сделать её привлекательной? Это что-то вроде расстановки мебели? Нужно что-то сделать с освещением? Я в основном просто спрашиваю: «Что я пытаюсь здесь сделать? Иногда это простой ответ, но очень трудное решение.

Ross Floyd

Есть ли у вас любимая цитата или мантра, которую вы повторяете себе, и которая заряжает вас творческой энергией?

Да, есть одна, о которой я много думал в последнее время.

“Продай свой ум и купи недоумение.”

Кроме того, у меня есть одна банальная фраза, которая очень помогает мне в моем бизнесе. Это из нового фильма про Рокки. Цитата такова: «один шаг, один удар, один раунд за один раз.” Это позволяет мне ставить ежедневные цели и добиваться результата. Это про то, что я должен сделать прямо сейчас, в эту минуту.

Ross Floyd

В какой-то момент мы все упираемся в стену. Что вы делаете, когда у вас наступает творческий кризис?

Вы просто должны найти свой путь из этой ситуации. Другого выхода нет. Некоторые люди буквально ждут вдохновения. Но у меня другой темперамент. Мне просто нужно работать. Мне нравится работать. Все, что я делаю, не всегда хорошо; некоторые мои работы — дерьмо.

Иногда у меня бывают провальные идеи. Однажды я снимал в течение двух или трех дней. Я потратил слишком много времени на то, что не работало, потому что я хотел, чтобы оно работало. А потом я остановился и нашел другую тему для съёмки. Идеи не всегда срабатывают и нужно уметь это признавать.

Можете ли вы легко отказаться от своей идеи, концепции?

Иногда приходится это делать. Даже при работе с клиентами, вы должны иногда отказываться от каких-то задумок. Порой они хотят двигаться немного в другом направлении, чем вы, и вы должны научиться быть гибким. Я имею в виду, попытайтесь сделать снимок, который вы хотите, но, в конце концов, некоторые из этих людей оплачивают ваши счета, и вы должны получить то, что они хотят.

Но, я думаю, от личных идей немного сложнее уйти. Этот кадр, который я делал несколько дней и так и не сделал всё ещё немного беспокоит меня. Может быть, через 10 лет я смогу сделать этот кадр. Это своего рода приключение. Может быть, я просто не готов сделать его сейчас.

Чтобы увидеть больше работ Росса (и некоторые из лучших стульев, на которых он когда-либо сидел!), посетите его сайт и следуйте за ним в Instagram.

Ещё больше вдохновения: Facebook, Вконтакте и Telegram

comments powered by HyperComments

Французский рэп: история, композиции, интересные факты

Французский рэп

 

С самого своего зарождения на улицах Бронкса рэп считается музыкой протеста. Этот жанр умеет разжигать толпу и общество, ломать стулья, провоцировать резкими высказываниями. Любят его, в том числе, за это. Французский рэп, как явление, созданный в основном мигрантами из бывших французских колоний, максимально следует своим корням. При этом ему не занимать музыкальной индивидуальности, изобретательности и эффектности.

Краткую историю французского рэпа, причины его популярности, роль в социальном и культурном дискурсе, а также разные интересные факты читайте на нашей странице.

 

 

Популярные композиции

«Laisse pas traîner ton fils». Один из главных хитов «Supreme NTM», вышедший в качестве одноимённого сингла и звучавший в конце 1998 году на всех французских радиостанциях. В своей лирике JoeyStarr рассказывает о напряжённых отношениях с отцом и о том, что улица спасла его. В композиции использована скрипка, которая уже в следующем треке из альбома уступила место пианино.

«Laisse pas traîner ton fils» (слушать)

«Petit frère». Песня, вошедшая в третий альбом группы «IAM», благодаря которому она стала популярной во всём мире. В композиции использован сэмпл из песни «Wu-Tang Clan» — «C.R.E.A.M», — в которой говорится «Маленький брат». Внутренний стержень песни — это улицы, тяжёлое детство и наставничество.

«Petit frère» (слушать)

 

«A.W.A.». Карим Зену, более известный как Lacrim, родом из Марселя. Путь на вершину хит-парадов у исполнителя был тернистым — он рос в нищете и ночлежках на улице, даже успел отсидеть в тюрьме. В этой композиции, исполненной вместе с известным американским рэпером French Montana, вся квинтэссенция творчества Лакрима — он вспоминает своё детство и проводит параллель с артистами, которые «родились с золотой ложкой во рту».

«A.W.A.» (слушать)

«DA». Песня принадлежит второму альбому группы «PNL» — «Danslallegende», который получил бриллиантовый статус. Слушателей подкупила она медленным темпом и интересной меланхоличной мелодией. Структурно, как и большинство песен группы, состоит из афоризмов и отсылок, объединенных общей темой — жизнь в большом городе и отношения с женщинами. Любопытно, что куплеты исполнителей длятся одинаково, по одной минуте каждый, но первый содержит почти в два раза больше слов, чем второй. Этот факт наглядно демонстрирует, как рэперы могут по-разному подходить к произношению слов, образуя совершенно иное звучание.

«DA» (слушать)

 

 

История французского рэпа

Французский язык — быстрый и плавный, без лишних пауз, производит красноречивый эффект и идеально подходит для рэпа. Кроме того, французское правительство ещё в конце 1980-х обязало все местные радиостанции транслировать не менее 40 процентов французской музыки. Казалось бы, уже этих фактов достаточно для сильной почвы, на которой взошла бы французская хип-хоп культура и рэп в частности. Однако, каким плавным и романтическим не был бы французский язык, история рэпа в этой стране началась не с любовных баллад и оптимистических зажигающих мелодий. А напротив — с неприкрытой ярости, вызванной многолетним угнетением и ментальностью различных народов Франции.

Зарождение хип-хопа во Франции повторяет аналогичный процесс в США: он нашёл отклик у интернациональной молодёжи так называемых «les cites», которые во многом похожи на американские гетто. Парижские пригороды стали питательной средой для нового типа экспериментальной музыки, отличающейся особой ритмикой и речитативом. Изначально в основе французского рэпа лежали проблемы идентичности и связанные с ней исторические травмы. Именно бремя иммигрантов из африканских и арабских стран составило магистральную линию французского рэпа на заре его появления. Иммигранты, соседствуя с местным наименее защищённым контингентом, объединились вокруг музыки (а также граффити и брейк-данса). Только представьте: конец 1970-х, Бронкс и его неблагоприятные кварталы, банды и обычные мальчишки, выходящие на улицу и заявляющие о своём праве творить. Во Франции всё происходило практически так же.

Настоящий прорыв во французской хип-хоп культуре связан с DJ Dee Nasty и его диджейским пультом. Он организовывал закрытые вечеринки для молодёжи, на которых крутил собственные миксы. В 1984 году DJ Dee Nasty издал свою первую пластинку «Dans la langue de Molière», после чего рэп стал ещё более притягательным для желающих созидать и высказываться посредством музыки.

1984 год ознаменовался запуском на французском телевидении шоу под названием «H.I.P.H.O.Paired». Эта программа произвела настоящий фурор и даже опередила первый американский хип-хоп сериал «Yo! MTV Rapsby» на четыре года. Шоу было сосредоточено главным образом вокруг брейк-данса и скретчинга, но на нём постоянно появлялись различные исполнители рэпа. Во время европейских гастролей эфир посетили даже Кёртис Блоу и Afrika Bambaataa, отцы-основатели хип-хоп культуры.

Впервые стали заявлять о себе французские рэп-группы в конце 1980-х. «NTM» («Nique Ta Mere a.k.a. Fuck Your Mother») и «IAM» стали для Франции «NWA» и «Public Enemy» соответственно. По примеру американских коллег, они писали провокационные тексты, в которых критиковали правительство, богатых, а также поднимали проблемы сегрегации, бедности, безработицы и полицейского произвола. Французские рэперы этого поколения не вписывались в конъюнктуру, а потому не могли часто транслироваться на радио и телевидении, оставались в андеграунде.

Однако в начале 1990-х французский рэп становится более ритмическим и танцевальным, что связано с такими группами как «Alliance Ethnik» и «Ménélik». Тенденция поставить ритмический речитатив в обслуживание более популярных сюжетов была с радостью встречена массами и даже не обнаружила сопротивления со стороны политиков. Заметным исполнителем на тот момент был MC Solaar. Любителям американского рэпа он запомнился гостевым куплетом на альбоме покойного Guru, выпущенном в 1993 году. С другой стороны, Mc Solaar также приписывал своей музыке особую философию и послание: творчество вместо разрушения, искусство вместо насилия. Он описывал свою музыку и стиль в целом как шанс вырваться из-под исторического гнёта творческим и осмысленным образом.

Во второй половине 1990-х французский рэп обзавёлся внушительным рынком. Особенно выделялись такие команды, как «Saian Supa Crew», «La Caution», «La Fonky Family» и другие. Внимание к себе привлекли группы, стоявшие у истоков и вернувшиеся с более современным звучанием: «NTM» и «Ministère A.M.E.R.». Едва ли не самым известным коллективом африканского происхождения ближе к 2000-м стал «Bisso Na Bisso». Музыка выходцев из Конго напоминала настоящую эклектику — в ней уже сформировавшийся язык французского рэпа сочетался с румбой и таким национальным стилем, как «zouk».

 

С развитием интернета, многие группы и звукозаписывающие компании, прославившиеся в 1990-х, не сумев подстроиться под новые тенденции, либо полностью исчезли с радаров, либо занялись смежной деятельностью, либо взяли перерыв. Тогдашние «фрешмены» не стали повторяться за своими предшественниками, но зато многое переняли у американских звёзд. «La Fouine and Rohff», «Booba», «Sinik» и другие рэперы успешно адаптировали западный звук к социальному, культурному и политическому пласту страны. Несмотря на то, что в последующие годы французский рэп всё больше ориентируется на коммерцию и по звучанию становится похожим на американский, он продолжает оставаться самостоятельным узнаваемым медиумом. Он продолжает уникальным мирным способом преодолевать изоляцию пригородов и привлекать внимание французских и международных СМИ.

 

 

Интересные факты

• Хип-хоп культура получила своё отражение в разных видах искусства, в том числе танце. Французский рэп не в меньшей степени, чем американский, связан с брейк-дансом. На сегодняшний день бойкий речитатив под задорный бит, называемый «old school», остаётся наиболее частым аккомпанементом к брейк-дансу. При этом французские команды и отдельные бибои регулярно занимают призовые места на соревнованиях по танцам. К примеру, фильм «Planet B-Boy», служащий наглядной репрезентацией этой культуры и собравший множество фестивальных наград, посвящён, в том числе, французам. Брейк-данс настолько врос в культуру эту страны, что был предварительно включён в программу Олимпийских игр 2024 года, которые пройдут в Париже.
• О социальной функции французского рэпа во многом говорит художественный фильм «Ненависть». Это черно-белая картина, срежиссированная Матье Кассовицем и вышедшая в 1995 году. Фильм повествует об одном дне из жизни подростков из периферийного квартала-гетто, а одну из главных ролей в нём сыграл Венсан Кассель. Многие рассматривают фильм как французский эквивалент «Ребят по соседству» («Boyz N The Hood»). Саундтрек же, включающий «NTM» и других рэп-исполнителей, дал французским подросткам что-то, с чем можно они бы могли идентифицировать себя.
• После оглушительного успеха в 1997 году участники группы «IAM» сделали саундтрек к комедийному боевику Люка Бессона «Такси». В 2000-х французский рэп стал чуть ли не музыкальной основой для всех фильмов, которые были призваны показать «обратную» сторону французской жизни: «Ямакаси» и «13-й район» — самые яркие примеры. Композиции некоторых рэперов даже начали включать в саундтреки американских фильмов: к примеру, песни группы «La Caution» можно услышать в «12 друзей Оушена» и сериале «Как я встретил вашу маму».

• Именно с популяризацией рэпа во Франции стали появляться региональные представительства многих флагманов на рынке звукозаписи, в том числе компании «Def Jam Recordings», открывшей дорогу для целого ряда всемирно известных рэперов.
• Французская рэп-сцена включает немало представительниц женского пола. Одной из самых известных является Кени Аркана — к тому же, это самый яркий пример «южного стиля». Тексты девушки посвящены обществу и политике, отображают «мир, который должен быть изменён». Апеллируя к универсальным темам, французские исполнительницы часто проблемизируют феминные качества.
• Нередко при прослушивании французского рэпа можно ощутить непоколебимую связь исполнителя с родным местом и улицами, на которых он вырос. Она может отражаться даже в названиях групп — аббревиатура «IAM» трактуется как «Invasion Arrivée de Mars» («Вторжение Марса»). Под метафоричным Марсом в композициях «IAM» подразумевается Марсель.
• О том, что французский рэп из «камерной местной» истории постепенно вырос в популярное и авторитетное направление, говорит количество совместных работ с американскими исполнителями. На альбомах Ateyaba появляются Pusha T и Action Bronson; Lacrim сотрудничает с French Montana и «Migos»; Kaaris записывает композицию с Future. Группа «PNL» взобрались на самый пик музыкальной индустрии, выступив на музыкальном фестивале «Coachella», а MHD, придумавший собственный стиль «AfroTrap», приобрёл поклонников в лице Drake, Мадонны и футболистов из «ПСЖ».

 

 

 

Популярность французского рэпа — это настоящий феномен общества: сегодня молодёжь с ещё большим удовольствием прибегает к этому языку, играя словами, звуками и смысловым наполнением. Французский рэп — это одновременно возможность повлиять на социально-культурную обстановку, и двери на пути к известности.

 

 

Французский рэп

Создавайте мощные художественные композиции: 21 профессиональный совет

Сильные художественные композиции жизненно важны для успеха произведения искусства. Композиция произведения — это то, что привлекает внимание зрителя и удерживает его внимание, когда они приглядываются.

Художественная композиция способна полностью изменить настроение произведения искусства, превратив его от яркой энергии к торжественному созерцанию. Но как это происходит? Почему некоторые, казалось бы, красиво оформленные изображения не выдерживают критики, тогда как другие очаровывают зрителей?

Многие правила определяют, что делает композицию хорошей, например, Золотое сечение, Золотая спираль и Правило третей.Однако очень важно, чтобы мы не подходили к этим теориям как к нерушимым правилам, а как к предложениям или необязательным шаблонам.

В этой статье мы обсудим некоторые из этих методов, объясним, почему они успешны и как вы можете использовать эти знания для улучшения изображения.

Для начала все, что вам действительно нужно знать, это следующее: хорошая композиция — это не что иное, как приятное сочетание форм, цветов и тонов. На самом деле это достаточно просто. Скорее всего, большинство из вас сможет составить хорошую композицию с закрытыми глазами.

Щелкните значок в правом верхнем углу изображения, чтобы увеличить его.

01. Расскажите историю

Спросите себя: что это за история? [Изображение: Стив Эллис]

Будь то профессиональная записка или заметки для личного выступления, первым делом нужно подумать об истории. Какие элементы имеют решающее значение для рассказа истории, какие второстепенные, а какие добавляют третичной поддержки? Вот как вы выясняете иерархию элементов в своем произведении. Здесь противостояние между воином и драконом должно иметь первостепенное значение, но второстепенные элементы, такие как разрушенная деревянная платформа, должны поддерживать центральное повествование пьесы.

02. Создание взаимосвязей

Создание взаимосвязей заставляет зрителя сравнивать две формы, тем самым создавая движение [Изображение: Дэн дос Сантос]

Каким бы простым ни было это изображение, оно уже имеет ощущение движения и глубины. Как?

Через отношения. Причина несоответствия между формами дала зрителю средство, с помощью которого они могут сравнивать эти формы. «Этот больше, тот легче». Серый квадрат кажется движущимся и удаляющимся только по сравнению с черным квадратом.

Процесс сравнения этих форм требует, чтобы зритель неоднократно перемещал глаза по холсту, и в этом заключается истинная цель великолепной композиции: управление этим движением глаз.

03. Думайте в миниатюрах

Запуск с миниатюр может решить многие проблемы дизайна раньше времени [Изображение: Стив Эллис]

Начните с миниатюр, которые имеют то же соотношение размеров и ориентацию, что и ваше окончательное изображение. Если эскизы имеют неправильные размеры, вы в конечном итоге потеряете все свои остатки, и вам придется переделывать свой дизайн.На этом раннем этапе важно решить многие проблемы дизайна, прежде чем даже думать о конечном изображении. Тонкая балансировка элементов может привести к получению яркого изображения, в то время как небольшое смещение может изменить или изменить эффект создаваемого изображения.

04. Знать, что форма имеет значение

Форма и размер холста имеют решающее значение для композиции вашего произведения [Изображение: Стив Эллис]

Спланируйте внешнюю форму изображения. Это личная вещь, поэтому размер можно было установить.Работы по заказу не допускают такой роскоши, и художнику приходится реагировать на предоставленные размеры. Все на вашем изображении должно соответствовать размерам границы. Вот почему размер холста имеет решающее значение. Он создает обрамляющее устройство для изображения — форму, через которую будет смотреть зритель. Как только внешние размеры установлены, к дизайну можно подходить с нескольких разных сторон.

05. Развитие динамической симметрии

В отличных композициях используется геометрия. Вот пример того, как динамическая симметрия помогает поднять этот предмет на более глубокий композиционный уровень…

a) Штриховая графика

Нарисуйте линии, чтобы найти главную достопримечательность [Изображение: Стив Эллис]

Используя начальный набросок, нарисуйте линия от верхнего правого угла до нижнего левого угла.Затем из верхнего левого угла нарисуйте линию под прямым углом к ​​первой линии. Это основная достопримечательность, где вы нарисуете глаз дракона.

b) Определите края

Установите важные элементы платформы [Изображение: Стив Эллис]

Проведите прямую линию в начальной точке, чтобы обозначить линию глаз дракона. Затем разместите линию из правого нижнего угла под прямым углом к ​​исходной линии. Они помогают выделить важные элементы, такие как край платформы, бок орка и крыло дракона.

c) Проверьте размещение элементов

Посмотрите, где находятся символы в форме ромба [Изображение: Стив Эллис]

Затем повторите эти шаги, начиная с верхнего левого угла. Используя эти направляющие, найдите край платформы, левое крыло и руки воина. Это позволяет увидеть, что воин находится прямо в центре ромбовидной формы. Голова дракона, смещенная вправо, теперь находится в верхнем ромбе

06. Применение золотого сечения

Золотое сечение выражается в виде спирали [Изображение: mathsbyagirl.wordpress.com]

Иногда динамическая симметрия не подходит для произведения, и именно здесь золотое сечение наиболее полезно. Это греческое математическое уравнение выражается в виде спирали. Многие из самых известных произведений искусства используют это соотношение для определения размещения элементов и как естественный способ провести взгляд по изображению. Оно настолько укоренилось в нашей природе и человечестве, что мы часто используем это соотношение, даже не осознавая этого.

Они считали, что все вещи, как материальные, так и нематериальные, имеют совершенное состояние, которое их определяет.Они также считали, что нужно всегда стремиться к достижению этого идеального состояния, будь то в математике, телосложении, политике или эстетике.

Спираль создала гармонию между элементами [Изображение: Стив Эллис]

Греческие математики, неоднократно наблюдая схожие пропорции в природе и геометрии, разработали математическую формулу для того, что они считали идеальным прямоугольником: прямоугольник, стороны которого равны 1 : Соотношение 1,62.

Они чувствовали, что все предметы, пропорции которых отражали это, были более приятными, будь то здание, лицо или произведение искусства.По сей день книги и даже кредитные карты все еще соответствуют этому идеалу.

На изображении выше спираль использовалась для создания гармонии для интересующих элементов, таких как глаза волка, Морриган, дерево и вороны.

07. Канал Правило третей

Дюлак соблюдает Правило третей [Изображение: wikiart.org]

Это гласит, что если вы разделите любую композицию на трети по вертикали и горизонтали, то разместите ключевые элементы вашего изображения либо вдоль этих линий, либо на их стыках.У вас получится более приятная аранжировка. Но так ли это работает?

Давайте посмотрим на картину Эдмунда Дюлака «Русалочка: Принц спросил, кто она такая» (вверху). Дюлак умел использовать пустое пространство в своих интересах, отчасти потому, что он был склонен соблюдать Правило третей.

Линия третей использована идеально [Изображение: Дан дос Сантос]

Здесь Дюлак расположил колонну и линию горизонта точно по линии третей. Но что, если он этого не сделал?

Результат менее успешен, если столбец и горизонт в центральном положении [Изображение: Dan dos Santos]

Если столбец и линия горизонта находятся в центре изображения, результат менее успешен.Столбец доминирует над изображением, отвлекая внимание от фигур.

Взгляд зрителя теперь прикован к этой сильной форме, которая делит холст пополам, вместо того, чтобы блуждать по изображению, как это было изначально.

08. Узнайте, как работают правила.

Правило третей работает, потому что требует, чтобы художник сделал один элемент более доминирующим, чем другой. Это доминирование создает дисбаланс, и любой дисбаланс всегда будет привлекать внимание зрителя.

Идеальное разделение изображения пополам создает наименьший интерес, потому что все равно сбалансировано.

Если сделать одну часть вашей композиции более доминирующей, это создаст напряжение и, следовательно, добавит интереса. Это также заставляет ваши глаза больше перемещаться по холсту, чтобы сравнить все эти отношения.

Тот факт, что композиция разделена на точные трети, действительно имеет минимальное значение. Вы можете разделить композицию на четверти, пятые или даже десятые. Пока есть какой-то дисбаланс, композиция будет показывать напряжение. Как вы скоро увидите, эта концепция дисбаланса применима ко многим аспектам композиции, включая ценность и цвет.

09. Используйте подразумеваемые линии

Подразумеваемые линии направляют взгляд читателя [Изображение: Стив Эллис]

Это, вероятно, самый важный аспект композиции, потому что вы замечаете их в первую очередь. Когда рисуешь реалистично, вокруг предмета нет никаких линий.

Иллюзия контура — результат контрастирования различных значений и цветов. Но даже впечатление от линии остается сильным, и наши глаза будут смотреть на нее и следить за ее длиной, пока она не кончится или пока она не встретится с другой линией, за которой мы будем следовать снова.Великолепная композиция сильно использует это естественное влечение к линиям.

Размах или движения по фигуре привлекают взгляд с одной стороны композиции на другую. Использование четких линий прямого действия, встроенных в элементы изображения, может переместить взгляд в нужную вам точку. В неактивных предметах или в более спокойных областях боевых сцен используйте такие элементы, как струящаяся ткань, вьющийся дым или даже направленные мазки кисти в небо — все тонкие следы, по которым глаз может проследить к фокусной точке изображения.Здесь волны, щупальца и форма паруса направляют взор.

10. Усильте эти фокусные точки

Подразумеваемые линии могут также создавать фокусные точки [Изображение: Дан дос Сантос]

Помимо использования подразумеваемых линий для рисования взгляда по всей композиции, вы можете использовать тот же метод, чтобы кого-то немедленно посмотрите на выбранную вами точку фокусировки.

Фактически, вы можете делать это многократно, с разных сторон. Это особенно полезно, когда ваше изображение представляет собой портрет или пин-ап, а лицо персонажа является наиболее важным элементом.

Окружающие объекты должны указывать на вашего персонажа, чтобы привлечь внимание в [Изображение: Дан дос Сантос]

Чтобы привлечь больше внимания к определенному персонажу, попробуйте сделать так, чтобы окружающие объекты, такие как оружие, мечи и здания, указывали на ваш объект. . Вы также можете использовать подразумеваемые линии для кадрирования лица объекта, фиксируя взгляд зрителя на месте.

Сегодняшние максимальные цены на лучшие карандаши для набросков

11. Создавайте драму через точку зрения

Зритель должен быть во главе воина, чтобы создать драму [Изображение: Стив Эллис]

Для эмоционально эффективной работы Таким образом, зритель должен поместить себя в голову воина.Наш герой — а значит, и зритель — должен чувствовать себя подавленным и подавленным, но все же готов сражаться. Для этого злодей был помещен над серединой изображения. Угол обзора был немного изменен, чтобы зритель смутился. Таким образом, злодей буквально нависает над нами, как и мальчик.

12. Повсюду видны тройки.

Думайте в общих чертах: передний план, средний план и задний план. исключение.Создавая композиции, думайте в общих чертах о расположении переднего, среднего и заднего планов.

Чтобы усилить взаимосвязь между этими тремя уровнями глубины, попробуйте ограничить каждую из них диапазоном значений, отдавая предпочтение черному, белому или серому. Например, вы можете позволить фону преимущественно быть белыми тонами, среднему плану — преимущественно серым, а переднему — преимущественно черным.

Конечно, подойдет любое расположение этих трех значений. Ограничивая свои значения в этих областях, вы усиливаете ощущение глубины своего изображения и делаете силуэты очень легко читаемыми, а это важно.

Обратитесь к старым мастерам, чтобы увидеть схемы ценностей Triptich [Изображение: wikiart.org]

Неприятные ценности вредят способности зрителя различать формы, особенно в мелком масштабе. Вот почему вы так часто увидите эту технику в искусстве коллекционных карточек. Когда ваше изображение составляет всего несколько дюймов в высоту, высококонтрастные композиции работают особенно хорошо.

Подобные схемы ценностей триптиха хорошо видны в произведениях старых мастеров, особенно в гравюрах Гюстава Доре.

Все его картины показывают различные комбинации черного, белого и серого, чтобы подчеркнуть разницу между передним, средним и фоном.

13. Используйте силу треугольников

Ромбы привлекают внимание к лицам персонажей [Изображение: Стив Эллис]

Композиции часто основаны на сильных, простых формах. Здесь героям в этой пьесе нужно иметь индивидуальный момент для себя, но также и объединяться в команду. Поскольку треугольник — это сильная форма, команда была составлена ​​таким образом, чтобы его различные элементы приводили взгляд к голове паладина орка (зеленый треугольник).А поскольку фон также представляет собой направленный вниз треугольник (синий треугольник), он создает ромбовидную форму, на которой приблизительно расположены головы основных фигур. Все это призвано привлечь внимание читателя к выражениям лиц персонажей.

14. Будьте умны с цветом

Контрастируйте темные и яркие цвета [Изображение: Стив Эллис]

Цвет — удивительный инструмент для композиции. В пьесе, где я хочу сильно ударить по чему-то, я использую много контрастного значения цвета, а также дополнительный цвет.Яркий теплый цвет посреди прохладного поля действительно может выделяться из сцены и привлекать внимание зрителя. Здесь слово «Циклон» темно-красного цвета, что контрастирует с синим цветом воды, в то время как глаза змеи ярко-желтые на фоне темно-бирюзового неба. Мальчик был выделен желтым цветом и более светлым оттенком кожи, чтобы приблизить его к знаку и воде.

Осторожно используйте черное и белое, чтобы сфокусировать взгляд [Изображение: Дан дос Сантос]

Черное и белое по своей сути являются мощными тонами.Если вы используете их экономно и рядом друг с другом, вы с легкостью сможете привлечь внимание зрителя к определенному месту.

При рисовании старайтесь использовать чистейшие белые и черные цвета для вашей фокусировки. Например, если у вашего главного героя очень бледная кожа, попробуйте поместить на него что-нибудь очень темное, например, черные волосы или черную одежду.

Это один из самых простых и наиболее успешных способов сделать ваш объект популярным. На изображении выше, Blood Divided, героиня сидит отдельно от фона.

15. Учитывайте свой ракурс

Наклоните камеру под углом, чтобы добавить волнения [Изображение: Дэн дос Сантос]

Дисбаланс может создать более захватывающий поток в вашей композиции, но он также может добавить драматизма. В следующий раз, когда ваша картина окажется недостаточно захватывающей, попробуйте повернуть камеру под углом.

Даже малейший наклон к линии горизонта может превратить обыденную сцену в классный боевик. Поэкспериментируйте с психологическими впечатлениями, которые создают разные ракурсы.

Прямо, этой картине не хватает настоящего волнения.Кирпичи, дождь и волосы — все это создает простые вертикальные линии и не сильно улучшает драматизм произведения. Наклон изображения придает ему совершенно новое ощущение.

Чувство веса меняет динамику между персонажами [Изображение: Дэн дос Сантос]

Внезапно кажется, что женщину толкают к стене. В их позах также больше ощущения веса.

16. Оцените силуэт.

Убедитесь, что силуэт интересный. [Изображение: Стив Эллис]

Планируя картину, подумайте о том, как изображение будет выглядеть как силуэт.Композиционно силуэт — это внешний край основных форм предметов или фигур переднего плана. Если он работает как композиция в черно-белом цвете, то есть большая вероятность, что композиция будет хорошо работать в цвете, если вы не слишком сильно возитесь со значениями цвета. Также убедитесь, что силуэт интересный, а фоновые элементы не конкурируют с ним.

17. Меняйте симметрию или асимметрию

Смешивание элементов делает вещи захватывающими [Изображение: Стив Эллис]

Симметрия отлично подходит для телеграфирования порядка и спокойствия, но может быть довольно неинтересной.Иногда, как в случае с этим портретом, подумайте о двусторонней симметрии, но немного измените элементы, чтобы картина оставалась активной: например, выражение глаз и расположение, форма и размер различных щупалец. Также сбалансируйте элементы фона, не повторяя их, чтобы они сохраняли ощущение энергии.

18. Играйте масштабно и жирно

Используйте простые формы для создания интересных объектов [Изображение: Стив Эллис]

Иногда бывает выгодно проявлять откровенность в элементах дизайна.Достаточно взглянуть на любую обложку Нормана Роквелла «Субботняя вечерняя почта». Я часто использую гигантский круг на одной из моих точек интереса в произведении, создавая ореол вокруг главного героя или действия. Это привлекает внимание зрителя ко всему, что выходит за пределы этого круга. Этот подход также работает с другими простыми формами, такими как ромб или треугольник.

19. Думайте заранее о конечном продукте

У разных видов искусства разные композиционные потребности [Изображение: Стив Эллис]

Важно подумать о последнем доме искусства.Это будет игровая карта или обложка книги, или она будет висеть на стене? У искусства галереи другие композиционные потребности, чем у карточного изображения или обложки комиксов размером 6×9 дюймов. Хотя сильная композиция будет работать на многих уровнях, интенсивность деталей, необходимая для более крупного воспроизведения, может не потребоваться для крошечной карты. Композиции простой формы могут быть самыми сильными для небольших предметов, но могут показаться слишком простыми при увеличении.

20. Оставайтесь свободными

Делайте некоторые неструктурированные наброски, чтобы сохранять свежесть [Изображение: Стив Эллис]

Хотя такие советы могут помочь создать сильные изображения, если они когда-либо станут ограничивающими, отбросьте правила и сделайте некоторые неструктурированные наброски.Используйте более крупные, свободные и смелые штрихи и формы, а затем вернитесь к этим советам. В конце концов, вы никогда не захотите потерять спонтанность изображения, иначе оно потеряет свое удовольствие. Если художнику не нравится рисовать, то и зрителю это не доставит удовольствия.

21. Сложите все вместе

Хорошая композиция — это такая композиция, в которой художник управляет движением глаза зрителя, добиваясь благоприятного результата.

Укрепите фокусные точки с помощью Правила третей [Изображение: Дан дос Сантос]

Мы можем сделать это несколькими способами, такими как усиление координационной точки с помощью Правила третей, подразумеваемых линий, контраста значений и выборочного насыщенность цвета.

Дуэль Жана-Леона Жерома после бала-маскарада — прекрасный пример использования всех композиционных приемов. — прекрасный пример использования всех композиционных приемов в ваших интересах.

Этот контент изначально появился в ImagineFX ; подписаться здесь .

Подробнее:

9 советов по композиции для художников | Брэд Блэкман Fine Art

Недавно я писал об использовании фреймворков / шаблонов для ведения блогов.Теперь я думаю о композиционных методах, которые помогут вам воплотить в жизнь ваши художественные идеи.

Многие из них довольно распространены и хорошо известны, но я подумал, что было бы полезно собрать их в одном месте. Дайте мне знать, если что-то натолкнет на пару идей. Это не должно быть исчерпывающим. Это всего лишь начало.

Я начну с простого, а по мере продвижения буду усложнять.

1. Очевидный фокус

Прежде всего, ваша композиция должна иметь очевидный фокус.На что мы должны смотреть? Использование линии горизонта или перспективы — отличный способ добиться этого, потому что они устанавливают контекст даже в абстрактной части. Наши глаза естественно тяготеют к горизонту.

Пример: «Солнце и снег», холст, акрил. 10 х 10 дюймов.

2. Фигура / фон (доминанта / субдоминанта)

Это вроде очевидно, но вам нужно что-то на переднем плане и что-то на заднем плане. Это довольно просто, но вы хотите, чтобы люди знали, что спереди, а что сзади, даже если то, что вы делаете, плоское.Другой способ взглянуть на это: что является доминирующим или подчиненным? У вас может быть доминирующее поле с небольшим элементом, который сразу привлекает к себе внимание, если его разместить в нужном месте.

Пример: Битва при Хоте, холст, акрил. 14 х 11 дюймов.

3. Разделите его пополам

Прежде чем вы считаете это скучным или статичным, вы можете довольно динамично расположить вещи таким образом, если сделаете это правильно. Я думаю о серии «Посвящение квадрату» Йозефа Альберса.Есть концентрические квадраты, расположенные на квадрате, взвешенные сверху или снизу, но центрированные на холсте из стороны в сторону. Вещи, расположенные аккуратными рядами, обладают определенной элегантностью. Создает ритм.

4. Мыслить горизонтально / мыслить вертикально

Принятие крайности само по себе создает интересную композицию. Что-то, что явно очень вертикально или горизонтально, вызывает большой интерес, просто находясь там. Подчеркните это или опровергните, чтобы сделать его еще более интересным.

Пример: Пилот бури, не оставляющий следов, холст, акрил

5. Правило третей

Это хорошо известно большинству дизайнеров, фотографов и художников. Что вы делаете, вы делите свое поле на равные трети по горизонтали и вертикали, так что вы получаете сетку из девяти равных прямоугольников или квадратов в той же пропорции, что и весь кадр / поле. Затем просто выровняйте элементы вдоль сетки, особенно вдоль пересечений линий сетки.Помните, что существует разница между асимметричным балансом и почти, но не совсем центрированным, так что это выглядит как ошибка.

Пример: Первый свет, холст, акрил. 8 х 8 дюймов. (ПРОДАНО)

6. Золотое сечение

Это более продвинуто и в чем-то похоже на правило третей, но становится более сложным, потому что вы можете расположить элементы вдоль линий разделения и кривых, иногда и того, и другого, если хотите. Это очень распространено в искусстве и архитектуре эпохи Возрождения.Вы можете начать с золотого прямоугольника для всего кадра или применить пропорции к композиции с помощью этого каркаса.

Пример: Надежда, холст, акрил. 30 х 24 дюйма.

(Посмотрите, как я использовал Золотое сечение в этой картине.)

7. Нечетное количество элементов

Даже количество вещей в спешке приедается и кажется статичным, если только вы не создадите разнообразия в том, как они расположены. Нечетные числа вещей по своей природе более динамичны.Думайте «три» и «пять». Интересно, что здесь также начинается «сакральная» геометрия, особенно в том, что касается золотого сечения (два, три, пять, восемь…)

Пример: Три подводные лодки, холст, акрил. 12 х 12 дюймов. Рисовал вместе с сыном, когда ему было четыре года.

8. Избегайте касательных

Когда края едва касаются или целуются, это создает слабое место в вашей композиции. Зрители не понимают, что впереди, а что перекрывает.Я избегаю этого, сохраняя свои композиции относительно простыми. Я не использую столько перекрывающихся элементов. (По теме: не кладите острые предметы вокруг глаз людей в своем творчестве, если только вы не пытаетесь заставить их чувствовать себя неудобно.)

Пример: Развязка Мелроуз, холст, масло. 18 х 24.

9. Нарушайте все правила!

Как только вы поймете, как все это сделать правильно, вы сможете нарушить правила и уйти от ответственности. Конечно, часто, когда вы делаете это, вы получаете что-то вроде узора или текстуры, или что-то настолько несвязное, что неровности становятся регулярными.Подумайте о Джексоне Поллоке, Ките Харинге или Иерониме Босхе. У всех трех художников так много всего происходит в своем искусстве, что они как бы бросают вызов принципам композиции, но их искусство всего работ .

Пример: Все соединено, холст, акрил. 8 х 8 дюймов.

Вдохновляет ли это вас на создание чего-то нового? Сообщите мне, если это произойдет! Я был бы счастлив увидеть это.

Вот 9 простых шагов для создания лучших композиций

Автор: Dan in Art Tutorials> Советы по рисованию

Великие композиции не появляются случайно.Они требуют планирования, терпения и знания всех визуальных элементов, имеющихся в вашем распоряжении. Самое замечательное в том, что независимо от того, насколько у вас есть талант, вы всегда сможете улучшить свое искусство, набросав хорошую композицию перед тем, как начать.

Быстрое объявление — EmptyEasel создал более быстрый и простой способ для художников иметь свой собственный сайт об искусстве. Щелкните здесь, чтобы узнать больше и получить собственный простой художественный веб-сайт!

Имея это в виду, вот 9 шагов для улучшения композиции:

1.Выберите хороший предмет

Это может быть и понятно, но у вас не может быть отличной композиции без чего-то хорошего! Очевидно, ваша композиция во многом зависит от того, что вы на самом деле рисуете или рисуете, поэтому выберите что-нибудь интересное (по крайней мере, визуально) и всегда убедитесь, что в одном направлении есть хороший источник света, чтобы придать объекту сильный свет и тень. Мне нравится рисовать вещи с большим количеством цветов, текстур, острых углов и т. Д., Так как это увеличивает интерес зрителя.

2. Выберите нужный размер

Какого размера вы хотите изобразить объект? Масштаб искусства может полностью изменить его восприятие, поэтому важно иметь цель сделать объект больше или меньше, чем жизнь.

Например, картина большого диаметра 6 футов, увеличивающая объект, как пенни, будет иметь гораздо большее значение и значение, чем картина обычного размера в пенни. Увеличивая объекты, вы увеличиваете важность; уменьшение размера обычно снижает важность.Если вы не знаете, какого размера сделать, просто сделайте это как можно ближе к натуральному размеру.

3. Создайте свой собственный урожай

Часто самые сильные линии в произведении искусства — это четыре, которые большинство художников даже не думают контролировать. Края вашего холста или бумаги несут ответственность за содержание и форму вашего окончательного произведения искусства. Зачем довольствоваться рисованием внутри чужих линий? Сделать свой собственный! Если вы планируете нарисовать небоскреб, обрежьте бумагу по высоте и ширине, необходимой для вашего объекта.Рисовать пейзаж? Почему бы не сделать холст шире, чтобы получить панорамный вид? Это можно использовать для улучшения практически любого произведения искусства, поэтому обязательно подумайте об этом, прежде чем использовать стандартный холст или бумагу.

4. Подумайте о размещении

То, как вы размещаете формы на двумерной поверхности, придает детали значимость, значение и баланс. Центрирование вашего объекта по вертикали, горизонтали или по обоим направлениям всегда будет обеспечивать большую стабильность вашей работы, но также может показаться немного скучным или типичным.

Обрезка части объекта по бокам, сверху или снизу обычно добавляет визуального интереса, так как один объект заполняет все пространство. Следите за объектами, которые едва касаются краев, или за объектами, которые едва касаются границ вашего произведения искусства. Этот тип размещения неудобен, и его следует избегать.

5. Управляйте своими линиями

Любой выбранный вами объект будет иметь как минимум контур, а также другие линии, чтобы придать ему глубину, текстуру и детализацию.Наши глаза естественным образом следуют линиям, поэтому используйте это в своих интересах, чтобы уловить взгляд зрителя. Пусть ваши линии переходят к центру вашей работы или к тем местам, на которые вы хотите, чтобы зритель смотрел. Угловые или изогнутые линии обычно добавляют больше визуального интереса и движения, но слишком много может быть хаотичным. Горизонтали и вертикали придают силу, солидность и эффектность, но могут быть скучными.

Не позволяйте линиям разделять ваше искусство ровно пополам; как с линией горизонта, проходящей через середину, или вертикально с деревом.Это вытянет зрителя из созданного вами пространства и отвлечет от изображения.

6. ​​Сбалансируйте положительное и отрицательное пространство

Позитивное пространство — это любой объект или форма, которые выделяются на фоне и воспринимаются глазом как «что-то». Негативное пространство — это фон или пространство вокруг предметов. Обычно рекомендуется оставлять примерно равное количество положительного и отрицательного пространства, чтобы работа казалась более сбалансированной. Если у вас недостаточно отрицательного пространства, ваше искусство может казаться загруженным и переполненным, но слишком много отрицательного пространства может сделать работу пустой и подавленной.

С другой стороны, вашей целью может быть загруженная, переполненная картина, и использование большого количества негативного пространства часто хорошо помогает сосредоточить внимание на позитивном пространстве, которое там есть. Вы сами выбираете, каким должно быть ваше искусство, поэтому выберите баланс, соответствующий вашему предмету и стилю.

7. Добавить контраст

Изобразительное искусство должно иметь полный диапазон значений от темного до светлого. Без ярких светов и темных теней изображение часто будет серым или размытым и будет менее интересным.Более темные области в преимущественно светлом разделе будут выделяться и привлекать внимание, и то же самое верно для обратного. Используйте это, чтобы сосредоточить внимание, но остерегайтесь непреднамеренных действий. Убедитесь, что вы не акцентируете внимание на углу или краю картины, если ваш фокус должен быть в центре.

8. Упростите отвлекающие элементы

Слишком много форм, линий или цветов может отвлекать или сбивать с толку зрителей. Если вы хотите, чтобы зритель постоянно обращал внимание на одну часть картины или возвращался к ней, упростите остальную часть.Решите, на чем должен быть фокус, и, если ВАШ глаз отвлекается, измените его! Еще один способ упростить ваше искусство — приблизиться к одному объекту. Отсутствие периферийных устройств и увеличение изображения до тех пор, пока весь кадр не будет заполнен только одним предметом, всегда привлекает внимание туда, куда вы хотите. Конечно, это резко изменит ваш положительный / отрицательный баланс.

9. Выбирайте цвета сознательно

Смелый цвет привлечет внимание, поэтому используйте их целенаправленно там, где хотите, чтобы люди смотрели.Также будет выделяться любой цвет, который совсем один в окружении другого цвета. Как и в случае с контрастом, это может произойти непреднамеренно, поэтому проверьте его в своей композиции.

Также имейте в виду, что теплые цвета (желтый, оранжевый и красный) заставят объекты казаться ближе к зрителю, поэтому используйте их для создания глубины и пространства. Холодные цвета (синий, фиолетовый и немного зеленого) заставят объекты удаляться вдаль. Когда объект на «обратной стороне» вашей картины слишком теплый, он отвлекает от общей композиции и привлекает внимание туда, где вам это не нужно.

Наконец, я убежденный поклонник набросков в начале каждого творческого процесса, поэтому я всегда рекомендую рисовать разные композиции, пока вы не почувствуете, что исчерпали все возможности. Если наброски не ваше дело, вы, , можете сделать несколько фотографий, а затем изменить их в цифровом виде, чтобы найти лучшую композицию для вашего объекта.

Что бы вы ни делали, не прыгайте в то, на что вы очень надеетесь, не выполнив каждый из вышеперечисленных шагов. Я гарантирую, что если вы будете следовать приведенным выше рекомендациям, вы будете поражены разницей между вашей окончательной композицией и тем, чем на самом деле была ваша первоначальная идея.

ПОЛУЧИТЬ ЛИСТНИК В СВОЕМ ЯЩИКЕ

Мы будем отправлять вам статьи и учебные пособия сразу после их публикации, чтобы вы не пропустили ни одной публикации! Отпишитесь здесь в любое время.

ПРИМЕЧАНИЕ. Вас также может заинтересовать пошаговое руководство по рисованию от EE для художников. Нажмите ниже, чтобы узнать больше!

Этот пост может содержать партнерские ссылки.

12 необычных и интересных приемов композиции в фотографии

12.Создание урожая без правил

Хорошая фотография не обязательно должна включать весь объект. Отрежьте головы. Удалите конечности. Включите только половину целого.

Чтобы использовать эту технику эффективно, сосредоточьтесь на том, что важно. Эта фотография этого парня говорит целую историю, даже не показывая его. Вы можете представить его день с друзьями. Поездка на велосипеде в красивое место, вечер у костра и ужин.

Изображение содержит все элементы, необходимые для построения истории.Можно даже представить самого парня, но отрезание головы придает образу загадочности. Кроме того, это делает акцент на истории, а не только на композиции.

11. Расставьте элементы для нестандартного кадра

Забудьте о правиле третей, ведущих линиях и всех других правилах. Работайте над созданием хорошей композиции, основанной на том, что, по вашему мнению, выглядит лучше всего. Не торопитесь делать креативные фотографии.

Посмотрите на линии и формы. Принесите баланс в свою фотографию, расположив камеру.Даже небольшое изменение точки зрения может изменить вашу композицию. Присядьте, двигайтесь влево или вправо. Поднимите камеру немного выше.

На этой фотографии женщины, читающей газету в храме, я стоял. Этот угол позволил мне хорошо расположить все элементы. Мое время тоже было значительным. Когда она смотрела в газету, на фотографии не было потока.

Автор фотографии: Кевин Ландвер-Йохан

10. Посмотрите выше

Если приблизиться к объекту и посмотреть на него, получится драматическая композиция.Чем ближе вы находитесь, тем драматичнее это может показаться.

Легко отойти и увидеть что-то в целом. Эта перспектива часто бывает не самой творческой. Подойдите ближе к высокому объекту, чтобы он возвышался над вами, чтобы получить необычную и интригующую перспективу.

Этот совет по композиции фотографий также поможет вам избавиться от отвлекающего фона.

Например, съемка здания с такого близкого расстояния создает плотную композицию. Рядом с ним усиливается ощущение маленького размера.

Кроме того, при съемке с такого близкого расстояния искажение перспективы будет на вашей стороне. Это делает композицию драматичной и помогает сосредоточиться только на здании, а не на его окружении.

9. Взгляните с высоты птичьего полета

Вы можете смотреть с высоты птичьего полета на объект съемки. Расположите камеру над фотографируемым объектом и параллельно ему.

Необязательно находиться прямо над объектом. Но это часто оказывает большее влияние, чем если бы ваша камера была выключена под углом.Мы не так смотрим на вещи каждый день.

Лучший инструмент для достижения этой точки зрения — дрон. На нем можно высоко летать, показывать сцены, такого еще никто не видел. Но вы также можете показать предметы ближе к земле.

Добавление этой техники композиции помогает создать разнообразие.

8. Сделайте тень своим предметом

Фотография, на которой вы включаете тень в качестве основного объекта, часто бывает интересной. Ищите формы, создающие эффектные тени.Скомпонуйте их так, чтобы тень была вашим основным фокусом.

Велосипедное колесо и его тень, без остальной части велосипеда, создают уникальную картину.

Мне не нужно было включать весь мой предмет. Понятно, что это байк. Добавление тени создает баланс с двумя эллиптическими формами.

Фото: Кевин Ландвер-Йохан

7. Взгляд сквозь передний план

Итак, у вас есть одна основная тема. Попробуйте посмотреть на него через что-нибудь на переднем плане.

Сделав портрет и используя этот совет по композиции, вы можете использовать дерево, забор или решетку. Вы можете использовать все, что угодно, если вы все еще можете видеть достаточно вашего объекта.

Будьте достаточно близко к переднему плану и используйте широкую диафрагму. Вы хотите, чтобы все, что находится на переднем плане, было не в фокусе. Если он слишком сфокусирован, это будет больше отвлекать, чем улучшать.

Не важно, чтобы ваш передний план был узнаваемым в вашей композиции, чтобы она работала хорошо.Иногда чем более размыто изображение, тем лучше.

На этой фотографии тайской женщины в традиционном костюме я использовал листья на дереве в качестве переднего плана.

Автор фото: Кевин Ландвер-Йохан

Это отличается от более классического правила композиции кадра в кадре.

6. Наклоните камеру

Не всегда нужно держать камеру горизонтально или вертикально. Отбросьте горизонт, держа камеру под углом.

Вы можете использовать эту технику, чтобы исключить отвлекающие элементы на заднем плане.Если держать камеру обычным способом, это может отвлекать вас. Вместо этого наклоните его.

Чем более выражен угол, тем меньше будет выглядеть плохая композиция.

Найдя прямую диагональную линию в композиции, вы можете использовать ее как край кадра. Это дает более творческую фотографию. И зритель будет знать, что угол вашей камеры выбран намеренно.

5. Спускайся на землю

Взгляд на мир глазами червя дает интересные композиции.Не многие люди лежат на земле и смотрят на вещи. Если у вас не получится сочинять, вы предоставите более уникальную перспективу вашего предмета.

И вы можете максимально использовать обширный передний план. Это привлечет внимание зрителя к главному объекту. Перспектива покажется преувеличенной. Особенно, если вы используете широкоугольный объектив.

Вы можете сделать повседневную сцену уникальной, просто показывая ее под новым углом.

4. Используйте повторение для создания более креативных фотографий

Когда у вас есть несколько одинаковых предметов, используйте их все в своей композиции.

Возможно, вам будет лучше спрятаться друг за другом. Не зацикливайтесь на мысли, что вам нужно показать все, чтобы создать творческую композицию.

Если не включать весь объект, ваша фотография будет более интригующей. Вы можете создавать вопросы в уме зрителя, если весь ваш объект не виден.

Таким образом вы можете улучшить рисунки, появляющиеся в повседневных сценах. Они могут быть видны только на мгновение, но их съемка сохраняет небольшую часть регулярности.

3. Подчеркните передний план вашего пейзажа

Сфокусируйте часть композиции на переднем плане при съемке пейзажа. Большинство людей стремятся включить как можно больше пейзажной сцены. Часто вы можете сделать более креативную фотографию, добавив меньше, а не больше.

Ищите что-то, что будет неотъемлемой частью вашего ландшафта. Подойдите к нему поближе и включите его в качестве основной части вашей композиции.

Сельские пейзажи часто бывают широкими и пустыми.Часто довольно скучно.

2. Используйте детали, чтобы привлечь внимание к предмету

Составьте, используя минимальные элементы или небольшие части элементов. Показывая только небольшую часть чего-либо, вы можете пробудить любопытство к своей фотографии.

Не всегда показывать слона целиком или всю модель. Этот метод лучше всего использовать, когда вы работаете над серией фотографий одного и того же объекта. Используйте его, чтобы выделить интересные детали вашего предмета.

Вы можете стать очень абстрактным с этой идеей композиции фотографии.Подумайте нестандартно, чтобы включить или исключить части вашего объекта. Это вы, вы создаете сильную композицию.

1. Попробуйте частично скрытые портреты

Непоказание лица объекта портрета полностью менее абстрактно. Избирательность в том, что вы показываете и в каком объеме, дает более творческий портрет.

Скрывая часть объекта, вы можете создать ощущение таинственности.

Попробуйте это, когда вы фотографируете кого-то со шрамом или другим уродством.Замаскируйте его с помощью этой техники.

Это также может работать, когда у вашей модели глаза очень разной формы. Скрытие одного из них часто может сделать портрет более привлекательным.

Автор фото: Кевин Ландвер-Йохан

Бонусный совет: создавайте свои собственные правила композиции

Не нужно придерживаться каких-либо правил фотографии. Поэкспериментируйте и узнайте, что работает для вас. Нарушать правила. Сделать свой собственный.

Будьте готовы создать довольно странно выглядящие фотографии. Знайте, что во многих случаях ваши идеи композиции фотографии не будут работать.При хорошем цифровом рабочем процессе, когда вы просматриваете свои изображения и сравниваете их, это поможет вам учиться.

По мере того, как вы исследуете различные способы компоновки фотографий, вы начнете получать удовольствие от использования определенных техник. Придерживайтесь этого. Когда вы определите те, которые вы использовали, и полюбите результаты, используйте их больше.

Это может помочь вам разработать свой собственный стиль, особенно если вы часто фотографируете объекты одного и того же типа.

Если только вы не фотографируете объект постоянно, убедитесь, что у вас есть «безопасные» снимки.Сделайте несколько фотографий, используя более традиционные техники композиции.
Это особенно важно, когда вы фотографируете для задания или клиента.

Заключение

Изучите работы мастеров-фотографов и художников. Найдите художников, чьи работы вам нравятся, особенно если они немного абстрактны. Подумайте, как они сочинили некоторые из своих наиболее необычных произведений. Спросите себя, что вам нравится в композициях.

Много раз вы сможете увидеть закономерности в том, как фотографы создают свои изображения.

Создайте свой собственный набор композиционных идей и приемов. Оставьте те, с которых получаются самые интересные фотографии. Используйте их часто, и вы увидите, как ваша фотография растет.

3 простых способа создания интересных композиций

Возможно, вы знаете, что я не люблю слишком разбираться в живописи и рисовании. Для меня это в первую очередь раскрытие и развитие себя через искусство, чтобы то, что вы приносили в мир, было истинным выражением вас самих.

Однако без некоторого уровня понимания основ гораздо труднее создавать картины, которые «работают». Личное удовлетворение и удовлетворение имеют первостепенное значение, но отчасти это происходит от создания искусства, которое «имеет смысл» как для левого, так и для правого полушария.

Вообще говоря, я думаю, что большую часть времени мы знаем из теории инстинктивно. Я считаю, что все мы знаем, что хорошо и уравновешено, а что нет, даже если мы не можем или не можем выразить это словами. И когда мы рисуем, мы автоматически затрагиваем ту часть себя, которая естественным образом склоняется к этому балансу.

Однако инстинкт может не научить нас всему, и заполнение пробелов в наших знаниях и понимании теоретической стороны вещей все еще может показаться довольно сложной задачей. {Или, может быть, это только я ?!} Но вы все равно можете получить хорошее основание в основах, не вызывая стресса и как будто вы «никогда не поймете этого» или не будете знать, как это использовать.

Имея это в виду, сегодня я собираюсь рассмотреть три способа создания интересных композиций. Легко понять и внедрить, ученая степень не требуется! {К счастью, у меня его нет.}

Есть довольно много способов создать приятную и сбалансированную композицию, поэтому я выбрал только три из моих любимых, чтобы поделиться с вами сегодня.

пласт

В простом смысле слова «слои», этот тип композиции хорошо подходит как для стилизованных, так и для единообразных узоров, а также для более смешанного и выразительного подхода, как вы можете видеть ниже в моей картине «Побег». Он также может действовать на более метафорическом уровне, например, давая представление о слоях смысла или многоуровневой природе человеческой психологии.

Полное раскрытие: на самом деле я узнал о слоях как об особой композиции после создания этой картины , что подтверждает мою точку зрения о наших естественных тенденциях к созданию гармонии в нашей работе.

Побег

Вот картина Эмиля Нольде (Болото с фермой), демонстрирующая композицию слоев:

«Океанский парк № 117» Ричарда Дибенкорна использует слои гораздо более определенным образом:

s или z-образная форма, или туннель

Этот очень эффективный и забавный в использовании! Как следует из названия, он требует создания прямого пути, изогнутого или жесткого зигзага, который уводит взгляд вдаль, создавая впечатление глубины.Он отлично подходит для пейзажей, но не ограничивается ими.

Вот моя картина «Река», которая демонстрирует эту композицию в действии. Вы можете видеть, что я сделал шаг или два за границу пейзажа, чтобы «абстрагировать» его.

Река

«Крик» Эдварда Мунка показывает и туннель, и форму буквы s, и даже немного слоев, если вы спросите меня. 🙂

Вот картина Карла Шмидт-Ротлуффа «Дангастский пейзаж», демонстрирующая композицию туннеля (по сути, треугольник, который указывает вдаль — вы можете немного повеселиться, поиграв с размещением, размером и углом):

правило третей

Проще говоря, мысленно (или буквально, если это помогает) разделить холст на девять равных частей и поместить точку фокуса там, где линии пересекаются друг с другом, и получится изображение, соответствующее правилу третей.Тот факт, что это называется «правилом», не должен вас смущать — это скорее руководство, чем строгое правило, и с ним определенно можно поиграть.

Вообще говоря, это будет означать, что ваша точка фокусировки смещена по центру, и глаз сочтет это гармоничным, так что это простой способ создать картину без особых усилий.

В моей картине «Дайвер» примерно используется правило третей, и, опять же, я не задумывался об этом сознательно, прежде чем приступить к работе! Если вы наложите воображаемую сетку на картину, мальчик выровняется примерно с верхней горизонтальной линией, а его тень также примерно с правой вертикалью.

Дайвер

{Там, как правило, некоторый спор относительно того, является ли правило третей это то же самое, как золотое сечение, но в интересах сохранения простоты и фокусировках на «весело и легко» над «противоречивым и потенциальным минным полем», мы» сегодня буду придерживаться одного!}

Другой пример картины, использующей правило третей, — это «Сеятель» Ван Гога: фигура сидит там, где пересекаются верхняя горизонтальная и правая вертикальные линии, а стебли пшеницы проходят вдоль верхней горизонтали.У нас также есть часть туннеля в действии, треугольная дорожка которого направлена ​​вверх к горизонту.

А вот и «Лето, маковое поле» Моне. Обратите внимание, как дерево сидит там, где должна быть левая вертикаль. {Здесь также можно использовать композицию туннеля с тропинками цветов, уходящими вдаль.}

У тебя есть любимая композиция? Взгляните на свои прошлые работы и посмотрите, какую композицию вы используете чаще всего, даже если вы не всегда об этом знаете!

В Abstractify мы немного углубимся в эти основы, чтобы получить действительно хорошее основание, на котором каждый из нас может создавать свое уникальное искусство. Щелкните изображение слева для получения всех подробностей. Курс проходит в январе / феврале, так что, если это не сейчас, вы можете подписаться, чтобы получить уведомление, когда он откроется в следующий раз!

20 методов композиции, которые улучшат ваши фотографии

Когда дело доходит до компоновки фотографий, не существует незыблемых правил. В конце концов, кому нравятся правила, кроме вашего старого школьного директора или руководителей H.R. кафедры? Однако есть несколько рекомендаций, которые помогут улучшить композицию фотографий.

В этом руководстве я перечислил 20 из этих рекомендаций вместе с примерами каждого из них. Я начал с самых простых и закончил некоторыми более продвинутыми техниками композиции.

Прежде всего, мы должны определить, что подразумевается под «составом». Композиция относится к способу расположения различных элементов сцены в кадре. Как я уже упоминал, это не жесткие правила, а рекомендации.Тем не менее, многие из них использовались в искусстве на протяжении тысячелетий, и они действительно помогают создавать более привлекательные композиции. Я обнаружил, что обычно один или несколько из этих указаний у меня в голове, когда я готовлю выстрел.

Мы начнем с, вероятно, самой известной техники композиции: правила третей.

№1. Правило третей

Итак, я только что сказал вам, что не существует жестких правил, когда дело доходит до композиции, и первое, о чем я пишу, — это «правило третей».В свое оправдание я не придумал название. Правило третей очень простое. Вы разделите рамку на 9 равных прямоугольников, 3 поперек и 3 вниз, как показано ниже. Многие производители камер фактически включили возможность отображения этой сетки в режиме просмотра в реальном времени. Обратитесь к руководству по эксплуатации камеры, чтобы узнать, как включить эту функцию.

Идея состоит в том, чтобы разместить важные элементы сцены вдоль одной или нескольких линий или там, где линии пересекаются. У нас есть естественная тенденция ставить главный предмет посередине.Размещение его не по центру с использованием правила третей чаще всего приводит к более привлекательной композиции.

На этой фотографии я разместил горизонт примерно вдоль нижней трети кадра, а самые большие и ближайшие деревья — вдоль линии справа. Фотография не имела бы такого эффекта, если бы большие деревья были помещены в центр кадра.

На этой фотографии Староместской площади в Праге я разместил горизонт вдоль верхней трети кадра.Большинство зданий расположено в средней трети, а сама площадь занимает нижнюю треть кадра. Шпили церкви расположены у горизонтальной линии справа от рамы.

№2. Центрированная композиция и симметрия

Теперь, когда я сказал вам не помещать главный объект в центр кадра, я скажу вам сделать прямо противоположное! Бывают случаи, когда размещение объекта в центре кадра срабатывает очень хорошо. Симметричные сцены идеально подходят для центрированной композиции.Они отлично смотрятся и в квадратной оправе.

Эта фотография моста Хапенни в моем родном Дублине была идеальным кандидатом для центрированной композиции. Архитектура и дороги часто становятся отличными предметами для центрированных композиций.

Сцены, содержащие отражения, также являются прекрасной возможностью использовать симметрию в вашей композиции. На этой фотографии я фактически использовал сочетание правила третей и симметрии для создания сцены. Дерево расположено не по центру справа от кадра, но идеально спокойная вода озера обеспечивает симметрию.Часто вы можете объединить несколько рекомендаций по композиции в одной фотографии.

№ 3. Интерес на переднем плане и глубина

Включение в сцену интереса переднего плана — отличный способ добавить сцене ощущение глубины. Фотографии по своей природе двухмерны. Включение интереса переднего плана в кадр — это один из способов придать сцене более трехмерное ощущение.

На этой фотографии водопада в Нидерландах камни в реке представляют собой прекрасный источник интереса на переднем плане.Добавление интереса к переднему плану особенно хорошо работает с широкоугольными объективами.

Я сделал эту фотографию в Дублинском Доклендсе. В этом кадре на переднем плане были пристегнуты утки вдоль набережной. Думаю, это придает композиции ощущение глубины. Когда я сделал этот снимок, док-станция в этой сцене находилась всего в нескольких метрах от меня. Включение его в кадр создает ощущение глубины сцены за счет включения элемента, к которому я был довольно близко, а также моста, зданий на расстоянии и всего, что между ними.

Мой друг, который был со мной в тот вечер, споткнулся об одну из планок и чуть не увидел реку Лиффи с близкого расстояния. Думаю, это один из способов добавить глубины сцене.

№ 4. Кадр в кадре

Обрамление сцены с аркой — Фотографическая композиция

Включение «кадра в кадр» — еще один эффективный способ передать глубину сцены. Ищите такие элементы, как окна, арки или нависающие ветви, чтобы обрамить сцену.«Рамка» не обязательно должна окружать всю сцену, чтобы быть эффективной.

На фотографии выше, сделанной на площади Сан-Марко в Венеции, я использовал арку, чтобы обрамить базилику Святого Марка и колокольню в дальнем конце площади. Использование пейзажа, просматриваемого через арки, было общей чертой живописи эпохи Возрождения как способ изображения глубины. Как видите, когда я сделал снимок, площадь была совершенно пуста. Это одно из преимуществ вставания в 5 утра. Раннее утро — одно из моих любимых времен гулять с камерой.

Рамы не обязательно должны быть искусственными объектами, такими как арки или окна. Фотография ниже была сделана в графстве Килдэр в Ирландии. На этот раз я использовал ствол дерева справа и нависающую ветвь, чтобы создать рамку вокруг сцены, содержащей мост и лодочный домик. Обратите внимание, что хотя в данном случае «рамка» на самом деле не окружает всю сцену, она все же добавляет ощущение глубины.

Использование «кадра в кадре» дает прекрасную возможность использовать ваше окружение для творчества в ваших композициях.

№ 5. Ведущие строки

Ведущие линии помогают провести зрителя по изображению и сосредоточить внимание на важных элементах. В качестве направляющих линий можно использовать любые дорожки, стены или узоры. Взгляните на приведенные ниже примеры.

На этой фотографии Эйфелевой башни я использовал узоры на брусчатке как ведущие линии. Линии на земле ведут зрителя к Эйфелевой башне вдалеке. Вы также заметите, что я использовал центрированную композицию для этой сцены.Симметрия моего окружения позволила этому типу композиции хорошо работать.

Ведущие линии не обязательно должны быть прямыми, как показано на рисунке выше. На самом деле изогнутые линии могут быть очень привлекательными композиционными элементами. В этом случае путь ведет зрителя вправо от кадра, прежде чем повернуть налево к дереву. Я также использовал правило третей при создании кадра.

№ 6. Диагонали и треугольники

Часто говорят, что треугольники и диагонали добавляют фотографии «динамическое напряжение».Моя свекровь также отлично справляется с добавлением напряжения в любую сцену. Что мы подразумеваем под «динамическим напряжением»? Это может быть сложно объяснить и может показаться немного претенциозным. Посмотрите на это так, горизонтальные и вертикальные линии предполагают стабильность. Если вы увидите человека, стоящего на ровной горизонтальной поверхности, он будет казаться довольно устойчивым, если только он не выйдет из паба в 2 часа ночи. Поставьте этого человека на наклонную поверхность, и он будет казаться менее устойчивым. Это создает визуально определенную напряженность.Мы не так привыкли к диагоналям в повседневной жизни. Они подсознательно предполагают нестабильность. Использование треугольников и диагоналей в наших фотографиях может помочь создать ощущение «динамического напряжения».

Включение треугольников в сцену — особенно эффективный способ создания динамического напряжения. Треугольники могут быть фактическими объектами в форме треугольников или подразумеваемыми треугольниками. Я объясню это более подробно чуть позже.

Это изображение моста Сэмюэля Беккета в Дублине включает в себя множество треугольников и диагоналей.Сам мост представляет собой настоящий треугольник (на самом деле предполагается, что на его стороне изображена кельтская арфа). В сцене также есть несколько «подразумеваемых» треугольников. Обратите внимание на то, что ведущие линии справа от кадра диагональны и образуют треугольники, которые пересекаются в одной точке. Это «подразумеваемые треугольники». Если диагонали расходятся в разных направлениях, это добавляет сцене «динамического напряжения». И снова вы можете увидеть, как я объединил две техники для создания изображения: направляющие линии и диагонали.

На этой фотографии Hotel de Ville в Париже подразумеваемые треугольники и диагонали создают ощущение динамического напряжения. Мы не привыкли видеть в повседневной жизни здания, наклоненные под таким углом. Это немного нарушает наше чувство равновесия. Вот что создает визуальное напряжение. Вы также можете говорить о динамическом напряжении, чтобы звучать умно (или раздражающе претенциозно) перед друзьями.

№ 7. Узоры и текстуры

Человеческие существа от природы привлекают узоры.Они визуально привлекательны и предполагают гармонию. Узоры могут быть сделаны вручную, как серия арок, или естественными, как лепестки на цветке. Использование узоров в ваших фотографиях — всегда хороший способ создать приятную композицию. Менее регулярные текстуры также могут быть очень приятными для глаз.

Фотография выше была сделана в Тунисе. Я использовал узор на брусчатке, чтобы обратить внимание на куполообразное здание. Само здание включает узор в виде серии арок.Куполообразная крыша также дополняет округлые арки внизу.

На этой второй фотографии, также снятой в Тунисе, мне очень понравилась текстура камня на земле. Это менее регулярный узор, чем на первом фото, но игра света и тени на поверхности очень приятная. Также есть интересные текстуры на стенах и крыше коридора. Вы также могли заметить, что арка создает «рамку в рамке» вокруг мужчины и кафе с другой стороны арки.

№ 8. Правило шансов

В мире фотографии, безусловно, существует множество «разногласий», но «правило разногласий» — это нечто совершенно иное. Правило предполагает, что изображение будет более привлекательным при нечетном количестве предметов. Теория предполагает, что четное количество элементов в сцене отвлекает, поскольку зритель не уверен, на каком из них сосредоточить свое внимание. Нечетное количество элементов кажется более естественным и приятным для глаз. Честно говоря, я думаю, что во многих случаях это не так, но, безусловно, применимо в определенных ситуациях.Что делать, если у вас четверо детей? Как вы решаете, какой из них не включать в кадр? Лично я руководствовался будущим потенциалом заработка.

Фотография выше является примером правила вероятности. Я намеренно построил сцену так, чтобы она включала три арки. Думаю, две арки тоже не сработали бы и могли разделить внимание зрителя. Так же случилось, что на месте происшествия было три человека. В этой композиции также используются узоры и «рамки в кадре».

На фотографии двух гондольеров в Венеции выше вы увидите, что я полностью проигнорировал правило вероятности. Это правда, что ваше внимание может переключаться между каждым гондольером. Однако это именно то, на что похож разговор двух людей, туда и обратно. По этой причине я думаю, что в данном случае работает четное количество предметов.

№ 9. Заполнить рамку

Заполнение кадра объектом, оставляя мало или совсем не оставляя вокруг него места, может быть очень эффективным в определенных ситуациях.Это помогает полностью сосредоточить внимание зрителя на главном предмете, не отвлекаясь. Это также позволяет зрителю исследовать детали объекта, которые были бы невозможны, если бы фотографировали с большого расстояния. Заполнение кадра часто связано с тем, что вы подбираетесь так близко, что фактически можете вырезать элементы объекта. Во многих случаях это может привести к очень оригинальной и интересной композиции.

На фотографии моего домашнего кота слева вы заметите, что я полностью заполнил рамку его мордочкой, даже обрезав края его головы и гриву.Это позволяет зрителю действительно сосредоточиться на деталях, таких как глаза или текстура шерсти. Вы также можете заметить, что в этой композиции я использовал правило третей. Он прекрасный питомец, но вы должны посмотреть, в каком состоянии находится наша мебель. Еще он любит детей, но целиком съесть не мог.

На втором снимке Собора Парижской Богоматери в Париже я оставил очень мало места по краям здания. Цель этой фотографии — продемонстрировать архитектурную деталь фасадного фасада здания.

№ 10. Оставить отрицательное пространство

Еще раз полностью противоречу самому себе! В последнем руководстве я сказал вам, что заполнение кадра хорошо работает как композиционный инструмент. Теперь я собираюсь сказать вам, что делать прямо противоположное тоже хорошо. Очень привлекательно оставлять вокруг объекта много пустого или «негативного» пространства. Создает ощущение простоты и минимализма. Подобно заполнению кадра, он помогает зрителю сосредоточиться на главном, не отвлекаясь.

Эта фотография гигантской статуи индуистского бога Шивы на Маврикии является хорошим примером использования негативного пространства. Статуя, очевидно, является основным объектом, но я оставил вокруг нее много места, заполненного только небом. Это фокусирует наше внимание на самой статуе, давая основному объекту, так сказать, «пространство для дыхания». Композиция также создает ощущение простоты. В этой сцене нет ничего сложного. Это статуя в окружении неба, вот и все. Я также использовал правило третей, чтобы поместить статую справа от кадра.

№ 11. Простота и минимализм

В последнем руководстве мы увидели, как оставление отрицательного пространства вокруг основного объекта может создать ощущение простоты и минимализма. Сама простота может быть мощным инструментом композиции. Часто говорят, что «лучше меньше, да лучше». Простота часто означает съемку фотографий с несложным фоном, который не отвлекает от основного объекта. Вы также можете создать простую композицию, увеличив масштаб части объекта и сфокусировавшись на конкретной детали.

На этой первой фотографии я увеличил несколько капель воды на листе в саду. Это такой простой предмет, но он также очень красив благодаря своей простоте. Хороший макрообъектив может быть очень полезным инструментом для создания таких фотографий.

На этой второй фотографии дерева на рассвете я использовал очень простой и лаконичный фон, чтобы сосредоточить внимание на дереве. На этой фотографии использовано «негативное пространство», чтобы создать ощущение простоты и минимализма.Я также использовал правило третей и ведущих линий в композиции.

№ 12. Изолировать подопытного

Использование малой глубины резкости для изолирования объекта — очень эффективный способ упростить композицию. Используя широкую диафрагму, вы можете размыть фон, который в противном случае мог бы отвлекать от вашего основного объекта. Это особенно полезный прием для портретной съемки. Вы можете узнать больше о том, как использовать различные настройки диафрагмы, в моем руководстве по диафрагме, выдержке и ISO.

На этой фотографии кошки, прячущейся в коробке, я установил диафрагму f3.5, которая очень широкая, что приводит к очень размытому фону. Это позволяет сосредоточить внимание на кошке, поскольку размытый фон теперь меньше отвлекает. Этот прием — отличный способ упростить композицию. Возможно, вы заметили, что я также использовал эту технику, чтобы сосредоточить внимание на каплях воды на листе в последнем руководстве.

№ 13. Измени свою точку зрения

Большинство фотографий делается на уровне глаз.В моем случае это всего лишь 5 футов! Поднятие вверх или вниз может быть способом создания более интересной и оригинальной композиции знакомого предмета. Я часто видел, как фотографы дикой природы лежали в грязи на животе, чтобы сделать идеальный снимок.

Этот снимок ночного Парижа был сделан с крыши башни Монпарнас в 15-м округе Парижа. Всякий раз, когда я приезжаю в город, я всегда стараюсь посмотреть, есть ли там здания со смотровыми площадками, чтобы можно было сфотографировать город сверху.Поднявшись наверх, вы сможете запечатлеть захватывающий вид на город, особенно ночью.

Иногда найти эту идеальную точку зрения означает намочить ноги. Выше снимок, который я сделал, стоя в ручье в Баллихоре, графство Лимерик, Ирландия. На самом деле мне пришлось довольно долго ждать, пока пройдет ливневый дождь и вернется солнце. Но это того стоило — спуститься вниз и запечатлеть движение воды, как если бы она текла по камням. Однако мне потребовалось несколько стаканов горячего виски, чтобы снова согреться.

№ 14. Ищите особые сочетания цветов

Использование цвета — часто упускаемый из виду инструмент композиции. Теория цвета — это то, с чем хорошо знакомы графические дизайнеры, модельеры и дизайнеры интерьеров. Некоторые цветовые комбинации хорошо дополняют друг друга и могут быть очень яркими визуально.

Взгляните на цветовое колесо выше. Вы можете видеть, что цвета логически расположены в сегментах круга.Цвета, противоположные друг другу на цветовом круге, называются «дополнительными цветами». Как фотографы, мы можем искать сцены, в которых используются дополнительные цвета, чтобы создавать привлекательные и яркие композиции.

Вы когда-нибудь замечали, сколько постеров к фильмам имеют синюю и желто-оранжевую цветовую схему? Это сделано намеренно, чтобы создать привлекательную рекламу.

Я сам использовал поразительное сочетание синего и желтого цветов на этой фотографии таможни в Дублине.Желтые оттенки освещенного здания красиво контрастируют с темно-синим голубым часовым небом.

Красный и синий также являются дополнительными цветами на цветовом круге. В прошлом году торговый центр Stephen’s Green в Дублине был освещен красным светом на Рождество. Это было очень поразительно на фоне темно-синего ночного неба. Я люблю фотографировать города в синий час. Глубокое синее небо в это время является очень привлекательным фоном для городской архитектуры и огней.Чистый черный цвет позднего ночного неба не так бросается в глаза и слишком резко контрастирует с огнями города.

№ 15. Правило пространства

Правило пространства относится к направлению, в котором объект (ы) на фотографии смотрит или движется. Например, если вы фотографируете движущийся автомобиль, в кадре должно быть больше места перед автомобилем, чем за ним. Это означает, что в раме есть место, в которое можно въехать. Взгляните на пример лодки ниже.

На этом фото лодка помещена с левой стороны кадра, когда она движется слева направо. Обратите внимание на то, что у лодки гораздо больше места для движения впереди ее направления (вправо), чем позади нее. Мы можем мысленно представить лодку, движущуюся в это пространство, пока она плывет по реке. У нас также есть подсознательная склонность с нетерпением ждать того, куда направляется объект. Если бы лодка находилась прямо с правой стороны кадра, это уводило бы нас от фотографии!

Это также можно использовать для изображений людей.Правило пространства предполагает, что объект должен смотреть в кадр, а не из него. Взгляните на музыканта на фото выше. Я составлял кадр, когда он сидел слева от кадра. Он смотрит вправо (когда мы смотрим на него) в пространство между ним и правым краем кадра. Если бы он смотрел в другую сторону, он выглядел бы из кадра, и это выглядело бы странно. Глядя в пространство в кадре, он ведет наш взгляд мимо человека, опирающегося на перила, и парочки, танцующей справа.

№ 16. Правило слева направо

Существует теория, согласно которой мы «читаем» изображение слева направо так же, как мы читаем текст. По этой причине рекомендуется, чтобы любое движение, изображаемое на фотографии, было направлено слева направо. Это все очень хорошо, но предполагается, что зритель из страны, где текст читается слева направо. Многие языки читаются справа налево, например, арабский. Честно говоря, я видел множество фантастических фотографий, которые «перетекают» справа налево.

Однажды судья раскритиковал меня за то, что женщина на фотографии, которую я сделал, шла справа налево. Он сказал мне, что это не соответствует правилу «слева направо». Я напомнил судье, что фотография была сделана в Тунисе, где люди читали справа налево. Я не выиграл.

Фотография выше соответствует правилу «слева направо». Женщина, выгуливающая собаку в саду Тюильри в Париже, идет слева направо от кадра. Эта фотография также соответствует «правилу космоса».Вы заметите, что перед женщиной гораздо больше места, чем позади нее. У нее достаточно «пространства», чтобы войти в кадр. Я также использовал правило третей и «кадр в кадре», чтобы скомпоновать эту фотографию.

№ 17. Элементы баланса в сцене

Первым правилом композиции, которое мы рассмотрели в этом уроке, было «правило третей». Это, конечно, означает, что мы часто размещаем основной объект фотографии сбоку от кадра вдоль одной из вертикальных линий сетки.Иногда это может привести к нарушению баланса в сцене. Это может оставить что-то вроде «пустоты» в остальной части кадра.

Чтобы преодолеть это, вы можете скомпоновать свой снимок, включив в него второстепенный объект меньшей важности или размера с другой стороны кадра. Это уравновешивает композицию, не отвлекая внимание от основного объекта фотографии.

Взгляните на эту фотографию богато украшенного фонарного столба на мосту Александра III в Париже.

Сам фонарный столб заполняет левую часть рамы.Эйфелева башня в счетчике расстояний уравновешивает это на другой стороне кадра.

Возможно, вы заметили, что это, похоже, противоречит идее отрицательного пространства, упомянутой в рекомендации № 10. Это также противоречит «правилу шансов», поскольку теперь у нас четное количество элементов в сцене. Как я сказал в самом начале этого урока, в фотографической композиции нет незыблемых правил. Некоторые из этих рекомендаций противоречат друг другу, и это нормально. Некоторые рекомендации подходят для определенных типов фотографий, а не для других.Это вопрос суждений и экспериментов.

Фотография выше была сделана в Венеции. И снова декоративный фонарный столб доминирует с одной стороны рамы. Башня церкви вдалеке обеспечивает баланс по ту сторону каркаса.

Это также оказывает вторичное влияние на композицию. Церковная башня вдали очевидно намного больше, чем фонарный столб в реальной жизни. На фотографии он кажется меньше, поскольку находится далеко. Это помогает добавить сцене ощущение глубины и масштаба.

№ 18. Сопоставление

Сопоставление — очень мощный инструмент композиции в фотографии. Сопоставление означает включение в сцену двух или более элементов, которые могут либо контрастировать друг с другом, либо дополнять друг друга. Оба подхода могут очень хорошо работать и играть важную роль в том, чтобы фотография рассказывала историю.

Взгляните на это фото, сделанное в Париже. В нижней половине кадра у нас есть немного грубые и готовые книжные стойки, заполненные беспорядком и плакатами, свисающими с вершин.Однако над всем этим возвышается великолепный средневековый собор Нотр-Дам. Эта архитектурная жемчужина является воплощением порядка и структуры в отличие от простых, но привлекательных книжных киосков ниже. Они кажутся прямо противоположными друг другу, но вместе они хорошо работают. Оба они по-разному представляют город Париж. Они рассказывают историю о двух разных частях города.

Фотография выше была сделана во Франции, но на этот раз в живописной деревушке Мейсак на юго-западе.На этом снимке старый автомобиль Citroen 2CV выглядит как дома на фоне типичного французского кафе на заднем плане. Эти два элемента идеально дополняют друг друга. Человек, стоящий к нам спиной в кафе, является владельцем машины, и он казался удивленным, когда я спросил, можно ли сфотографировать его машину. Он спросил, почему я когда-нибудь захочу сфотографировать «ту старую вещь». Похоже, он не осознавал, что невольно создал типично французскую сцену, припарковавшись перед этим конкретным кафе.

№ 19. Золотые треугольники

Ты все еще со мной? Мы почти там…. Я обещаю. Композиция золотых треугольников работает очень похоже на правило третей. Однако вместо сетки из прямоугольников мы разделяем рамку диагональной линией, идущей от одного угла к другому. Затем мы добавляем еще две линии из других углов к диагональной линии. Две меньшие линии пересекаются с большой линией под прямым углом, как показано ниже. Это делит рамку на серию треугольников.Как видите, этот способ компоновки помогает нам ввести элемент «динамического напряжения», о котором мы узнали в рекомендации № 6. Как и в случае с правилом третей, мы используем линии (в данном случае треугольников), чтобы помочь нам. расположите различные элементы в сцене.

На фото выше сильные диагонали, которые повторяют линии «золотых треугольников». Световые дорожки от движения идеально повторяют диагональную линию, идущую от верхнего правого угла до нижнего левого угла.Вершины домов слева находятся рядом с меньшей диагональю слева. Маленькая линия справа пересекается с большей линией в верхнем углу зданий.

На фотографии выше «правило треугольников» используется более тонким образом. Головы статуй образуют «подразумеваемый треугольник». Эта линия ведет нас к Эйфелевой башне вдалеке. Меньшая линия слева пересекает более длинную линию справа на полпути к Эйфелевой башне. Меньшая линия справа проходит прямо между двумя статуями.Правило треугольников может показаться сложным способом упорядочивания фотографии, но оно может привести к созданию действительно ярких композиций.

№ 20. Золотое сечение

Что такое золотое сечение? На самом деле это очень просто: две величины находятся в золотом сечении, если их соотношение совпадает с отношением их суммы к большему из двух величин. Подожди, что теперь? Хорошо, если это звучит слишком сложно, возможно, вам поможет математическая формула:

Что значит, вы еще больше запутались?

Это правда, что метод золотого сечения для создания фотографии поначалу может показаться очень сложным.На самом деле все очень просто. Это похоже на чуть более сложную версию правила третей. Вместо обычной сетки рамка разделена на серию квадратов, как в примерах ниже. Это известно как «Фи-сетка». Затем вы можете использовать квадраты, чтобы нарисовать спираль, похожую на раковину улитки. Это называется «спиралью Фибоначчи». Квадраты помогают расположить элементы в сцене, а спираль дает нам представление о том, как сцена должна течь. Это немного похоже на невидимую ведущую линию.

Считается, что метод композиции по золотой спирали существует уже более 2400 лет и был изобретен в Древней Греции.Он широко используется во многих видах искусства, а также в архитектуре как способ создания эстетически приятных композиций. Особенно хорошо он использовался в искусстве эпохи Возрождения.

Хорошо, я должен здесь кое-что признать. На самом деле я никогда специально не собирался создавать фотографии с использованием золотого сечения. Когда я просмотрел свои фотографии, я заметил, что случайно использовал его несколько раз.

Я сделал это фото в Венеции. Мост и ступени слева занимают большую площадь справа.Затем спираль Фибоначчи ведет нас отсюда через вершину моста к двум женщинам, сидящим рядом с ним. Возможно, это была удачная случайность, но, похоже, это сработало!

Золотое сечение можно настроить в разных направлениях. На этой фотографии, сделанной в Праге, спираль ведет нас через мост к замку на дальнем берегу. Еще одна удачная случайность!

Очевидно, что было бы невозможно иметь в виду все эти композиционные принципы, пока вы снимаетесь.Твой мозг растает! Тем не менее, хорошее упражнение — стараться использовать один или два из них каждый раз, когда вы выходите на улицу. Вы можете провести фотосессию, в которой вы будете искать ситуации, в которых, например, можно использовать «рамку в рамке».

Через некоторое время вы обнаружите, что многие из этих рекомендаций укоренились. Вы начнете использовать их естественным образом, не задумываясь о них. Как видно из золотого сечения, я даже использовал одно из них, даже не осознавая этого!

Надеюсь, этот урок был вам полезен и поможет вывести вашу фотографию на новый уровень.

---

П.С. Еще одно упражнение, которое вы можете сделать, — это посмотреть на некоторые фотографии в моих галереях или на любую коллекцию фотографий и попытаться понять, можете ли вы сказать, какие композиционные приемы использовались.

---

Об авторе : Барри О Кэрролл — фотограф из Дублина, Ирландия, специализирующийся на пейзажной фотографии с особым упором на городские пейзажи, уличные сцены и архитектурную фотографию. Вы можете найти больше его работ на его веб-сайте или подписавшись на него в Facebook и Twitter.Эта статья также была опубликована здесь.

10 советов по композиции для получения лучших фотографий на iPhone

Композиция — это ключ к тому, чтобы ваши фотографии на iPhone заметили. Любой может навести камеру и сделать снимок, но требуется более опытный фотограф, чтобы сделать снимок, который будет визуально привлекательным и привлечет внимание зрителя. В этом уроке вы познакомитесь с 10 наиболее важными принципами композиции, которые помогут выделить ваши фотографии на iPhone.

Композиция — это просто способ расположения ключевых элементов или объектов в сцене.С каждой сделанной фотографией вы должны задавать себе следующие вопросы:

• Как мне привлечь внимание к основному предмету?

• Как я могу направить взгляд зрителя на изображение и вокруг него?

• Как убрать отвлекающие части сцены?

Помня об этих вопросах, давайте рассмотрим десять важных методов композиции, которые помогут улучшить ваши фотографии на iPhone.

1. Включите точку фокусировки

Фотография должна включать основной объект или достопримечательность.Эта точка фокусировки придает вашей фотографии смысл и дает зрителю место для отдыха. Без фокуса ваше изображение вряд ли надолго задержит внимание зрителя.

При фотографировании всегда спрашивайте себя: «Что в этой сцене больше всего интересует?» или «Какая моя основная тема?» Часто легко включить точку фокусировки, но иногда вам нужно найти интересный объект, чтобы включить его в сцену.

Овца на этом изображении является точкой фокусировки.Без них фотография была бы довольно скучным пейзажем и не могла бы надолго задержать ваше внимание. Овца дает вам место для отдыха, когда вы смотрите вокруг.

После того, как вы определили основной предмет или достопримечательность, вы можете построить свою композицию вокруг этого фокуса, чтобы привлечь к нему внимание. В этом вам помогут следующие приемы композиции.

2. Следуйте правилу третей

Правило третей касается того, где вы размещаете основные элементы в сцене.Правило (которое на самом деле является лишь ориентиром) предполагает, что изображение будет выглядеть более сбалансированным и эстетически приятным, если вы разместите важные части сцены не по центру.

Включите линии сетки в приложении камеры iPhone, чтобы отобразить две горизонтальные и две вертикальные линии. Правило третей предполагает, что самые сильные области изображения — это четыре точки, где линии пересекаются, и что наши глаза, естественно, в первую очередь обращаются к этим областям. Расположите ваш основной объект на одном из этих пересечений, чтобы выделить объекту наибольший акцент.

Самая важная часть фотографии выше — лицо ребенка. Следуя правилу третей, лицо располагалось на правом верхнем перекрестке. Хотя при съемке фотографий лучше всего применять правило третей, вы также можете сделать это, обрезав изображение позже.

На этой фотографии я расположил главную точку фокусировки (дерево) там, где должно быть верхнее правое пересечение. Правило третей также предполагает, что наиболее важные линии на фотографии (как горизонтальные, так и вертикальные) должны располагаться вдоль линий сетки.Итак, я разместил горизонт вдоль верхней горизонтальной линии сетки, и «линия», разделяющая зеленую и желтую области внизу фотографии, примерно соответствует положению нижней горизонтальной линии сетки.

3. Сбалансировать изображение по диагонали

Использование правила третей для размещения основного объекта вне центра создает более интересную и гармоничную композицию, но может оставить пустое пространство в сцене, что приведет к несбалансированному изображению. Вы можете сбалансировать «вес» вашего объекта, включив другой объект, чтобы заполнить пространство.

Вы можете использовать «диагональный принцип», чтобы сбалансировать несколько объектов на фотографии. Принцип диагонали гласит, что наиболее важные части изображения (основные предметы) должны располагаться по диагонали.

Если все важные области изображения расположены вверху или внизу, слева или справа, изображение будет выглядеть несбалансированным. При фотографировании представьте себе диагональную линию, проведенную от одного угла изображения к противоположному углу, а затем разместите основные объекты по этой линии.

На этой фотографии чашка сбалансирована черным кружком в правом нижнем углу. Если бы внизу справа не было ничего интересного, фотография выглядела бы несбалансированной. Если бы оба объекта находились вверху или внизу изображения или с одной стороны, это также было бы несбалансированным. Выравнивая ключевые части композиции по диагонали, изображение получается сбалансированным как по горизонтали, так и по вертикали.

4. Снимайте с более низкого угла

Вместо того, чтобы делать снимки с уровня глаз, вы часто обнаруживаете, что я сижу на корточках с моим iPhone или даже лежу на земле, чтобы я мог снимать с очень низкого угла.Этот метод может помочь упростить композицию, а также дает уникальную точку зрения, которую обычно не видит большинство людей.

Съемка этих цветов в саду под низким углом была гораздо лучшим вариантом, чем съемка с уровня глаз. Он устранил отвлекающий фон, а также имел дополнительное преимущество в виде подсветки цветов сзади, чтобы вы могли видеть интересные детали в лепестках.

5. Включить интерес переднего плана

Включение объектов переднего плана — отличный способ добавить интереса к фотографиям на iPhone.Это также придает изображению большую глубину, помогая направить взгляд от передней части фотографии к задней. Съемка с меньшего угла часто упрощает включение объектов на передний план.

Для этой фотографии я присел так, чтобы желтые линии на дорожке выделялись на переднем плане. Представьте, насколько менее интересным было бы фото, если бы я сделал несколько шагов вперед и включил только темные камни на переднем плане.

На этой фотографии пена на переднем плане добавляет интерес и контраст по сравнению с тем, что в противном случае было бы очень темным передним планом.Это также придает фотографии глубину, направляя взгляд от передней части изображения к брызгам воды.

6. Используйте ведущие линии

Включение линий в вашу композицию — отличный способ привлечь внимание к изображению. В идеале линии должны вести к основному объекту, и они обычно работают лучше, если проходят по диагонали, а не по горизонтали или вертикали.

Дороги, тропы, железнодорожные пути, мосты и реки обычно используются в качестве направляющих линий. При правильном использовании направляющие линии — один из самых эффективных способов создать изображение с действительно сильным визуальным воздействием, которое привлечет внимание к вашим фотографиям на iPhone.

На фотографии выше есть несколько линий, ведущих к идущим вдалеке. Сходящиеся линии обращают ваш взгляд прямо на людей. Линии также придают изображению глубину, поскольку ваш глаз следует за ними от передней части к задней части фотографии.

На этой фотографии линия пены идет по диагонали от переднего плана к серферу вдалеке.

7. Заполните рамку

Вашим фотографиям на iPhone не будет хватать впечатляющего эффекта, если главный объект не будет достаточно четко выделяться на фоне окружающего пространства.Один из простых приемов композиции — заполнить весь кадр вашим объектом. Это означает приближение к объекту съемки и устранение всего окружающего фона.

Заполнение рамки придает вашим фотографиям более интимный и значительный эффект. Удаление ненужных деталей фона гарантирует, что объект полностью привлечет внимание зрителя. Он также захватывает больше деталей и может создавать действительно уникальные и абстрактные изображения.

Когда я заметил эту кучу бревен в поле, я решил заполнить рамку только бревнами, чтобы убрать поле и небо с картинки.Это позволило создать более мощную и абстрактную композицию и сосредоточить ваше внимание на узорах сцены.

Заполнение рамы с этим листом очень хорошо получилось. Съемка крупным планом позволила запечатлеть цвет и детали листа и устранила отвлекающие фоновые объекты, окружающие его. Диагональная композиция обеспечивает сбалансированность изображения.

8. Оставьте пространство для движения

Когда вы смотрите на фотографию, содержащую движущийся объект, например, человека, идущего или едущего на велосипеде, ваш глаз, естественно, смотрит вперед и следит за направлением, в котором он движется.

Поэтому, если вы снимаете сцену, в которой ваш объект движется, лучше оставить внутри кадра достаточно места, чтобы глаз мог следить за этим движением. Обычно это означает, что перед ними нужно оставлять больше места, чем за ними.

Размещение человека в правой части кадра дает нашему глазу возможность следить в том направлении, в котором он движется — по сути, это дает ему пространство для движения. Если бы он был расположен слева от кадра, это создавало бы впечатление, что он вот-вот выпрыгнет из фотографии, и ваш глаз быстро оторвется от кадра.

Предоставление пространства для перемещения объекта создает более естественную и гармоничную композицию. Отсутствие достаточного пространства для движущегося объекта может вызвать чувство дисбаланса и беспокойства. Вы также можете использовать этот принцип для портретов — естественно, ваш глаз имеет тенденцию следовать за взглядом человека, поэтому оставляйте больше места перед ним, чем за ним, чтобы дать ему возможность взглянуть.

9. Обрамление объекта

Обрамление включает использование объектов на переднем плане сцены для создания «рамки» вокруг основного объекта.Арочные проемы, дверные проемы, окна, ветки деревьев и норы образуют идеальные рамы.

Размещение таких объектов по краю композиции помогает изолировать главный объект, привлекая к нему взгляд.